RESENHA: Após 15 anos, o Moptop volta com Long day, disco maduro, emocional e cheio de referências que vão do indie ao country e ao art rock dos anos 1980.

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O Moptop, a banda mais bem sucedida da onda indie-rocker brasileira dos anos 2000, espalha-se hoje em três continentes: América do Norte (o vocalista e compositor Gabriel Marques), Oceania (o guitarrista Rodrigo Curi) e América do Sul (o batera Mario Mamede e o baixista Daniel Campos). Long day, terceiro álbum, lançado após um chá de sumiço de 15 anos, foi gravado remotamente e chega às plataformas a bordo de um curioso cavalo-de-pau geracional: os Strokes, alta referência dos dois álbuns do Moptop gravados nos anos 2000, já viraram uma entidade referencial tão forte quanto o The Police era nos anos 1980.

Como assim? Explico: várias bandas indies (e até alguns artistas de indie pop) dos dias de hoje incluem batidas dançantes e guitarras em vibe Motown em suas músicas. Para quem tinha entre 20 e 30 anos em 2001, isso é basicamente “olha que legal, esses caras andaram ouvindo Strokes” – mesmo que os truques da banda norte-americana tenham sido chupadíssimos de grupos como The Clash, The Jam, Ramones e The Cure. Por outro lado, o Moptop que surge da audição de Long day é uma banda com uma biblioteca de referências bem mais rica do que há vinte anos.

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O Moptop volta decidido a contar histórias e dividir vivências nas letras – como nos álbuns anteriores, mas com mais foco e direcionamento. Long day é um disco sobre as consequências do cenário onde a própria banda surgiu (o mundo digital) e seus estresses, relacionamentos cagados, vagas arrombadas e traumas do dia a dia. Musicalmente, o som invade áreas como a do rock britânico oitentista (Last time) e acrescenta elementos como a união entre anos 1980 e 1960 (Ghosts), power pop (Glow, Running) e algo entre Pretenders e Eurythimcs (Fear, com graça extra dada pelos metais). E, inesperadamente, um clima herdado do country surge em faixas como Falling e Long day, adornadas com slide guitars – a segunda chega a lembrar o Lulu Santos de 1982 no começo.

No single Tightrope, a união de referências chega a um ponto máximo: é um rock com design de tecnopop, baixo à frente executado como num loop, e uma guitarra com um inesperado aspecto blues. No final, One in a million é talvez a canção mais emocional do dsco, com estileira de pop adulto oitentista, efeitos de guitarra e metais. O Moptop ressurge mais voltado para o art rock, cantando em inglês e conectado com os truques de produção e e design sonoro de 2025.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 8,5
Gravadora: Yeah Rock Records
Lançamento: 6 de junho de 2025.

RESENHA: Lifeguard estreia com Ripped and torn, disco de 2025 que parece perdido em 1978: pós-punk ruidoso, no wave, caos melódico e energia crua do começo ao fim.

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Kai Slater (guitarra, voz), Asher Case (baixo, guitarra barítono, voz) e Isaac Lowenstein (bateria, synth), os três do Lifeguard, poderiam ser três caras de 60-65 anos hoje em dia. E Ripped and torn, primeiro álbum do trio, poderia ser uma obra perdida do indie rock norte-americano gravada em 1978 e esquecida num estúdio – ou guardada como uma mensagem na garrafa.

Mas nada disso. O Lifeguard é uma banda de 2025, nascida em Chicago, e que faz pós-punk, no wave e rock ruidoso em geral, com emanações do esporro: Wire, Gang Of Four, Public Image Ltd e Slits são devidamente lembrados nas doze faixas de seu debute, Ripped and torn.

A tightwire, na abertura, é pós-hardcore (modernidade, enfim) feito com mente de fã de Ramones e de Black Flag. It will get worse e Me and my flashes são puro ruído guitarrístico – a segunda apita como uma sirene. Faixas como Charlie’s vox e Ripped + torn são quase sludge metal dosado, lembrando algo que fica entre Melvins, Flipper e Swans.

• Ouvimos: Gang Of Four – Shrinkwrapped (relançamento)
• Aquela vez em que Andy Gill (Gang Of Four) gravou solo
• Relembrando: Wire – Pink flag (1977)

A anarquia sonora de faixas como (I wanna) Break out e Like you’ll lose tem algo da maneira como a no wave e o começo do math rock foram relidos no Brasil – Voluntários da Pátria, Patife Band. Já How to say deisar é a prova de que, em meio aos decibéis, o Lifeguard sabe construir boas melodias – aliás em meio à experimentação também, porque aqui surge algo que lembra Captain Beefheart e disco music punk, com ecos também de Gang Of Four e Wire. France and põe quilos de peso em algo que lembra The Damned e Buzzcocks.

A variedade do Lifeguard aponta ainda para uma união de no wave, psicodelia e clima mod na onda do Who e dos Kinks (Under your reach) e para o som maníaco, percussivo e experimental (a vinheta instrumental Music for 3 drums, quase um ET jazzístico, experimental e dadaísta num disco de punk rock). Se não ouvir no volume máximo nem tem graça.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 9
Gravadora: Matador Records
Lançamento: 6 de junho de 2025.

RESENHA: Segundo disco de Jadsa, Big buraco mistura MPB setentista, jazz, soul, neo soul e indie, com espírito livre, crítica social e ousadia sonora.

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O som de Elis Regina no começo dos anos 1970 foi citado como uma das referências de Big buraco, segundo álbum de Jadsa, feito em sete dias – e na base do “aperta o play e vai!” – ao lado do produtor Antonio Neves. De fato, o clima misterioso de álbuns como Ela (1971) surge bastante na MPB existencial, observadora e meio jazz-meio soul de Big bang, logo na abertura. Na segunda faixa, Tremedêra, você demora a perceber que existe algo de blues no andamento, que vai se ajustando ao longo da faixa, de forma circular.

Alguns detalhes de Big buraco apontam de verdade para um clima de “bem vindos (as) aos anos 1970!”. Tem o piano Rhodes que vai surgindo ao longo do disco, e soa bem próximo de discos de Gal Costa como Caras e bocas (1977). Também tem o soul tropicalista de 1000 sensations, em que a voz de Jadsa lembra a de Gilberto Gil. No final, o estilo forte e repleto de personalidade de Samba pra Juçara (uma homenagem à mãe de Jadsa, em parceria dela com a própria) e da faixa-título, soam como algo saído do antigo estúdio da Odeon. Como por exemplo, o disco de estreia de Di Melo (1976), cujo despojamento paira sobre várias faixas de Big buraco.

• Ouvimos: Josyara – Avia
• Ouvimos: Maria Beraldo – Colinho
• Ouvimos: Catto – Caminhos selvagens
• Ouvimos: Flaira Ferro – Afeto radical

O clima, de qualquer jeito, é de 2025 – com uma linha do tempo esticada até 1990 na qual cabem vários tons neo soul. A faixa-título fala sobre monstros que o país vai demorar para derrotar e enterrar (“big descaso / big desdém / big escarro / big saco / big susto! / big big fuzil / big Brazil / big rombo”). Sol na pele traz pop anos 1990 para o álbum – uma balada com certo tom reggae na melodia e no andamento. Big love leva o indie pop para a Bahia, Your sunshine é dub de baixa fidelidade e Big mama é jazz experimental, com letra quase concretista.

Unindo épocas e gerações, tem também a onda quase mântrica de Um choro, mais uma música no qual o Gilberto Gil que gravou músicas como Meditação é evocado (“a onda sou eu / eu que sempre serei onda / a onda sempre será eu”, diz a letra).

Texto: Ricardo Schott

Nota: 8,5
Gravadora: RISCO
Lançamento: 29 de maio de 2025