Crítica
Ouvimos: The Last Dinner Party, “Prelude to ecstasy”
- Prelude to ecstasy é o primeiro álbum do The Last Dinner Party, banda formada em Londres em 2021. O grupo tem Abigail Morris (vocais), Lizzie Mayland (vocais, guitarra), Emily Roberts (guitarra solo, mandolin, flauta), Georgia Davies (baixo) e Aurora Nishevci (teclados, vocais).
- O grupo surgiu no meio da pandemia, o que dificultava ensaios e inviabilizou shows – só tocaram ao vivo pela primeira vez em novembro de 2021. Em julho de 2022, chegaram a abrir um show para os Rolling Stones, quando ainda se chamavam The Dinner Party (o “last” foi acrescentado por causa de um grupo de hip hop chamado Dinner Party).
- O álbum tem participação de 25 músicos de orquestra. Aurora Nishevci regeu os músicos em cinco das doze faixas.
Florence + The Machine foi a referência citada por dez entre dez pessoas assim que deram uma escutada básica na estreia do The Last Dinner Party. Faz sentido, e o clima indie-pop e grandiloquente da banda londrina é citado até como influência pelas integrantes do quinteto. Não é bem assim, e vale não cair na tentação de juntar tudo no mesmo saco. Mesmo comparativamente, o TLDP soa mais sinistro, mais sessentista, mais pop-barroco. Analisado em particular, pertence a uma árvore genealógica da qual fazem parte Laura Nyro, Judee Sill, Love, Echo & The Bunnymen, David Bowie, Siouxsie Sioux, Shirelles, Kate Bush, Sparks, ABBA. Tudo o que pode soar mágico e musical simultaneamente.
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Com som celestial e estilo de amazonas (o olhar firme delas, na linha das Runaways, é o que mais chama a atenção nas fotos de divulgação da banda), as cinco integrantes do The Last Dinner Party iniciam o disco com uma vinheta-título orquestral que soa como abertura de filme – e que insere o ouvinte num universo que alude tanto aos anos 1960 quanto ao rock britânico do começo dos anos 1980.
O produtor do disco é James Ford, integrante do The Last Shadow Puppets – e o mesmo sujeito que cuidou da virada lounge pop dos Arctic Monkeys em Tranquility base hotel & casino. Um cara acostumado a lidar com bandas cujas referências se localizam entre os anos 1960 e os bodes existenciais do começo da década seguinte, como acontece com Georgia, Lizzie, Abigail, Aurora e Emily. Elas expõem em Prelude to ecstasy um mundo que só de vez em quando traz, em letras e conceito, um pouco do “êxtase” do título. Na prática, é um álbum agridoce, que mesmo tendo o romantismo e a intensidade do hit Nothing matters, une argamassa gótica, vocais quase dream pop (como na balada On your side), e uma certa tranquilidade triste, como no acalanto feminista de Beautiful boy – cuja letra fala de um garoto que “lança navios nos quais navega em segurança”, mas que desperta mais inveja do que desejo nas mulheres.
Já Burn alive, por exemplo, soa como uma renovação do pós-punk. Ceasar on a TV screen é uma mini-ópera pop cuja letra tem a mesma grandiloquência de bandas como Roxy Music e Echo & The Bunnymen (“eu sou César na tela da TV, campeã do meu destino/ninguém pode me dizer para parar, eu terei tudo que eu quiser”). The feminine urge traz de volta o som dos girl groups sessentistas – a abertura tem o mesmo riff de bateria de Be my baby, das Ronettes – e leva tudo para um lado mais existencial e sombrio, em versos como “aí vem o impulso feminino, eu o conheço tão bem/de nutrir as feridas que minha mãe segurou/oh, bailarina se curva sob o peso de tudo isso/não é divertido segurar o mundo em suas mãos?”.
A melhor do álbum, My lady of mercy, abre num desenho musical de synth pop “orgânico”, com batidas dadas por palmas, e sonoridade cheia de ganchos – com direito a uma parte 2 mais pesada, que insere uma rara faceta mais anos 1990 no disco. No final, o clima lúgubre de Mirror, soando como um curiosa mescla de ABBA e Velvet Underground. Uma estreia realmente impressionante.
Nota: 9
Gravadora: Island
Foto: Reprodução da capa do álbum.
RESENHA: Ed O’Brien mistura prog, psicodelia e influências brasileiras em Blue morpho, disco introspectivo que supera expectativas sobre sua carreira solo.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Trangressive Records
Lançamento: 22 de maio de 2026
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Já vi gente comparando a carreira solo de Ed O’Brien, guitarrista do Radiohead, às “crises de diarreia” solo de George Harrison fora dos Beatles – calma aí, né? Não dá pra comparar uma coisa com a outra de jeito algum, nem Thom Yorke é um gênio do rock como John Lennon e Paul McCartney. Pode ser que, ao adotar uma vibe meio zabelê para seu novo disco solo, Blue morpho, Ed esteja trabalhando na cabeça de fãs e crítica uma imagem “espiritualizada” que ele quer que funcione como a de Harrison.
Aí é com ele. Blue morpho, basicamente um disco progressivo, surgiu de matutações e depressões durante a pandemia, e tem entre suas inspirações, uma frase do poeta e agricultor Wendell Berry (“para conhecer a escuridão, vá até ela”) e as práticas de respiração e exposição ao frio do palestrante motivacional holandês Wim Hof. O som do álbum é frio e até meio sombrio – mas parece uma sombra que você procura, nada a ver com as trevas que aparecem na vida de vez em quando.
- Ouvindo: Modest Mouse – An eraser and a maze
As faixas surgem da simplicidade e da repetição, e vão crescendo aos poucos, como acontece com Incantations, na abertura, e Sweet spot – esta, algo entre O Terço e as passagens de violão do Pink Floyd, encerrando com um clima meio cigano no arranjo de cordas. Mas Blue morpho vai seguindo todo trabalhado na exuberância, em músicas como a faixa-título, um monolito orquestral de seis minutos (e que, só pra ficar no prog verde-e-amarelo, lembra demais Milton Nascimento e Lô Borges, por sinal). A psicodélica Teachers tem pegada funkeada e clima “tóinnnn” na onda de bandas como Gong e Can.
O terço final de Blue morpho abre com Solfeggio e Thin places, músicas curtas, simples e instrumentais, trabalhadas tanto no progressivo quanto no post rock, mas que soam mais como fillers perigosos num disco de apenas sete músicas. A surpresa no final são os dez minutos de Obrigado, homenagem de Ed ao tempo em que viveu com a esposa e os filhos no Brasil, numa região rural próxima a Ubatuba (SP). Um simpático ijexá de gringo, herdado diretamente de Caetano Veloso (sim, a voz de Ed faz lembrar), e com algumas palavras em português – e que ganha pinkfloydismos no final.
Radiohead não é Beatles, Ed não é George Harrison, mas Blue morpho desce bem e soa bem mais interessante do que a atenção desmedida aos passos confusos de Thom Yorke.
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RESENHA: Em O’JOY!, o Big Special explora sombras, poesia falada e experimentalismos, ampliando o som ácido e inquieto do duo.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: SO Recordings / Silva Screen Records
Lançamento: 5 de junho de 2026
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No excelente álbum National average, lançado ano passado, o Big Special soava como um EMF (lembra deles?) que entrou em órbita, ou como um desdobramento da receita doidona do selo Food, na virada dos anos 1980 para os 1990 – falamos exatamente isso quando resenhamos o disco. Agora chegou a hora de dar uma arrumada de respeito na casa: O’JOY! é um EP tamanho quase-família (dez músicas, meia hora de duração) em que Joe Hicklin e Callum Moloney dão uma reaproveitada no que não coube nos álbuns.
O material não coube pelas mais diversas razões – mas o Big Special não faz questão de facilitar nada pra ninguém e faz do disco um depositário de sombras e experimentalismos. Rola na poesia falada de ** e Only free when sleeping (essa, um soul gélido sobre bilionários cada vez mais bilionários), no funk-pós-punk de Plaintive native (cujo tema é a falta de esperanças, além do fim do mundo à vista), no folk punk de Lazarus e em todo o disco, que traz um design bem mais experimental que o álbum anterior.
Tanto que faixas como The wake e Family bones trazem sons como cenário – o que se desenvolve aí é a poesia crua e bem ácida do duo, sempre apontando para os momentos em que a humanidade parece virar geleia. Garden of fools é um ambient que aponta para um “ambiente” em que ninguém adoraria estar (“então continuamos atirando e semeando joias / para fazer brotar um jardim próspero de tolos / ao redor dos antigos túmulos / onde enterramos nossas ferramentas / depois que nos tiraram as mãos e a razão”).
Faixas como Slug life e Dragged up a hill são bem inesperadas – aliás, bem mais sérias, musicalmente falando, do que que tudo que o Big Special lançou até hoje, com belezas percussivas ou meditativas. O’JOY! vale como curtição, mas é um momento bem diferente na vida do duo.
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RESENHA: Punk, garage e pós-hardcore se cruzam no EP de estreia do Tooth, que entrega músicas intensas, sinceras e cheias de energia juvenil.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Soil To The Sun
Lançamento: 12 de junho de 2026
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Uma banda que se define como “suada e promissora”… Bom, seja lá o que queira dizer isso, o Tooth – autores aí da tal definição – se mostram exatamente isso em seu primeiro EP, Restless in bloom. Basicamente o som deles é punk e garage rock, herdado tanto do punk rock quanto do indie dos anos 2000, mas com uma tendência a surfar em torno dos ritmos. Ou seja: tem uma onda pós-hardcore sendo surfada por eles, igualmente.
- Ouvimos: Sorosoro – Eu e você ou Tudo que eu não quero que você saiba
Rola logo na primeira faixa, Schoolyard, uma lembrança de tempos idos, reconhecendo que “a cidade engoliu a gente e cuspiu de volta”. O Tooth ainda margeia o pós-punk no arranjo funkeado e garageiro de The age of innocence, música falando de dores e traumas pessoais. Wallflower e Medicine chegam perto do emo, assumido como um dos estilos pelos quais a banda passa no disco.
A faixa-título, no final, une punk e power pop em torno de uma letra que, basicamente, fala sobre a chegada ao mundo adulto – o eterno “tenho 18 anos e não sei o que quero da vida”, que sempre rende música e letra. O Tooth promete mesmo, e tem muita verdade no som.
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Ouvimos: Ed O’Brien – “Blue morpho”
Ouvimos: Big Special – “O’JOY!” (EP)
Ouvimos: Tooth – “Restless in bloom” (EP)
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Ouvindo: Modest Mouse – “An eraser and a maze”
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