Crítica
Ouvimos: Wire – “Nine sevens” (box set)
RESENHA: Wire abre caminhos do punk ao experimental: Nine sevens reúne singles lançados entre 1977 e 1980, de melodias pop a ruídos industriais, mostrando a ousadia infinita da banda.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 10
Gravadora: pinkflag
Lançamento: 25 de abril de 2025
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A banda punk / pós-punk britânica Wire é uma das manias aqui da casa – não faz muito tempo, recordamos a pré-história do grupo e demos uma geral em Pink flag, estreia da banda, de 1977. Não se trata de uma banda “punk” formal: o Wire é abrasivo, mexe em fios de alta tensão musical, e em alguns momentos, soa como o primo anarquista do rock progressivo, com sua obsessão por “ambientações” musicais, canções com segmentos diferentes (mesmo no caso de músicas curtas) e letras concretas e impenetráveis.
Nos primeiros anos, até 1980 – quando a banda entrou num hiato que durou cinco anos, para que os integrantes pudessem se dedicar a projetos individuais – o Wire era formado pelo quarteto Colin Newman (vocal, guitarra), Graham Lewis (baixo, vocal), Bruce Gilbert (guitarra) e Robert Gotobed (bateria). Hoje em dia, apenas Gilbert, que segue em carreira solo e trabalha com trilhas sonoras, não está mais na banda (Matthew Simms ocupa seu lugar desde 2010). E é dessa fase inicial que trata a caixa Nine sevens, que reúne pela primeira vez os nove compactos de sete polegadas lançados pelo grupo entre 1977 e 1980.
Nine sevens, que traz 21 gravações importantes do Wire e foi lançada em tiragem limitada para o Record Store Day desse ano, tá infelizmente esgotada no site da banda, pelo menos na versão box, com os compactinhos separados – a versão “LP duplo” ainda rola por lá e vale cada centavo. Também pode ser ouvida nas plataformas digitais. O Wire de singles como Feeling called love e I am the fly, bem do comecinho, era variado a ponto de lembrar Iggy Pop e Modern Lovers, e de adiantar o indie rock dos anos 2000 (The Killers, Franz Ferdinand).
Eles também eram uma banda voltada para o country punk abrasivo (Dot dash), para o rhythm’n blues na onda do Clash (Options r) e um grupo com um ótimo gosto para boas melodias. Tanto que a bela Outdoor miner, single do segundo álbum, Chairs missing (1978, mais elaborado e menos minimalista que a estreia), quase levou o Wire para o Globo de Ouro da BBC, o Top Of The Pops – acabou não rolando porque a EMI foi acusada de manipular as paradas para encaixar o Wire na atração.
Daí para a frente, Nine sevens se torna uma caixa de surpresas, já que o Wire entrou para o rol dos quase indefiníveis. Eram uma banda fantasmagórica (Practice makes perfect, Go ahead, Let’s panic later, Small electric piece), industrial (Former airline, com ruídos de guitarra que lembram uma transmissão de rádio, e um beat que parece a batida de Bo Diddley feita por um robô), clássica (A question of degree, que parece uma versão pós-punk da batida de Taxman, dos Beatles).
Já faixas como Midnight Bankoff café, Map Ref. 41°N 93°W e Second lenght tratavam de dar um passo à frente no som de Pink flag, com tons eletropunk e mais experimentais ainda – Second length, por exemplo, chega a lembrar Talking Heads, o que pode ser visto até como um passo comercial do Wire, mas nem tanto. Outras curiosidades são Song 1, uma espécie de afropunk com vibe Lou Reed, e a ruidosa e aterradora Catapult 30, que soa como um barco sendo remado por almas penadas. E Get down 1+ 2, som psicodélico ambient e doidão na linha das primeiras músicas do Kraftwerk, mas que vai sendo desrobotizada por uma guitarra estranhamente blueseira. Coragem musical, em todos os momentos.
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RESENHA: Martin Carr troca o britpop dos The Boo Radleys por eletrônica, dub e experimentalismo político em What future.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Sonny Boy Records
Lançamento: 1 de maio de 2026
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Principal letrista dos Boo Radleys até 1999 (ano em que deixou a banda), Martin Carr lembra bem pouco o som do grupo em seu trabalho solo – que é predominantemente eletrônico e experimental. What future, o novo álbum, segue a trilha do radicalismo sonoro e da porrada política, misturando notícias de TV, gravações aleatórias, beats eletrônicos e ondas que chegam perto do reggae e do dub. Ele diz inclusive que o disco surgiu da necessidade de mostrar em vez de contar, e que percebeu que suas letras sempre foram sobre a mesma coisa.
- Ouvimos: Aluminum – Fully beat
Martin passou um bom tempo trabalhando com trilhas pra TV e dá pra sentir um pouco disso no clima telejornal de Amerikkka is not your friend, tema eletrônico e experimental que ganha ares de dub e post rock, e no loop de percussões e sons melódicos de Canton rockers. Connie Converse is playing at my house, por sua vez, abre lembrando um teste sonoro, mas vai ganhando um beat de soul andarilho, e uma onda de beleza musical do meio para o fim. Diana F e Hex vão do pot rock eletrônico ao blues infernal e distorcido.
What future tem ainda as sombras e luzes de In the hall e New Brighton Baths 1983, mas une dub, ambient e festa soul em She came in through the Overton window e Strange now, encerrando com o synth-não-pop da faixa-título, uma música dançante e fria. Mal dá pra reconhecer o britpop dos Boo Radleys aqui, e Martin Carr busca um caminho bem novo pra sua música.
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RESENHA: Post-rock minimalista e doce: Ghost Valley mistura ambient, pós-punk e synth pop em climas belos e hipnóticos.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: Bud Tapes
Lançamento: 4 de abril de 2026
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“Vale Fantasma” é um ótimo nome. O Ghost Valley vem de Portland, Oregon, e faz algo próximo do post-rock. É um som (vá lá) experimental, sem dúvida, mas é bonito, doce e minimalista. Como na abertura com El matador e na onda ambient de Glass nebula / Furnace creek, com teclado ambient na introdução, e toques musicais que lembram o Kraftwerk da era Autobahn (1974), em que a banda ainda usava guitarras. Aos poucos, essa música vai ganhando dedilhados e até uma guitarra slide tipicamente pinkfloydiana.
Vão rolando modificações aos poucos no contexto do Ghost Valley: Vampyre é pós-punk introvertido e chuvoso, com beat mais do que minimalista e guitarra circular – uma música que parece ter sido gravada num quarto. Fear & loathing é quase progressiva, com guitarras em clima relax e um baixo que ajuda a dar sensação de completude no arranjo – até que ganha mais peso, intensidade e ar de interferência sonora. Tem ainda o synth pop doce de Topanga e o drone celestial de Airline sunset, com oito minutos. Uma beleza.
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RESENHA: Tears Of A Martian mistura neo soul, indie e pop punk em estreia nostálgica, densa e elegante, com ecos de Amy Winehouse, Smiths e Khruangbin.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: Independente
Lançamento: 8 de maio de 2026
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O Tears Of A Martian é um projeto musical criado por uma cantora e compositora de Detroit chamada Arianna Bardoni. O nome é usado por ela desde 2018, já rendeu alguns singles e EPs, e Light II dark é o primeiro álbum. Apesar do clima meio punk da capa, o som tem uma onda bem mais variada. Arianna, na voz e na guitarra, e a turma que toca com ela faz uma espécie de neo soul + jazz + pop punk, quase como se o disco fosse pensado para ser lançado em 1997 ou 1998, mas esperando para ser complementado por algum produtor mainstream. Faixas como o soul esparso Knock me down e o r&b indie e minimalista Dik têm clima de época, mas simultaneamente têm arranjos cheios de eco e ambiência, que apontam até para bandas como Khruangbin.
Músicas como Tower e Spotless mind fazem com guitarras quase limpas, baixo e bateria uma recriação da estileira soul-folk que tornou Corinne Bailey Rae famosa, enquanto Men é um rock + r&b oitentista com guitarras lembrando Smiths e interpretação análoga à de Amy Winehouse, mas bem mais contida. Um lado mais roqueiro, denso e tenso se avizinha do Tears Of A Martian em duas músicas que não abandonam o lado neo soul do projeto, Litltle blue flowers e Reel / Real. Nas letras, Arianna vai do amor ao humor em poucos minutos.
Light II dark é um disco bem underground e o Tears Of A Martian são o tipo de banda que ainda não foi abraçada pela coolzice indie. É a melhor hora pra se descobrir uma banda – mas por enquanto o som esparso e as guitarras tranquilas (na maior parte do tempo) são a cara do grupo, e algo a não ser perdido na mão de algum produtor.
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Ouvimos: Martin Carr – “What future”
Ouvimos: Ghost Valley – “Ghost Valley” (EP)
Ouvimos: Tears Of A Martian – “Light II dark”
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