RESENHA: Trio vocal Say She She mistura soul, disco e pós-punk em Cut & rewind: som dançante, moderno e político, menos retrô e mais “discodélico”.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 9
Gravadora: Drink Sum WTR
Lançamento: 3 de outubro de 2025

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O Say She She vem do Brooklyn, em Nova York, é formado por três cantoras de formação clássica (Piya Malik, Sabrina Cunningham e Nya Brown) e é costumeiramente descrito como um grupo vocal de soul + funk, só que com um coeficiente de maldade sonora a mais. Essa maldade sonora indica que, no terceiro disco, Cut & rewind, o som delas vem bem menos retrô. Ou vem retrô de outro jeito, mais próximo de um encontro entre pós-punk, disco, new wave e uma coisa que já andaram definido como “discodélico”, dançante, mas prestes a alçar voo.

Essa onda já toma conta do disco desde o comecinho. A faixa-título, que abre o álbum, tem teclados que lembram o Japan, cadência fazendo lembrar Talking Heads, baixo que parece sampleado de Get down, make love, hit do Queen, e vocais operísticos – além de um clima entre o pós-punk e o soft rock. Under the sun é soul luminoso com bateria abafada, vibe de Motown e ambiência derretida, quase palpável.

• Ouvimos: Stealing Sheep – GLO (Girl Life Online)

Faixas como Possibilities deixam entrever algo da visão art pop que David Bowie tinha de estilos como soul e disco, enquanto Take it all ataca na união de disco e afrobeat formal. A “discodelia” do álbum, por sua vez, fica cada vez mais forte em faixas como Chapters of love, ou na onda kraut disco de Shop boy, funk com vocais robóticos e teclados esparsos. E também no final, com a quebração rítmica e robótica de Make it known – canção que chega a soar meio sombria, até que o refrão explode.

Já Disco life responde pelo lado mais abertamente retrô de Cut & rewind: poderia até ser uma composição do Mister Sam ou do Carlos Imperial, com aquele mesmo clima cafajeste do encontro entre boogie e disco (ou da aurora da ítalo-disco). A letra fala do passado com um olhar de admiração: o verso “nunca tive uma vida disco”, repetido várias vezes, é a boa e velha “saudades do que não vivi”. Mas também soa como lembrança do próprio caráter comunitário da disco music, quando a pista de dança realmente parecia um momento de elevação espiritual – ainda que fosse ilusão passageira.

Não por acaso, Cut & rewind é também uma lembrança forte do caráter demolidor da disco – estilo musical que fazia a alegria de várias comunidades oprimidas ao redor do mundo (negros, latinos, mulheres, gays). A sacudida She who dares é um hino feminista. Under the sun fala sobre poderosos opressores. O gélido tema disco Bandit é dedo na cara: “Diga o que você quer dizer / tente me derrubar / ninguém vai se importar / quando você não estiver mais por perto” – cada um dos três primeiros versos cantado por uma delas, e o quarto verso explodindo no coral. Mobilização dançante, criativa e moderna.

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RESENHA: Paola Lappicy mistura MPB, eletrônico e samba em disco urbano sobre solidão, amores e caos interno, com referências diversas e clima contemplativo.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 8,5
Gravadora: Independente
Lançamento: 20 de março de 2026

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Paola Lappicy é uma cantora, compositora e pianista de Brasília. Mas tem muito da MPB paulistana (da mais vanguardista à mais pop) na música de seu segundo álbum solo, Coisas que eu quis te dizer antes de tudo acabar. As músicas falam de um dia a dia urbano, em que ao mesmo tempo que acontece um monte de coisas, várias pessoas estão perdidas em seus pensamentos, suas tristezas e infernos pessoais.

Não é por acaso que uma das melhores faixas do álbum se chama Choro no metrô – com letra falando sobre tristeza em estações de metrô e ônibus de SP (“quem já chorou no busão / às cinco da tarde ali pela Consolação”), e um clima sonoro que une samba, beat eletrônico, referência musical ao balanço de Madalena (Ivan Lins e Ronaldo Monteiro de Souza) e Itamar Assumpção (citado na letra). E mais: tem algo tanto de Benito di Paula quanto de Cida Moreyra em faixas como o samba-maracatu Me leve pra outro lugar, e o tecno-samba Coração cheio, que abre com um riff de piano próximo da música clássica.

• Ouvimos: Anna Calvi – Is this all there is? (EP)

Coisas que eu quis te dizer antes de tudo acabar chega perto da estileira do Radiohead na quase-instrumental Prelúdio (cuja letra é o nome do disco repetido), ganha ares trip hop e quase psicodélicos em O céu vai desabar e Isso tem que melhorar. E também põe elementos nacionais no alt-pop, em músicas como Começo do infinito, o forró-reggae eletrônico A noite é linda como o céu da tua boca e nada menos que Espumas ao vento, composição original do pernambucano Acioly Neto. Aquela mesma música que já foi cantada por Fagner, Ney Matogrosso, Elza Soares, Alice Carvalho (a atriz fez seu registro para a trilha da série Cangaço novo), e que aqui ganha um ar de balada etérea, tocada no piano.

A onda variada de Coisas… dá espaço ainda para ainda A gente tentou, uma balada contemplativa, com ar de Jovem Guarda. A letra fecha o conceito do disco, falando do que sobrou de bom no fim de um relacionamento. Uma música que resume o clima do álbum, e da própria capa: tranquilidade sempre, mas com alguma coisa pegando fogo – por dentro e por fora.

(e no domingo, dia 29, Paola mostra o som de seus dois álbuns no Blue Note Rio).

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RESENHA: Feito pelo Chicago Underground Duo, Hyperglyph soa como obra de grupo grande. O som é jazz experimental, afrobeat e caos criativo com espírito quase punk e clima místico-industrial.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 8
Gravadora: International Anthem
Lançamento: 3 de setembro de 2025

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O coletivo Chicago Underground já teve formações variáveis e nome também variável – trio, duo, quarteto – sempre girando em torno do trompetista Rob Mazurek e do percussionista Chad Taylor. Com o nome Chicago Underground Duo, eles lançaram no segundo semestre do ano passado o álbum Hyperglyph.

O curioso é que parece um disco feito por uma formação bem mais numerosa do que “apenas” uma dupla. Click song, na abertura, une metais, efeitos, percussão + bateria selvagem, e chega numa concepção experimental de jazz que parece regida por um maestro. A faixa-título, que chega na sequência, sugere a mesma coisa, unindo jazz, afrobeat e post rock, com emanações de outros projetos musicais de Chicago, como Stereolab e Tortoise (Mazurek tocou não apenas com o grupo, como também com alguns integrantes).

Na faixa-título, o som vai ficando mais saturado à medida que o tempo passa – como se fosse emissão de som demais para um espaço que mal dá vazão. A maxi-vinheta Rhythm cloth embarca em uma cadência identificável como drum’n bass, enquanto Contents of your heavenly body une jazz, selvageria musical e um clima que vem herdado do punk, a partir dos vocais sofridos e ríspidos de Mazurek, que lê um poema enquanto a música se desenrola como um loop de teclados e bateria.

• Ouvimos: Vários artistas – Red Xerox: Chicago Youth Beat 2020-2025

Os metais de Hyperglyph têm muito da entrega sonora experimental de Miles Davis – e ganham uma onda mística em meio às sombras de The gathering, tema de quase oito minutos em que a bateria, as percussões e os efeitos sonoros se tornam instrumentos cerimoniais. E também em Hemiunu, cujo nome faz referência ao construtor da Pirâmide de Gizé, no Egito, e cujo design musical lembra uma criação eletrônica que foi humanizada e se transformou num jazz ligeiramente hispânico.

Por acaso, logo em seguida a Hemiunu vem a tríade Egyptian suite, iniciada com The architect, diálogo entre trompete e bateria que dá espaço para a imaginação de sons melódicos onde só existe ritmo. Triangulation of light, a segunda parte, é experimentação pura: sons que lembram metal rangendo, que vão dando espaço para o trompete soar também como uma sucata industrial que ganhou vida e senso melódico. A parte 3 de Egypitan suite, Architetronics of time, é uma das faixas mais radicalmente jazzísticas do disco, focando no ataque aos instrumentos e no contraste com o eco da gravação.

Succulent amber encerra o disco tendo o mesmo papel que Morgenspaziergang tinha no final de Autobahn, álbum do Kraftwerk (1974): pura contemplação, e compromisso com quem realmente gosta de música contemplativa, já que são três minutos de solo de kalimba e sintetizador. No caso de Hyperglyph, o compromisso do Chicago Underground Duo é com um risco musical quase punk, em que você chega a torcer para as coisas ficarem mais industriais e sombrias.

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