Cultura Pop
Aquela vez em que Syd Barrett deu uma rara entrevista, em 1982
Quando Syd Barrett foi sacado do Pink Floyd, em 1968, a situação ficou bem estranha não apenas para a banda como um todo, mas para um de seus integrantes em particular. Era o tecladista Richard Wright, que dividia apartamento com o ex-colega de grupo na época.
O plano do grupo era substituir definitivamente Syd Barrett pelo novo guitarrista, o ex-modelo fotográfico David Gilmour. Tanto que o Pink Floyd chegou a funcionar como quinteto por alguns tempos. Num show da banda em 26 de janeiro de 1968 na Universidade de Southampton, o Pink Floyd se apresentou pela primeira vez sem que Barrett fosse considerado como um integrante – ocasionalmente, quando ele estava alucinado demais para subir ao palco, David O’List, guitarrista da banda progressiva The Nice, o substituía, mas agora era diferente.
Para não revelar a verdade ao amigo (que a banda faria um show e ele não estava convocado), Wright precisou inventar que ir à rua comprar cigarros. “Claro, eventualmente, ele descobriu o que estava acontecendo”, contou no livro A very irregular head, biografia de Barrett escrita por Rob Chapman. Seja como for (e descontando-se o fato de Syd não ter sido efetivamente ajudado por alguns de seus colegas), estava complicado lidar com o fato de Barrett não segurar a onda no ácido, esquecer instrumentos e ficar olhando para o vazio durante entrevistas de TV.
Syd, ainda em 1968, embarcou em sessões intermináveis de gravação (ao lado de amigos como David Gilmour e Roger Waters) que geraram The madcap laughs, seu primeiro disco solo (1970). Em 6 de junho de 1970, fez seu único show solo, no Kensington Olympia, em que tocou apenas quatro músicas e deixou o palco. No mesmo ano, em 14 de novembro, saiu Barrett, o segundo disco.
Já em 1974, animada com a demanda pelo multiplatinado The dark side of the moon, álbum que falava sobre loucura (e trazia o ex-guitarrista rondando o conceito como um espectro), a EMI embalou os dois primeiros discos da banda no duplo A nice pair. E fez o mesmo com os dois discos de Barrett, no LP duplo Syd Barrett.
A capa, com uma laranja, uma ameixa e uma caixa de fósforos, foi concebida por Storm Thorgerson (Hypgnosis), inspirada numa viagem de ácido que ele e o cantor tiveram em 1965 – e que havia sido a primeira de Syd. Voltou-se a falar brevemente de Barrett, o Pink Floyd permanecia eternamente pesaroso ao falar do ex-integrante (e não escondia a culpa que mantinha sobre o assunto) mas o músico continuava sem gravar, dar shows ou fazer entrevistas.
Até que em 1982, os jornalistas franceses Michka Assayas e Thomas Johnson descobriram o paradeiro do músico – que havia voltado a morar em Cambridge com a mãe. Os dois foram para lá e conseguiram encontrar-se com ele, levando roupas que um amigo de Barrett que morava em Chelsea havia pedido a eles que mandassem para ele. O ex-Pink Floyd estava careca, meio barrigudo e com visual caretão. “Acabei de fazer uma operação, mas nada muito sério”, disse Barrett. “Estou tentando voltar lá (em Chelsea), mas tenho que esperar. Há uma greve de trem no momento”.
Barrett abriu um sorriso ao ver as roupas e até ofereceu dinheiro para os repórteres em troca da entrega (“não, obrigado”, recusaram). “Achei que não conseguiria essas coisas de volta. E eu sabia que não poderia escrever. Eu não poderia ter decidido ir buscá-los … Pegar o trem e tudo mais. Minha mãe entrou em contato com o escritório”, contou.
O músico disse que pretendia arrumar um flat para morar em Londres e falou que “não realmente” ainda fazia música, porque “não tinha muito tempo para fazer”. Os repórteres pediram para bater uma foto dele e o ex-Pink Floyd deu por encerrado o papo. “Bom, isso é o suficiente agora. É doloroso para mim. Obrigado”, afirmou.
O papo saiu na Actuel Magazine e anos depois foi publicado na íntegra na Cosmic Magazine. Um tempo depois um site de raridades do Pink Floyd chamado Brain Damage ainda publicou um texto dos autores da reportagem explicando como foi encontrar com Syd. No começo, fizeram contatos frustrados com um ex-empresário dele. E com o criador de um fanzine sobre Barrett, que tinha muito material raro dele guardado, mas não facilitou o contato. Também localizaram Duggle Fields, antigo roommate de Barrett – o quarto que o cantor tinha na casa dele é a locação da foto da capa de The madcap laughs.
Para conseguir o endereço do músico, os jornalistas foram a uma agência de imóveis em Londres, que cuidava do último endereço onde o músico havia morado após ir para Cambridge – e foi lá que pegaram a tal sacola de roupas, que foi usada mais como pretexto para se aproximar dele. Chegando no local, pediram informações numa farmácia que (por um golpe de sorte) era frequentada pela mãe do músico. Já na porta da casa da família Barrett, descobriram que não eram os únicos a tentar falar com ele: um jovem de visual hippie, com uma garrafa de leite na mão, andava de um lado para o outro na porta da residência, sem saber o que fazer.
O Jesus and Mary Chain deu uma de Padre Quevedo indie e explicou numa entrevista ao site Stereogum que isso aí de shoegaze “não existe” – para Jim Reid, em particular, isso não passa de invenção de “algum palhaço do New Musical Express“. Pois bem, num papo com a newsletter First Revival, Stephen Patman, guitarrista, vocalista e fundador do Chapterhouse, uma espécie de “banda de shoegaze original” (que por sinal vem ao Brasil em setembro), deu mais detalhes sobre a origem do termo. E ainda lembrou que não era exatamente um orgulho ser chamado de “olhador de sapato” (shoegazer significa exatamente isso em português).
“O termo shoegaze era um comentário depreciativo, uma provocação”, recorda ele, lembrando que inicialmente, um jornalista chamado Steve Sutherland, da Melody Maker, escreveu que o Chapterhouse e bandas como Moose e Lush eram “a cena que celebra a si própria”. “Basicamente, porque tínhamos o mesmo empresário que o Moose e o Lush (Howard Gough), então saíamos bastante com eles e íamos aos shows uns dos outros. Também conhecíamos o Ride e o Swervedriver de Oxford, porque era bem perto de Reading”, contou.
Ele lembra de uma nomenclatura de tiro curto que surgiu: “Antes disso, chamavam de ‘cena do Vale do Tâmisa’, que incluía nós, Ride, Swervedriver e Slowdive. Então, era assim que chamavam, depois ‘a cena que se celebra'”, diz. “E aí o Andy Ross , que era o chefe da Food Records, estava assistindo ao show do Moose, e os quatro estavam lá parados olhando para baixo. Foi ele quem criou o termo ‘shoegaze’. A Polly (Birkbeck), assessora de imprensa da Food, provavelmente comentou com alguém, e a notícia chegou à imprensa musical, e aí eles começaram a usar o termo”.
Só que o termo – surgido, na prática, de uma postura tímida e mal-ajambrada de palco – acabou se revelando um feitiço que se virou contra um monte de feiticeiros do barulho. “Quando houve uma espécie de mudança na imprensa musical após a euforia inicial de 1991 em torno de tudo, eles (os jornalistas) de repente se voltaram contra nós, e passaram um ano inteiro zombando de nós. E como também saíamos juntos, os jornalistas nos viam reunidos e escreviam colunas de fofoca tirando sarro de nós de alguma forma”, continua. “Foi aí que ouvi o termo shoegaze pela primeira vez, e era um comentário depreciativo, uma provocação”.
“Mas, de certa forma, ele foi ressignificado ao longo dos anos e se tornou um gênero, o que eu acho bem curioso. Nós nunca nos consideramos uma banda shoegaze. Para ser sincero, não somos exatamente fãs de shoegaze. Não ouvimos esse tipo de música”, diz Patman. “Mas principalmente porque a maioria era de artistas contemporâneos, dos quais você não se torna fã por ser amigo. Então, sim, era um termo pejorativo que chegou à imprensa e eles começaram a usá-lo”.
“E agora o conceito se expandiu, com tantas bandas que nem de longe eram consideradas shoegaze, como The Verve, Kitchens of Distinction e Catherine Wheel, agora são consideradas assim. Eles até chamam The Jesus and Mary Chain e Cocteau Twins de shoegaze”, continua Stephen, que também não gosta do termo dream pop para definir qualquer tipo de música com alguma distorção e reverb. “É ainda mais repugante”.
E pra saber mais sobre o show do Chapterhouse no Brasil, só ir aqui.
No dia 31 de maio de 1982, a gravadora I.R.S. enviava um press release avisando que havia assinado com o R.E.M., “uma banda de Athens, Georgia, aclamada pela crítica”. E já anunciava que no dia 26 de agosto sairia o EP Chronic town, com as faixas 1,000,000, Stumble, Wolves, lower, Gardening at night e Carnival of sorts (Boxcars). A foto de imprensa, em preto e branco, trazia Peter Buck (guitarra), Mike Mills (baixo), Bill Berry (bateria) e Michael Stipe (vocais) com visual pós-adolescente.
“O EP vai ser seguido por um álbum no ano que vem. O R.E.M. planeja fazer uma turnê pelo Oeste do país durante o verão, seguida pelos estados da Costa Leste e do Canadá durante o Outono”, avisava a gravadora, oferecendo também o contato da empresária Betsy Alexander, primeira pessoa a cuidar profissionalmente do grupo, ajudando em contatos, logística e gestão. O release só errava na ordem das músicas do EP, que possivelmente ainda não estava decidida (Chronic town também saiu dividido em duas partes, com lado A nomeado Chronic town e lado B com nome Poster torn)
O contrato era de longo prazo e previa cinco discos – ou seja, tudo que saiu do grupo até Life’s rich pageant, o quarto álbum, de 1986. Depois disso, o grupo renegociou e lançou o quinto disco, Document, de 1987 – mas acabou migrando para a Warner e terminando o contrato com a coletânea Eponymous (1988).
A I.R.S. tinha sido criada em 1979 por Miles Copeland III, irmão de Stewart Copeland, baterista do The Police. O selo vinha da cena punk/new wave britânica e funcionava como uma espécie de ponte entre o underground e uma estrutura profissional de distribuição via A&M (a gravadora do Police, por acaso).
Na época em que o R.E.M. assinou, a I.R.S. já tinha grupos como Wall of Voodoo, Oingo Boingo, The Go-Go’s e The English Beat. Era um selo muito ligado a college radio, pós-punk, new wave e à ideia de independência artística. Depois, virou praticamente sinônimo do rock universitário americano dos anos 1980 por causa do próprio R.E.M.
A entrada da banda na gravadora aconteceu muito por conexões da cena. O empresário/agente Ian Copeland, irmão de Miles e Stewart, já acompanhava o grupo desde os primeiros shows em Athens. O baterista Bill Berry tinha trabalhado para Ian em Macon como roadie e serviços-gerais, e mantinha contato com ele. Isso ajudou o R.E.M. a conseguir shows de abertura para bandas maiores, como The Police e Gang of Four, até chamar atenção da I.R.S.
E olha o post comemorativo do R.E.M. aí.
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RESUMO: Em 2001, George Harrison participou de chats no Yahoo e MSN para divulgar All Things Must Pass; com humor, respondeu fãs poucos meses antes de morrer – e desdenhou Eminem (rs)
Texto: Ricardo Schott – Foto: Reprodução YouTube
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“Que Deus abençoe a todos vocês. Não se esqueçam de fazer suas orações esta noite. Sejam boas almas. Muito amor! George!”. Essa recomendação foi feita por ninguém menos que o beatle George Harrison no dia 15 de fevereiro de 2001 – há 25 anos e alguns dias, portanto – ao participar de dois emocionantes chats (pelo Yahoo e pelo MSN).
O tal bate-papo, além de hoje em dia ser importante pelos motivos mais tristes (George morreria naquele mesmo ano, em 29 de novembro), foi uma raridade causada pelo relançamento remasterizado de seu álbum triplo All things must pass (1970), em janeiro de 2001. George estava cuidando pessoalmente da remasterização de todo seu catálogo e o disco, com capa colorida e fotos reimaginadas, além de um kit de imprensa eletrônico (novidade na época), era o carro-chefe de toda a história. O lançamento de um site do cantor, o allthingsmustpass.com, também era a parada do momento (hoje o endereço aponta para o georgeharrison.com).
Os dois bate-papos tiveram momentos, digamos assim, inesquecíveis. No do Yahoo, George fez questão de dizer que era sua primeira vez num computador: “Sou praticamente analfabeto 🙂 “, escreveu, com emoji e tudo. Ainda assim, um fã meio distraído quis saber se ele surfava muito na internet. “Não, eu nunca surfo. Não tenho a senha”, disse o paciente beatle. Um fã mais brincalhão quis saber das influências dos Rutles, banda-paródia dos Beatles que teve apoio do próprio Harrison, no som dele (“tirei todas as minhas influências deles!”) e outro perguntou sobre a indicação de Bob Dylan ao Oscar (sua Things have changed fazia parte da trilha de Garotos incríveis, de Curtis Hanson). “Acho que ele deveria ganhar TODOS os Oscars, todos os Tonys, todos os Grammys”, exultou.
A conta do Instagram @diariobeatle deu uma resumida no chat do Yahoo e lembrou que George contou sobre a origem dos gnomos da capa de All things must pass, além de associá-los a um certo quarteto de Liverpool. “Originalmente, quando tiramos a foto eu tinha esses gnomos bávaros antigos, que eu pensei em colocar ali tipo… John, Paul, George e Ringo”, disse. “Gnomos são muito populares na Europa. E esses gnomos foram feitos por volta de 1860”.
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A ironia estava em alta: George tambem disse que se começasse um movimento como o Live Aid ajudaria… Bob Geldof (!)., o criador do evento. Perguntado sobre se Paul McCartney ainda o irritava, contemporizou: “Não examine um amigo com uma lupa microscópica: você conhece seus defeitos. Então deixe suas fraquezas passarem. Provérbio vitoriano antigo”, disse. “Tenho certeza de que há coisas suficientes em mim que o irritam, mas acho que já crescemos o suficiente para perceber que nós dois somos muito fofos!”. Um / uma fã perguntou sobre o que ele achava da nominação de Eminem para o Grammy. “O que é Eminem?”, perguntou. “É uma marca de chocolates ou algo assim?”.
Bom, no papo do MSN um fã abusou da ingenuidade e perguntou se o próprio George era o webmaster de si próprio. “Eu não sou técnico. Mas conversei com o pessoal da Radical Media. Eles vieram à minha casa e instalaram os computadores. Os técnicos fizeram tudo e eu fiquei pensando em ideias. Eu não tinha noção do que era um site e ainda não entendo o conceito. Eu queria ver pessoas pequenas se cutucando com gravetos, tipo no Monty Python”, disse.
Pra ler tudo e matar as saudades do beatle (cuja saída de cena também faz 25 anos em 2026), só ir aqui.
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