Crítica
Ouvimos: Big Long Sun – “Love songs and spiritual recollections”

RESENHA: Octeto de Brighton, Big Long Sun troca o ruído por folk-indie melancólico e lo-fi; Love songs and spiritual recollections aposta em emoção crua e arranjos simples, mas cheios de clima.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 9
Gravadora: Independente
Lançamento: 22 de abril de 2026
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O Big Long Sun vem de Brighton, é um octeto, e no terceiro disco, Love songs and spiritual recollections , faz um som folk-indie com o máximo possível de descomplicação. A ideia parece ser mais soar como primo do Jesus and Mary Chain, de Ty Segall e de Elliott Smith do que de qualquer banda folk – até porque o grupo vem de um disco anterior, Whatever (Whatever), de 2025, cheio de experimentações ruidosas na área do pós-punk, do art-pop e da colagem sonora.
Já o disco novo, é recomendado para quem curte rock melancólico e aqueles sons que você nem precisa entender uma palavra do que está sendo cantado para sacar toda a tristeza ou a saudade das músicas. O compositor e vocalista Jamie Broughton pensou inicialmente no Big Long Sun como um lance solo – mas hoje dá pra perceber que a turma que toca com ele é importantíssima no esquema meio folk slacker das músicas.
O som é um lance movido a vocais machucados, cordas, corais, slide guitars, violões batidos e canções estradeiras como Heavy (On your mind), a valsa folk I left a note, o clima meio pós-punk e meio folk de Look away (and it’s over) e o soft rock marcial de A way out, com vocais lembrando Crosby, Stills, Nash & Young, e beat herdado de Pixies.
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A faixa que você vai viciar: My stars aligning, indie-folk celestial com flauta doce e introdução power pop, que soa como um Weezer psicodélico tocando num celeiro (pode não parecer, mas essa definição é bem exata!). Tem If you get excited, folk-glam-rock maldito que tem algo de T. Rex e David Bowie (e por extensão, tem algo até de Iggy Pop) e em que o fator “noise rock” é dado pelos violinos. Em Sad happy song, uma balada sixties, o vocal parece vir de um 78 rotações.
Na real, se você achou que o som do disco parece vir de uma demo antiga, faz sentido: o estúdio caseiro de Jamie tem apenas alguns microfones e um gravador Tascam 244, de fita K7. Qualquer galho técnico que o disco poderia ter é resolvido com experimentação e talento – e com a vontade de fazer todo e qualquer tipo de instrumento soar como uma cláusula de conforto, e brilho. Como no diálogo entre cordas, sopros e guitarras de Another situation with you, faixa que soa como uma versão rock-de-câmara do Pavement – ou no clima Lô Borges de Oh god am I.
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Crítica
Ouvimos: Scrambled Heads – “Inward, then apart” (EP)

RESENHA: No segundo EP, Inward, then apart, o duo curitibano Scrambled Heads mistura emo, pós-hardcore, shoegaze e hardcore dos anos 1990 em músicas sobre dúvidas, inseguranças e culpa, entre peso e melodia.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Independente
Lançamento: 7 de agosto de 2026
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Buga (Redlightz, também ex-Abraskadabra) e André Pamplona (ex-Monaco Beach) fizeram do Scrambled Heads um projeto de estúdio, bem diferente das outras bandas que eles já tiveram. Com um bom tempo de experiência no DIY curitibano, eles já passaram por turnês (fora do Brasil inclusive) com sérias restrições orçamentárias, viagens de van por tudo quanto é canto, e o Scrambled Heads vem num momento de sossego para ambos.
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Inward, then apart, segundo EP do grupo investe em uniões de emo, pós-hardcore, shoegaze e hardcore californiano dos anos 1990 – com uma certa pressão nesse terceiro estilo. Não chega a ser um “punk pop”, mas as melodias em sua maioria são ganchudas e cantaroláveis, cabendo boas harmonizações em The observer, linhas vocais bem construídas em Chaos left unsaid e porrada punk em faixas como Wildfire e I build shelter from branches of second-guessing – esta, com andamento sinuoso, meio herdado do skate-rock e do reggae.
As letras acompanham a porrada, falando de dúvidas, inseguranças e sombras – além do fantasma da culpa tomando conta de Guilt trip. Som de peso, em busca da calma.
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Crítica
Ouvimos: 14 Flamingos – “Fine art” (EP)

RESENHA: O coletivo canadense 14 Flamingos, que chega a reunir até 14 músicos em shows, lança em Fine art, EP de três faixas que cruza rock setentista, soul, yacht rock, psicodelia e pós-punk com arranjos expansivos.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Independente
Lançamento: 27 de agosto de 2026
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O 14 Flamingos era só uma banda-dupla – depois virou uma banda de verdade, e depois, uma multidão de colaboradores, que chega a somar 14 pessoas dependendo da gravação e do objetivo a alcançar. O EP Fine art, com três faixas, usa essa turma toda para contar histórias através das letras, das melodias e dos arranjos.
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O grupo (que vem do Canadá) é tão bom em bandeirar seu próprio trabalho, que dá até pra deixar a banda falando sobre si própria. Como em Habsburg chin, que eles definem como “imagine um baile em Versalhes, só que a banda foi substituída por um grupo de pessoas que provavelmente entraram pela porta dos fundos de uma taverna” – na verdade é um rock anos 1970, que tem muito de soul e yacht rock, e até das invenções musicais de Kevin Ayers e Tom Waits.
Yesterday’s fair responde pelo lado mais carnavalista do disco, chegando a lembrar Mutantes em alguns momentos. The duke, terceira e última faixa, é uma fanfarra pós-punk, com ritmo funkeado, e a mehor melodia do disco.
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Crítica
Ouvimos: Cella – “Efeito borboleta”

RESENHA: A amazonense Cella estreia com Efeito borboleta, disco de MPB-pop que cruza ritmos nortistas, reggaeton, funk e dance music em canções sobre mudanças, amores e autoconfiança.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Urban Pop
Lançamento: 8 de maio de 2026
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Estreia da amazonense Cella, que é cantora e atriz (esteve na montagem carioca da peça Fala sério, mãe, ao lado da autora Thalita Rebouças), Efeito borboleta é um disco de mudanças pessoais em clima de MPB-pop. Cella mistura sons de sua terra e climas de reggaeton e funk, relembrando amores em que precisou se esforçar para caber na vida de outra pessoa (Demais pra você) e de situações bem mais tranquilas e empoderadoras (Encantaria, Meu norte). Mas depois as coisas saem do controle, romanticamente falando, com as lentinhas Veneno (com participação de Doral) e Me ignora.
É um pop correto, brasileiro, bem produzido, com boas canções e cantado em tons de bossa – e que, de certa forma, reapropria muitas vibes sonoras do Norte que volta e meia aparecem em gravações feitas em outros lugares. Lá pelo final, Karma junta dance music, latinidade e riffs de guitarrada, seguida por dois remixes (da própria Karma e de Meu norte).
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