Crítica
Ouvimos: Siren Section – “Separation team”
RESENHA: Siren Section retorna após quase 10 anos com álbum duplo que mistura rock eletrônico e shoegaze: pesado e melódico, gótico à la Depeche Mode, variado e fluido.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 9
Gravadora: Sirens Etc
Lançamento: 6 de fevereiro de 2026
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O Siren Section (ou SIREN/SECTION//, como costuma estilizar) é formado pelos músicos James Cumberland e John Dowling, e costuma definir seu som como “rock eletrônico-gaze”, apontando para ruídos, programações e sons emparedados. Dá para deixar o Nine Inch Nails vir à mente com uma definição dessas, mas o som deles é mais melódico, soando às vezes como um parente mais gótico e psicodélico das fases sombrias do Depeche Mode. E soa como “música de máquina” até quando lança mão de guitarras e bateria acústica.
Separation team é o terceiro álbum e o primeiro em quase dez anos. Aparentemente, pelo tempo sem lançar nada, o duo achou mais tranquilo ressurgir com um disco duplo, de 75 minutos. O Siren Section conseguiu fazer a audição não se tornar cansativa apostando na beleza e na variedade, cabendo só na primeira parte do disco o peso de Construct, a onda quase dub (com ótimo refrão) de Bullet train, o clima celestial de Medicine, a placidez distorcida de Solidarity, a dança turbinada e misteriosa de Flinch, o romantismo e a telepatia de Marker. Você acaba esperando pela próxima música, em vez de se espantar com a longa duração do álbum.
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O álbum vai alternando faces mais selvagens e climas mais afáveis, como na sequência que reúne a balada Dangerous to know e o belo eletrogaze Tritagonist 1 (desrobotizado com uma pandeirola e com ótimos vocais), seguindo de um Tritagonist 2 em clima acústico, lembrando Pink Floyd e Radiohead, até que distorções e ruídos tomam conta. Minotaur abre remetendo ao Depeche Mode de Construction time again (1983), mas logo assume um tom mais lúgubre, mais chegado à principal identidade do disco. Timeghost, como o título já anuncia, põe fichas no clima fantasmagórico. Five fifty five encerra o álbum com tom gravem belo e desesperado (na letra).
Do começo ao fim, o Siren Section se destaca pela maneira como “veste” canções, pondo beleza em sons pesados e ondas soturnas em canções que poderiam soar apenas belas. É o que rola na balada Glass cannon, que ganha distorções, eco e uma ambiência “de longe”, encerrando com uma caixinha de música robótica, e nos ruídos que pairam sobre a melodia quase gospel de outra balada, Some of this means everything. Tem ainda o melhor encontro rock-eletrônico de Separation team, presente nos quase sete minutos da sentida Carry through, com teclados, distorções, programações e certa alma grunge.
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RESENHA: The Sophs estreia com Goldstar, disco que mistura indie, country torto, punk e alt-rock em canções imprevisíveis e cheias de personalidade.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 9
Gravadora: Rough Trade
Lançamento: 13 de março de 2026
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Existe uma possibilidade do The Sophs, que vem de Los Angeles, entrar pelo mesmo buraco de tatu pelo qual passou o Geese – e sair lá no mainstream. Por enquanto, esse sexteto não parece ter cara de manobra psicológica, mas é uma banda que usa a esquisitice como arma pop em vários momentos de seu disco de estreia, Goldstar. Especialmente no que diz respeito ao vocalista Ethan Ramon, um amante dos fluxos de consciência, dos vocais intensos e das histórias de bebedeiras e perdições pelas ruínas da vida.
O The Sophs tem a mesma obsessão pelo country que o Geese tem – o estilo, além de todo seu imaginário, é usado como recurso em vários momentos de Goldstar. Nunca li nenhuma entrevista da banda, mas acho difícil que sejam amantes do estilo, porque o lance ali é rock alternativo, indie rock e estranhezas.
Para quem tem entre 40 e 50 anos, tem uma chave de compreensão interessante em Goldstar: a estreia dos Sophs é a cara da finaleira dos anos 1990, quando de repente o rock começou a ficar estranho e nostálgico a ponto de surgirem hits improváveis como o bolerinho The way (do Fastball), o pop sixties do espaço Walking on the sun (do Smash Mouth) e a cascata de emoções de bandas como Cake. No Brasil, Los Hermanos fizeram sucesso com Anna Julia porque, provavelmente, a jovem guarda weezeriana dos cariocas cabia no meio disso aí tudo.
Essa cláusula de loucura permite que os Sophs abram Goldstar com dois mistos de barulho pixie e cantiga de violão à Paul McCartney (The dog dies in the end e Goldstar), prossigam com um som que mais parece com uma canção da Shakira em clima punk (Blitzed again) e caiam depois no alt-rock elegante (Sweat). Quando você começa a achar que não tem mais como saber pra onde o disco vai, surge um folk rock gospel (House), um punk country (Sweetpie) e um power pop herdado diretamente do evangelho dos Replacements (Death in the family).
Momentos em que tudo parece mais com um velho cântico de festas mafiosas não faltam em Goldstar, disco que adere também às working songs (A sympathetic person), à poesia falada em clima sixties, com órgão de churrascaria e clima punk (a destrutiva The told me jump, I said how high) e a algo entre The Jam e Strokes (I’m your fiend). Se eu descobrir que The Sophs é invenção de algum fabricante de loucuras indies, vou ficar bem puto.
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RESENHA: Mesh Kimono estreia com Line cliché, um EP de psicodelia pop que mistura rádio dos anos 1970, vaporwave, glitches e romantismo espacial.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 9
Gravadora: Living Waters Records
Lançamento: 26 de junho de 2026
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Mais conhecido por seu trabalho como músico acompanhante (tocou com MGMT, Craig Finn Band, Lemon Twigs) o norte-americano Will Berman estreia solo com seu projeto Mesh Kimono e o EP Line cliché. Uma espécie de viagem psicodélica e mística em torno do som de rádio dos anos 1970 – como imaginário, Will cita “os karaokê decadentes e os lounges de piano esfumaçados e sombrios da Nova York do final dos anos 70”, além de referências musicais como Jeff Lynne, XTC, Todd Rundgren, Andy Partridge e Eric Carmen.
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Na real, é como se o pop de rádio da virada dos anos 1970 para os 1980 (uma lista que inclui Doobie Brothers, Christopher Cross, Rita & Roberto, Lincoln Olivetti, Hall & Oates e tudo que era lento demais para ser disco music) fosse jogado num chip de computador – ou numa fita VHS coloridíssima, estourada e com defeitos. Essa onda passa por faixas como o pop “physical” Permanent death, som tecladeiro, cheio de glitches, e com bateria eletrônica “antiga”. E também pelo romantismo espacial, a la Genesis e Guilherme Arantes, de Supermoon.
Um clima que passa aliás por todo o EP, que ainda tem a balada psicodélica Floating away, o aconchego pop e mágico de After all e pelo menos um tema “tristinho” de novela dos anos 1970, Waterbaby – só que transformado em vaporwave furioso e estelar. Um EP curto e viciante.
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RESENHA: Katy da Voz e as Abusadas troca o funk por techno e house em Sandra Eletrônica, EP de batidas fortes, humor e letras sem freio.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Independente
Lançamento: 11 de junho de 2026
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Entre os preparos para uma turnê europeia, Katy da Voz e as Abusadas decidiram fazer um EP que fosse mais “música eletrônica” do que essencialmente um disco de funk. Sandra Eletrônica é formado basicamente por techno, house e club music, e os batidões aqui são outros.
- Ouvimos: Cyberkills – Dedo no cue
A receita de muita sacanagem nas letras envolve agora a rapidez aeróbica de Drogas, sexo, techno, repete! (“diga não às drogas / dependendo, diga sim”, zoa a letra) e o bailão anos 1990 da faixa-título, de versos como “agora tá todo mundo vendo meu piriquito no grupo da igreja!” e “é piranha, é gainha / dá o (*) e faz a linha”.
Se não tá bom o suficiente pra você, tem o clima quase Domingo Legal anos 90 da inacreditável Ejacu e a onda Só as melhores da Pan de Diz aquendei, cada uma mais pornô do que a outra. No final, o disco todo surge remixado numa faixa só, Mixtape da Sandra. Música sem freio e sem filtro.
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Ouvimos: The Sophs – “Goldstar”
Ouvimos: Mesh Kimono – “Line cliché” (EP)
Ouvimos: Katy da Voz e as Abusadas – “Sandra Eletrônica” (EP)
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