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Jogaram no YouTube (só áudio) o show do Tears For Fears no Rock In Rio

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E os Tears For Fears fizeram de Creep, do Radiohead, uma parte especial de seu show

Ouça antes que tirem do ar: jogaram no YouTube a transmissão do Multishow da apresentação do Tears For Fears no Rock In Rio, que rolo sexta (22). Roland Orzabal e Curt Smith apresentaram músicas de quase todos os discos da banda (só Raoul and the Kings Of Spain, de 1995, foi esquecido) e sobrou espaço até para a tradicional cover de Creep, do Radiohead. Fizeram falta só Woman in chains (deixada de lado porque a backing vocalista do grupo tá de licença maternidade) e Watch me bleed (outra excelente música da estreia da banda, The hurting, de 1983).

Everybody wants to rule the world (na voz da cantora Lorde, em tape)
Everybody wants to rule the world
Secret world
Sowing the seeds of love
Advice for the young at heart
Everybody loves a happy ending
Change
Mad world
Memories fade
Creep (cover do Radiohead)
Pale shelter
Breaking down again
Head over heels
Shout

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Djangos mexem no baú e regravam demo de 1997 aos poucos

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Djangos mexem no baú e regravam demo de 1997 aos poucos

Mesmo sem conseguir dar shows e sem conseguir ensaiar por causa da pandemia, a banda carioca Djangos voltou, discretamente, com um lançamento comemorativo. Lyle Diniz (baixo), Jj Aquino (bateria) e Marco Homobono (guitarra e voz) mexeram no baú, voltaram à sua demo de 1997, 100 cortes – cujas músicas ainda não haviam sigo gravadas em discos do grupo – e estão regravando as quatro canções do K7, aos poucos. Em 2021 já saíram dois singles do projeto 100 cortes revisitado, com as músicas Bibliografia (lançada em março) e Aeroporto internacional (em outubro).

Batemos um papo com Homobono, que também vem lançando vários materiais off-Djangos (solo, ou acompanhado de amigos como Gilber T) e ele contou sobre como Aeroporto internacional é ligada à sua vivência como ex-morador de um bairro muito pouco citado do Rio de Janeiro. E relembrou a época de Raiva contra oba-oba, a estreia do grupo, de 1998

Como Aeroporto apareceu na sua vida e na do Djangos?

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Essa música está numa demo que a gente lançou em 1997, chamada 100 cortes. É uma demo muito importante pra gente porque foi gravada na década de 1990 lá em Curitiba. A gente tinha uma certa facilidade para viajar porque os eventos que aconteciam geravam um dinheiro que dava para pagar a passagem de ônibus, estadia… A gente não ganhava cachê, mas viajava.

Eu nunca tinha nem pensado em ir para lá, mas fui duas vezes no lançamento da coletânea Paredão, que foi no Aeroanta, e depois voltamos porque o Rodrigo Cerqueira, que era baterista do Skuba, fez um evento lá e chamou a gente para tocar. Fomos lá, o Pedro de Luna (jornalista, escritor e autor da biografia do Planet Hemp, Mantenha o respeito, entre outros livros) fez essa ponte para a gente. O Pedro inclusive foi com a gente.

E aí esse show foi até bem importante para a gente porque eu vi uma banda de ska com metais tocando lá. E isso determinou que usaríamos metais, porque eu fiquei encantado com aquilo. Enchi o saco da banda: “A gente tem que ter metais, tem que ter metais!”. O João era muito partidário do esquema de ser só o trio. Mas isso serviu para a gente fazer a parada desse jeito. O 100 cortes, como a gente gravou numa mesa e transformou numa demo, ela vendeu bastante, a galera vendia muito essa demo.

Havia um mercado grande de demos, não?

Havia um mercado aquecido, você vendia demo, mandava pelo correio, era um negócio movimentado mesmo. A galera que trabalhava no Garage – o Max, o Ricardo, o Panda, o Ronald – eles tinham essa sociedade e comercializaram essa fita. O Djangos ia começar a gravar, a compor músicas novas, a gente estava se encontrando em 2020. Mas aí veio a pandemia e a gente parou total. Nesse meio-tempo, começaram a rolar aquelas gravações que cada um fazia uma coisa no seu canto, assim… com vídeos com quadradinhos dividindo, cada um no seu ambiente de casa.

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Fizemos um justamente com a música Aeroporto internacional, mas o resultado não ficou bom. Acho que aí tivemos a ideia de pegar a demo, porque ela tem quatro músicas que nunca foram gravadas em lugar nenhum. Pensamos: “Vamos fazer um projeto, 100 cortes revisitado“. Escolhemos duas músicas para começar, que foram Bibliografia e Aeroporto internacional.

Essa música apareceu porque na época, isso lá em 1996, 1997, eu estava escutando o Casa babylon, disco do Mano Negra. Tinha lá uma música chamada El Alakran (La mar esta podrida), que é muito maneira, tem um coral de crianças. E esse disco é cheio de colagens, ele usava muito sampler. Depois o Mano Chao (vocalista) usou isso no disco dele de estreia. Essa música me chamou muito a atenção, porque vem uma voz que diz “aeroporto Mano Negra!”.

Isso ficou na minha cabeça e eu: “aeroporto, aeroporto…”. Eu comecei a falar do Galeão e imaginei o entorno, que era um lugar que eu visitava  bastante quando era criança. Eu morava ali onde o pessoal fala que é Higienópolis, perto de Del Castilho, do Complexo do Alemão…

Sim, sim. Um bairro que o carioca não conhece, por acaso. Você fala em Higienópolis e o cara pensa em São Paulo, não no Rio…

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Verdade! Mas existe esse bairro, ali perto de Del Castilho, do Jacarezinho. Cresci ali, conheci bem aquela região. Comecei a falar de uma comunidade fictícia que ficava à beira do aeroporto. Não sei posso considerar que a Maré está na cabeceira, pode ser que ela esteja bem distante. Mas imaginei a comunidade em que o pessoal tomava banho na Maré poluída. Fui numa onda que eu acho que é bem Alagados (Paralamas), a mesma geografia que o Herbert Vianna contemplava quando ia para o fundão… foi a mesma que me inspirou ali. Comecei a falar dessa comunidade aí, da coisa de trabalho assalariado, trabalho escravo, “quero minha carta de alforria”…

Tem uma onda parecida mesmo!

É uma filha de Alagados. Eu tava até lembrando aqui que essa música aí… Os Djangos são uma banda independente, a gente faz o que pode em termos de verba para gravar. E essa música levou muito tempo para ser feita. Aconteceram várias coisas, desde computador quebrado, a gente teve que consertar computador para terminar a música. Fiquei duas semanas sem fazer nada nela… O João (Jj Aquino, baterista) eu não vejo há tempos, até mandei uma mensagem para ele e falei: “A gente tem que se encontrar, cara!”. Porque nunca mais eu encontrei com ele.

Desde 2020?

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Desde 2020, foi nosso último ensaio. O pai do Lyle morreu há pouco mais de um mês, e o pai dele era meu vizinho, era um grande apoiador da banda desde o começo. Eu tô aqui em Niterói hoje e eu lembro que ele vinha trazer a gente em Niterói, no Gato Preto, no Farol. Foi um cara que ajudou muito a gente. Estive com Lyle e o João não vejo desde aquela época. E aí a gente fez isso tudo separado, o João foi num estúdio, com o maior cagaço, no meio da pandemia. “Vai ter só eu e o cara na outra sala…”, ele disse. Foi lá e gravou duas músicas na bateria.

O Lyle não tinha onde gravar e foi lá em casa. Depois que o Lyle gravou fiquei duas semanas parado, apático. Foi na semana que o Paulo Gustavo (ator) morreu, e aquilo mexeu bastante com muita gente, a perda. E depois na mesma semana teve a matança no Jacarezinho… Cara, eu fiquei deprê, sem atitude, para fazer certas coisas. Isso atrasou um pouco as coisas. A gente não tinha um prazo, não sei se isso é bom ou se é ruim, porque a gente é nosso próprio coordenador, produtor, a gente tem que se cobrar. Mas sempre fui defensor dessa música, falava “tá demorando, algumas coisas são mais cagadas mesmo que as outras, mas essa música é boa!”. E a galera curtiu, muita gente tá falando da música. Bibliografia passou meio em branco…

Eu fui ouvir Bibliografia outro dia, não tinha escutado quando saiu. A letra é bem legal, cita o nome de um monte de artistas, me lembrou até uma playlist do Ronca Ronca

Pois é, podia ter botado o Ronca Ronca no meio! A letra foi um dos releases que eu escrevia na época. Tinha várias outras coisas, “subwoofer do DJ Marlboro”, mas na hora de fazer a música botei o que dava mais musicalidade. Era um release da banda resumido, de coisas que influenciavam a gente.

Tem mais algo do 100 cortes vindo aí? 

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A ideia é terminar! Porque tem mais duas músicas. Uma era uma adaptação que a gente fez do “trem maluco quando sai de Pernambuco, vai fazendo tchucotchuco até chegar no Ceará”, a gente cantava em versão mais punk. A galera gostava, pelo apelo da música infantil. E tem um hardcore misturado com reggae que são as duas últimas músicas. A gente quer gravar e botar num EP. Estamos cumprindo o script de lançar singles. Mas a gente é uma banda do milênio passado, a gente gosta mesmo é de álbum, né, cara?

Só que tem uma questão financeira aí, pra você gravar um disco legal precisa de uma grana. A gente é independente, tá correndo atrás aí de editais para bancar um EP num estúdio bem gravado, com uma produção maneira. Ou até um disco mesmo, vamos ver o que vai acontecer. Ou quem sabe alguém da banda ganha na Mega Sena! (rindo)

Eu dei a ideia da gente voltar a ensaiar em casa mesmo, retomar as músicas que a gente estava fazendo, que seriam para um terceiro disco. E pensar em voltar a tocar, né?

Os shows estão voltando, tem o Circo Voador, Audio Rebel… Como você tá vendo esse retorno aí?

Com muito receio. Fui ver um show da banda DKV aqui em Niterói, foi cobrada carteira de vacinação, todo mundo de máscara, tinha distanciamento. Mas esse vírus é traiçoeiro e o pessoal fica falando das ondas, “lá fora já tá na quarta onda, surgiram casos em Londres…” E às vezes as pessoas se comportam como se já tivesse passado, né? Eu tenho muito receio, tipo “ah, vamos ver o Djangos sei lá onde”, aí a pessoa pega covid é entubada e morre. Eu ficaria bolado com isso.

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Quero mais segurança para todo mundo, isso só vai vir com o tempo. Vamos ver como as vacinas vão se comportar ao longo do tempo. Esse show que eu fui foi na Sala Nelson Pereira dos Santos, um espaço enorme, um palcão. Pensei: “Isso é o que eu gosto de fazer, mas eu tenho medo”. Prefiro ser prudente nessa hora aí.

Raiva contra oba oba, o primeiro disco de vocês, lançado em 1998 pela Warner, completa 25 anos em 2023, daqui a pouquinho. Como foi a experiência de estar numa gravadora grande? 

A experiência da gravadora foi boa para a gente ter acesso a um estúdio, a uma produção, a uma estrutura boa. A gente gravou num estúdio da Barra, de 18h até a madrugada. Fizemos isso durante um mês, todos os dias da semana de segunda a sexta. O João Barone e o Tom Capone (produtores) com a gente. Eu nunca teria estrutura para bancar dois produtores desse porte. Esse fim do ciclo das gravadoras, a gente pegou uma última fase onde a estrutura fonográfica tinha a coisa do advance, que era um dinheiro que a gravadora te pagava baseado numa previsão do quanto você poderia vender. Eles te adiantavam dinheiro, a gente aproveitou essas possibilidades.

Mas eu acho que a banda era muito imatura, falo por mim. A gente não conseguiu se impor, e ao mesmo tempo que a gravadora fez tudo isso, na hora de promover foi alegada falta de verba. Viajamos com dinheiro da gravadora algumas vezes, mas foi um trabalho pequeno, não foi maciço. Teve essa imaturidade, teve a mudança do diretor artístico – porque quem contratou a gente foi o Paulo Junqueiro, e ele depois saiu. O Tom Capone entrou. Às vezes isso pode acontecer, você não está no projeto empresarial de um diretor artístico.

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Ele produziu a banda, mas aí ele mudou para a direção artística, e mudou a política do selo?

Mudou. Não tinha nada garantido, a gente era uma banda iniciante. Não recebemos muito apoio para divulgar, ainda mais levando em conta a estrutura empresarial ali. E teve a imaturidade, acho que a gente não conseguiu se impor. Eu era uma pessoa muito sem autoestima, apesar de acreditar nas minhas músicas. Isso dificultou muito. Mas teve seus momentos ótimos. Foi, de qualquer maneira, um grande momento, sou grato por ter tido essa experiência.

E como foi ser produzido pelo João Barone?

Paralamas para mim é paradigma de banda de rock, acompanhei os shows, os discos. E ele tava ali, exigindo da gente, coordenando a execução, comandando coisas nas letras, “isso não tá bom, não, muda!”. Eu lembro até que uma música que fazia relativo sucesso nos shows não foi pro primeiro disco, porque o Barone não curtiu muito. Faz parte da produção.

A gente teve que escolher repertório, o Barone escolheu o que ia entrar. Tem a convivência, de ele escutar a história da gente, a gente ouvir histórias dele. Sou muito fã dele e do Capone, mas na época eu não tinha consciência da magnitude do que estava acontecendo. Hoje eu olho para trás e penso: “Passei um mês convivendo com o Barone!” (rindo). E todo dia. Ele é um grande ídolo do João, que admira muito o Barone. Foi demais.

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E acho que a gente conseguiu não ter uma reverência total, tanto que conseguimos discutir coisas dos arranjos. Sempre debati com produtor e tivemos essa liberdade de debater, ele estava aberto. Não iria rolar nada no esquema do Phil Spector, que quando alguém reclamava de alguma coisa, o cara abria a gaveta e mostrava uma arma (risos). Não rolou nada disso nem com ele nem com o Capone, foi um sonho de criança. E a gente era muito novo, eu tinha 24 para 25 anos, só pensava: “Que coisa boa que aconteceu!”

A última vez que a gente conversou foi na época da música Subcarioca, um single solo seu, que falava da situação atual do Rio de Janeiro. De lá para cá, como está sua visão sobre a cidade? Mudaram prefeito, umas outras coisas…

Eu sou pessimista. Você tira os personagens que protagonizam a vida pública, a máquina, o executivo, o legislativo… mas a mentalidade continua. O povo… bom, nós, né? Nós somos alienados. A gente não sabe o que está acontecendo. Isso facilita para que Bolsonaro seja eleito presidente, por exemplo. Essa mentalidade continua, e estamos nessa situação.

Eu prefiro ser realista: a gente vai evoluir sim, mas vai levar décadas para a gente chegar no “o Brasil é uma superpotência que dá valor a seu próprio povo”. Vai demorar muito para reverter isso. Eu costumo dizer que sou uma pessoa muito deprimida e muito feliz, porque qualquer pessoa que seja observadora atenta aos fatos vai olhar para o mundo e dizer que a gente tá fodido. Mas tenho minha mulher, minha família, minha banda, minha música. Isso me faz ser feliz dentro dessa realidade.

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Figurótico: 20 anos de rock em Barra Mansa (RJ), comemorados com EP

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Figurótico: 20 anos de rock em Barra Mansa (RJ), comemorados com EP

Banda independente de Barra Mansa, município do interior do estado do Rio, o Figurótico completou vinte anos em 2021. O grupo teve namoros com a cena carioca (com direito a shows em festivais como as Seletivas do MADA) e o vocalista Figurótico chegou a virar músico contratado do Biquini Cavadão por alguns tempos. Pegou a vaga inclusive sendo testado pelo próprio Bruno Gouveia (vocalista), que após uma sessão de estúdio, o desafiou a cantar clássicos de bandas dos anos 1980, durante um almoço.

Hoje o grupo é um trio formado pelo cantor, ao lado de Eduardo Pança (baixo) e Paschoal Júnior (bateria). As duas décadas de rock na cidade são comemoradas pelo Figurótico (que o vocalista faz questão de esclarecer que é uma banda, não um trabalho solo) com o EP Arquitetura noturna, com sete músicas, e que vai ganhar continuação com outro EP em breve. Como primeiro single, o disco traz uma recordação da região da banda – Pois é, poesia, com letra da lenda da poesia do Médio Paraíba, Marco Poeta, e tom folk, bem diferente do som herdado do rock nacional anos 1980 do grupo.

Batemos um (longo!) papo com Figurótico sobre disco novo, a história da banda, rock em Barra Mansa, Biquini Cavadão e outros temas.

Como surgiu a opção por um som mais acústico na música nova?

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Por ser muito calcada no violão de aço sempre a imaginei assim, folk. Aquela para tocar e ouvir em meio à natureza. Porém toda música é uma coisa antes de ser gravada e outra após ser. Elas se resolvem em definitivo mesmo é no estúdio. Então antes ainda pairava no ar a dúvida entre ter a banda completa ou deixa-la somente ao violão.

Diante da pandemia passamos meses sem encontrar nosso baterista pessoalmente. Ela foi a primeira “pré” a ser registrada de modo caseiro no estúdio que meu irmão adaptou aqui num quarto do terraço, durante a quarentena de 2020. Registrei apenas em voz e violão e encaminhei para o amigo e guitarrista Rodrigo Novaes. Nós dois já tínhamos feitos alguns shows em duo num bar de Volta Redonda (RJ), tocando um set totalmente acústico, onde ele usava um violão dobro.

Então naqueles shows eu já havia dito que “tinha algumas músicas com bastante violão e que se gravássemos um dia, pediria a ele pra colocar aquela sonoridade”. Ele não só gravou um dobro na música (trazendo uma frase que tinha só no fim da canção para a introdução da música) dando uma bela chamada logo na intro, como preencheu com bandolim e ainda fez as vozes de teclado que acompanhariam o solo (criado por ele) no meio da música. Pronto, naquela pré-gravação a música já tinha pra mim um aspecto totalmente definido.

Gostei de imediato. Meu irmão ouvindo-a e encaixando no computador as partes que o Rodrigo mandou, disse “é, nem vou gravar baixo nessa não”. Tudo isso sem nem ter aparecido ainda a Lei Aldir Blanc, que foi a responsável pelo EP sair do papel depois. Naquele clima de confinamento geral ainda cogitei “vamos soltar essa gravação caseira
pro público!”. Mas refleti melhor e decidi esperar um pouco pra gravá-la valendo.

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Mais tarde quando já reencontramos nosso baterista pros ensaios das músicas, meses após, chegamos a testar uma levada de bateria nos refrãos e na parte do solo, mas foram descartadas. A palavra do Rodrigo teve um papel importante também. Quando gravou disse: “Meu irmão, não ponha bateria nessa faixa não, ela tá pronta”. Ele tinha razão.

Das sete músicas do EP, outras duas contam com esses instrumentos acústicos, porém a banda tocando junto. Terá momentos nessa onda, mas acústica mesmo só essa. Não chega a ter aquela coisa do Na calada da noite, do Barão Vermelho, que a gente chamava de “o disco dos violões”, mas resolvemos trazer pra este algumas que tinham essa aura e que eram mais melodiosas. Já nas outras quatro faixas restantes não tem nada de violão.

De onde vem esse nome Figurótico? Era o nome da banda e virou um apelido?

O inverso. Apelido criado pelo meu saudoso professor de violão/guitarra e das maiores referências de músico que tivemos aqui em Barra Mansa (RJ), Luiz Paulo, o Gordo. Tinha mania de apelidar os alunos. Alguns vingaram e persistiram até hoje: como o do meu irmão e baixista da banda, Pança; e do Setas, amigo de infância, músico e dono do Setas Studio (que hoje está localizado justamente onde era essa “academia de música instrumental” do Gordo), onde foi gravado a maioria do EP.

O meu era algo relacionado a ele me achar uma “figura”. De tanto eu chegar imitando os outros alunos ele dizia “chegou aquela figuraça: chegou a figura exótica, a figura erótica, isso é um Figurótico!”. Não tinha um significado exato. Aos poucos levaram para o colégio e pegou. Quando precisei usar um nome artístico fiquei num dilema entre usar um dos meus nomes/sobrenomes (Edson Flávio Pineschi de Souza), ou o apelido. Portanto é meu apelido que virou o nome da banda.

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E fui sendo chamado assim desde que passei a dar aulas de violão aos iniciantes nessa escola de música; ou quando era o guitarrista do Madeira de Lei, de 1991 a 1995; e de 1996 à 2001 integrante da dupla Toni Madeira e Figurótico. Foi quando meu apelido se popularizou mesmo por aqui, pois todas as semanas gravávamos spots de rádio pros shows que fazíamos na noite, tocando de terça a domingo.

Daí quando montamos a banda em 2001 e larguei essa dupla, foi natural optarmos por este apelido, pois assim não haveria chance de ter uma outra banda com tal nome. Até um dia receber um telefonema suspeito de um cara querendo registrar este nome, perguntando se eu tinha o registro e tal, então corri atrás do trabalhoso processo de registrar a marca no INPI. Desde então temos o registro.

Fala um pouco da gravação do EP. Rolou alguma coisa diferente em relação aos outros álbuns em termos de produção?

Sim, muita. Os dois álbuns anteriores foram gravados por nosso ex-baterista Erick Leal e todo o processo de gravação daqueles se deu no estúdio dos irmãos Diogo e Tuta Macedo, o Emestudio (originalmente localizado em Volta Redonda quando gravamos o primeiro disco em 2006; e posteriormente na Barra da Tijuca, no Rio de Janeiro (RJ), onde gravamos o segundo, em 2012).

Agora com o baterista Paschoal Jr., registramos a bateria neste mesmo Emestudio e o restante aqui em Barra Mansa, no novíssimo Setas, do nosso amigo já citado acima que está com o que há de melhor em equipamentos. Além de ser um cara que convivemos por décadas. O local é um templo da música em Barra Mansa pra nós. Fica praticamente  ao lado de casa e no contexto pandêmico caiu como uma luva. O EP só voltou para a mão do Diogo Macedo pra ser mixado e masterizado. Visto que ele tinha feito esse processo nos dois anteriores, achamos que isso também daria identidade ao resultado final. Ter ao final do processo todas essas pessoas queridas reunidas, foi espetacular.

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O que mais se difere dos álbuns anteriores é que abrimos o leque pra outros instrumentos, chamando músicos-amigos convidados (Rodrigo Novaes, ex-guitarrista do Yahoo e Gori, toca dobro e slide no disco; Dario Aragão Neto, teclados e ex-músico de Tunai; Walmer Carvalho, saxofonista do Biquini Cavadão). Se nos dois primeiros discos eu já sentia essa vontade, pensando “esse solo de guitarra poderia ser um sopro, uma flauta, etc”, mas me prendia na ideia fixa de fortalecer a identidade da banda por sermos um power trio, nesse abrimos a porteira. Até então só tínhamos experimentado o quarteto de cordas (e que quarteto!) em Amanheceu no segundo disco e a voz da Tay Cristelo numa versão em inglês Sinning by omission, que fecha aquele.

Rodrigo e Walmer gravaram de suas casas, em seus estúdios caseiros. O primeiro, de Volta Redonda (RJ); o segundo, de Juiz de Fora (MG). Dario registrou no Setas Studio. O que não mudou nada no processo foi a produção das músicas, que sempre chegaram para serem gravadas com os arranjos prontos, feitos por nós mesmos, cada um no seu instrumento e/ou decidindo em conjunto. Meu irmão Eduardo Pança e o Paschoal Júnior já na primeira audição desenvolvem suas linhas. Nunca tivemos produtores.

Apenas duas músicas do EP não contam com participação de outros músicos: a que abrirá o EP (Pra me reparar); e a que fechará (Arquitetura noturna), mas mesmo assim ambas não escaparam de ter um convidado. O amigo Altino aparece em duas frases em cada música dando sua interpretação única com sua inconfundível voz. Uma dica do Setas, que ao me ouvir gravando tais trechos disse “você está cantando igual ao Altino!”, e caímos na risada. Convocamos o Altino.

A pré-produção deste foi interessante, porque devido à pandemia acabamos tirando do papel um desejo de anos, o de fazer um home studio num quartinho de nosso terraço apenas pra ensaios e gravações caseiras. Com tudo parado, meu irmão que é arquiteto também, em poucos dias organizou a bagunça que lá estava e viabilizou um bem básico pra registros de áudio.

A pandemia acabou nos permitindo mais tempo pra testar essas coisas com calma, pois nos álbuns passados as gravações eram marcadas de acordo com a disponibilidade do estúdio e de nossa agenda de shows. Sem shows, podíamos gravar com tranquilidade. E com o anúncio da Lei Aldir Blanc, vimos finalmente que daria pra iniciar a gravação. A ideia há uns anos atrás que esse disco fosse um álbum intitulado Arquitetura noturna (e a Batalha dos Espumas). Mas analisando a era do streaming vimos que lançar álbuns já não tinha o mesmo impacto. Então o desmembramos em dois EPs. Este agora, e no futuro um outro, que se chamará A batalha dos espumas.

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E só pra finalizar sobre este tema, foi um disco gravado com máscara! Só na hora de pôr as vozes definitivas na sala sozinho é que tirei. De resto, todo o processo dentro do estúdio foi assim. Nove horas gravando a primeira sessão de guitarra das músicas, por exemplo, sozinho na sala e de máscara. Paranoia total. Assim como na sessão de bateria no Rio ao tocarmos a guia pro baterista gravar, todos de máscara por oito horas seguidas de gravação.

São vinte anos de banda em 2021. Como tudo começou?

Como disse, começou bem antes de 2001. Somos da mesma faixa etária (eu 46 anos, meu irmão 45, e Paschoal 48) e todos começaram estudando loucamente seus instrumentos após o primeiro Rock in Rio e no boom do Rock Brasil. Para no início dos 1990 já estarmos nas primeiras bandas nos apresentando em colégios, praças, etc. Nossa primeira banda foi a Cheque-Mate, em 1988, entre parentes. Além de meu irmão no baixo, nosso primo Élcio Pineschi que morava no Rio vinha passar finais de semana aqui, trazia sua bateria Pinguim e tocávamos (recentemente ele reapareceu na cena tocando na sua banda de metal carioca, Unmasked Brains). Não chegamos a fazer show.

Meu primeiro “show” se é que podemos chamar de, foi com uma banda num aniversário de um amigo, em 1988, já com outro grupo de amigos. O segundo, em 1990, no dia do estudante no Colégio Verbo Divino onde estudávamos, com o nome (roubado da primeira) Cheque-mate (ao lado do meu irmão Eduardo Pança, o Setas e mais três amigos de sala).

Em 1991 entrei para o grupo de rock Madeira de Lei, onde comecei a gravar finalmente com uma banda, tinha repertório para um disco. Gravamos, mas não foi lançado. Fizemos muitos shows até 1995, incluindo uma participação no extinto Fest Valda, no Imperator em 1992. Paralelamente fui tocando com músicos mais velhos noutros projetos. Foi quando as bandas de rock daqui praticamente morreram por falta de local pra tocar, e o rock passou a ser coisa do underground.

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Montamos uma dupla então. Era o vocalista dessa banda, Toni Madeira e eu no violão. Fizemos o circuito dos bares, tocando de tudo: MPB, rock e até outras coisas mais “radiofônicas” do período… rs. Ficamos muito conhecidos no sul do estado rapidamente, fazendo de 5 a 6 shows por semana, enchendo lugares. Parei de dar aulas de violão nesse período (vinha desde os 14 anos) por conta do volume de shows.

Nisso incluímos uma banda pra dar vazão à pista de dança pois tínhamos de manter as pessoas “dançando…”. Foi então que logo após o Rock in Rio 3, em 2001, eu resolvi voltar ao que tinha me posto nessa vida musical, ao rock (por isso o nome do primeiro disco). E montamos a banda com meu irmão e o baterista Erick, ambos já músicos
concorridíssimos pelos artistas daqui e que integravam a banda que servia de base à Toni Madeira e Figurótico.

Começamos num boteco chamado Sindicato do Porre e pela primeira vez eu era a voz principal de alguma banda, antes só fazia backing. Fizemos uns testes nesse bar de um amigo por um mês, fazendo shows abertos pra ver se eu aguentava o tranco de tocar e cantar uma noite inteira, assim fomos testamos um novo repertório de covers.

Logo viramos residentes uma casa em Volta Redonda (RJ), Zappata Café, tocando semanalmente e reconstruindo um público. O lema era “vamos tocar somente covers de que gostamos, sem fazer média ou aderir a qualquer tendência, apenas rock”.

Rapidamente o local fervilhou de gente e mudamos pra outra casa ao lado onde permanecemos por incríveis 5 anos ininterruptos às sextas-feiras, Cana Café. Na labuta da noite íamos buscando nossa sonoridade, tocando sem parar. Fomos achar a sonoridade mesmo durante a gravação de nosso primeiro disco, em 2004. Antes disso tínhamos apenas 4 músicas de minha autoria que pudessem ser gravadas. Essas 4 acabaram fora do primeiro disco por já termos sacado que aquilo ainda era resquício de outra época.

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Foi entrega total. Entrei na faculdade de jornalismo no Rio em 2002 pra justamente me aproximar das palavras, pois queria poder escrever sozinho as letras da banda. E assim tem sido desde então, tendo sempre um ou outro parceiro nas letras, mas acabei encontrando sozinho uma forma de escrever pra banda. Tocamos em qualquer palco, desde o início. Nossa sequência de shows só foi interrompida pela pandemia. No ano de 2019, por exemplo, batemos um recorde pessoal de 217 shows, entre completos, com a banda e acústico em bares.

Os primeiros discos tinham uma sonoridade que me lembrava muito Titãs em vários momentos, e uma onda meio punk, mas dosada…

Somos uma banda de “rock brasil”, costumo dizer. Crias do brock, basicamente. Embora todos nós temos nossas peculiaridades em termos de influência no instrumento de cada um, coisas que fomos buscar lá atrás nos músicos do Deep Purple, no Clapton, Hendrix, Police, nos instrumentistas Al Di Meola, Larry Carlton, Stanley Clarke, Chick Corea, etc. Estudamos muito até nos tornarmos músicos. Todos os outros músicos da banda, por exemplo, possuem trabalho paralelo com música instrumental. Eu sou a exceção, só toco na banda mesmo.

Meu irmão, Eduardo Pança, lançou recentemente com o Setas e nosso ex-baterista, Erick, o álbum Pegadas jazz 20 anos (onde participei com uma faixa instrumental minha, Faisão), também pela Lei Aldir Blanc. E nosso baterista atual, Paschoal, toca também com a Jazz4 Band, tocando… baixo. Sim, ele toca bateria, baixo e guitarra.

Mas voltando à sonoridade da banda… você tem toda a razão! Temos muito de rock paulista sim: um pouco de Titãs, de Ira!, de Ultraje; e por consequência natural Ramones, Clash, até Surf Music. Tudo – muito bem destacado por ti – dosado, em pequenas passagens.

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Ouvi de amigos agora que escutaram o EP, que “tem um Ira! aí, um Titãs ali, ou um ‘acorde’ Lobão”. Minha mãe quando ouviu Pois é, poesia gravada falou que lembrou Raul Seixas. Não posso discordar, tenho Raul e Camisa de Vênus no DNA também. Fazendo um exercício rápido, influência de surf music na banda aparece em A melhor batida de amor, Eu hospedei o meu trabalho e O trabalho me chama.

Já a de Rush, do Erick, aparece em Pasmaceira (cujas partes melódicas fiz inspirada no The Doors); e EnTerra Brasilis (cujo final fiz inspirado no Clash). Já em Pecando por omissão a influência em trechos da voz e na levada, tem um pouco de Arnaldo Brandão, outras passagens inspiradas no Clash também. Tudo sutilmente.

Como começou sua história com o Biquini Cavadão e como foi ter o Bruno Gouveia na música?

O Biquini chegou até o Emestudio, na Barra da Tijuca em 2012, por indicação de um roadie deles, o Marcos Almir, se não me engano. E ali gravaram o CD Roda gigante. Quando da pré-produção pro DVD Me leve sem destino em 2014, que comemoraria os 30 anos da banda, eles faziam uns testes pra alguém que fizesse os backings que o Bruno queria, Tuta e Diogo me indicaram.

Marcamos o teste e fui no dia seguinte. Montei um CD com as melhores do Biquini e fui ouvindo no caminho de Barra Mansa ao Rio no carro. Lá chegando Bruno pediu que eu fizesse e gravasse uns vocais e que a música que mais estavam com dificuldade de dobrar a voz era Em algum lugar no tempo. Bruno a cantou sem microfone na minha frente e aquela voz tomou conta do ambiente com uma força que eu pensei que estaria ferrado. Fiquei assustado com o poder de uma voz sem estar microfonada.

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Fui pra sala de gravação e começou: “Faz essa, faça essa nota, agora essa frase…” e iam gravando tudo. Bruno explicava minuciosamente o que queria, abria vozes atrás de vozes – é mestre nisso! Em Janaína, antes que ele me indicasse onde seria o vocal eu já fiz, por conhecer a música e ter a mania de sempre ouvir os vocais. Afinal fiz muito isso no tempo com o Toni Madeira. Depois de algumas horas eles me agradeceram e disseram que iriam resolver entre os quatro que fizeram tal teste e avisariam no dia seguinte se rolou ou não. Eu os agradeci, disse que já tinha aberto muito shows deles em Volta Redonda e que já tinha sido um prazer fazer um teste de voz sendo eu um guitarrista de ofício. Eles iriam precisar que fosse guitarrista também, mas o que definiria era quem fizesse as vozes como o Bruno gostaria.

Desci, parei na loja de conveniência do posto na frente pra comer algo antes de retornar à Barra Mansa. Antes de comer o Tuta me liga, “peraí que o Bruno vai falar”. “É você mesmo, só precisava conversar com o Miguel. Pode ficar no Rio pra amanhã? Almoça com a gente agora?”. E assim foi. Sentamos no Horti-fruti para almoçar e o
Tuta pra quebrar o gelo, provocou: “Ele sabe tudo dos anos 80. Aí o Bruno: “Ah, é? Escola de Escândalos!”. E eu: “Nos seus sonhos, tudo era perfeito/Rodolfo Valentino não faria melhor” (canta Luzes). Miguel quis me testar também: “Kongo!”. E eu: “Biquini defunto, sai daí vagabundo/o rasta tava na praia, com a cabeça cheia de cana”, disparei (cantou Biquini defunto). Portanto, ter o Bruno eternizado numa faixa nossa é um sonho! Sou fã dele, pude ver de perto tudo o que ele faz pelo Biquini nos bastidores.

Além de cuidar da voz, cantar pra cacete, tem uma visão muito séria do que significa o fã pra uma banda, ele sabe de qualquer detalhe. Conhece muito de bandas inglesas, brasileiras, de literatura, de tecnologia, está atento a tudo o que cerca o mercado musical. Qual a engrenagem do streaming, dos algoritmos, etc. Quando eu e meu irmão começamos a aprender violão lá em 85, minha mãe dizia “Duardo já tá tocando aquela música, ‘sabe esses dias em que horas dizem nada?’…”. Bruno estava nos nossos cadernos de violão, agora está na nossa música, porra!

Como surgiu essa música Pois é, poesia, o primeiro single?

Essa música surgiu em 2007, quando morava no Rio pra cursar jornalismo durante a semana. Fiz muitas músicas na solidão do apartamento da Tijuca (voltava todos os fins de semana pra Barra Mansa e Volta Redonda pra tocar). Estava com um dos livrinhos de poesia do Marco Poeta (autor da letra) recém-lançado: Não demoro, só quando te olho. Musiquei um poema antes desse, gravei no meu gravadorzinho portátil. Na última folha do livro achei esse sob o título A uma mulher: “Descobrir o amor / É ser espinho e virar flor…”

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Musiquei numa paulada só, pois já vinha tocando aquela introdução e quando fui lendo em cima da harmonia bateu perfeitamente. Faltava um refrão e nem foi preciso gastar tempo, na página da esquerda havia esse outro verso solto: “Cada louco com sua mania / Pois é / Poesia”. Não levei 10 minutos pra fechar. Outra música do EP, o próximo single Parado na esquina, também é dessa leva, com a diferença de que levei 10 anos pra terminá-la.

Neste período também saiu a maioria das canções do segundo disco. Outra foram ficando pra depois, dentre elas Pois é, poesia. Eu sempre gostei dela, só achava naquele momento que ela destoaria das outras da
banda, principalmente se fosse para entrar no Nos bastidores da falácia, não caberia no contexto. Mas sabia que ela tinha de ser gravada algum dia. Que banda não experimentou outras sonoridades na carreira? Era só esperar a ocasião propícia.

Tenho muitas músicas feitas no violão porque fiz muito acústico na noite em lugares que não comportavam a banda toda, ou não podiam pagar, hehe. E como desde 1996 toco todo final de semana pra me sustentar, desenvolvi meu jeito de tocar, abusando do capotraste no braço pra tirar outras sonoridades ou, principalmente, das cordas soltas,
fazendo os acordes abertos pra preencher o vazio de se estar tocando sozinho às vezes.

Quem foi o Marco Poeta, autor da letra?

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Foi um ícone da região do Médio Paraíba, poeta mundano, amante da natureza, da noite, e como já li num trabalho sobre ele, “um artista da palavra, do fogo e da madeira”. Além de poesias fazia trabalho artesanal em madeiras, utilizando a técnica da pirografia. Era comum vermos em bares, restaurantes daqui um cardápio feito a mão por ele; ou um quadro, um chaveiro, todos estilizados com sua assinatura e mensagens de paz. Ele nasceu em Barra Mansa (RJ) mas era muito associado à Maromba, aquela vila que fica acima de Visconde de Mauá e Maringá, que vai parar na Cachoeira do Escorrega. Suas poesias ecoavam por lá e por cá. Era um ídolo na minha turma quando começamos a sair na noite, com sua aparência de hippie (quase sempre sem camisa), chamava a atenção de todos.

Repetíamos seus poemas pela madrugada, “eu te olho, tu me olhas/eu te molho, tu me molhas/e ficamos assim”, ou num enorme e clássico dele que terminava com “cara a cara/téte-a-téte/aconteceu, virou Manchete”. Tinha verborragia, amor, chamava a montanha de namorada (“quem mais entende de amor é meu deus/que é meu amigo do peito, amigo de verdade/amor de montanha é diferente de cidade”), uivava pra Santa Clara dando “bom diaaaa” ao acordar na sua humilde morada descrita em tantos poemas.

Cheguei a mostrar Pois é, poesia pra ele várias vezes. Infelizmente não deu tempo de vê-la gravada, e com a voz do Bruno ainda por cima… Mas a mãe dele viu, me ligou chorando de emoção com o resultado. Suas poesias estão nos livros Liberdade (1984), Poetanu escuro (1991), O outro lado da coisa (1992), Imagem e semelhança (1997) e Não demoro, só quando te olho (2003). Eram livros feitos em gráficas daqui, não por editoras. Mereciam um acervo e arquivo na web.

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Maranda: disco solo quase pronto, após desbloqueio criativo

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Preparando o primeiro disco solo, a cantora e compositora Maranda se viu num bloqueio criativo que a impedia de terminar o trabalho. Foi fazer uma oficina de composição com o cantor Leoni, desbloqueou o processo do álbum – que sai até abril de 2022 – e ainda ganhou um convite para dividir com ele uma versão para o hit Os outros, originalmente gravado pelo Kid Abelha. A música já está nas plataformas e na programação da rádio JB FM – a versão foi feita para o JB FM Sessions.

O disco de estreia está sendo terminado e, enquanto isso, o som dela pode ser ouvido nos singles que já lançou na internet, como o mais recente Encontro solar, a versão que lançou em 2017 para Sujeito de sorte (Belchior) e Porques, que ganhou uma campanha no Instagram, além de um clipe. Alguns dos singles mais recentes de Maranda foram lançados como campanhas em prol da visibilidade lésbica.

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Batemos um papo com Maranda (que também participou do disco do Jimi Light, que virou entrevista do POP FANTASMA há alguns dias) sobre as músicas que ela já lançou, sobre o disco está vindo aí (que vai se chamar Tudo até agora), sobre a parceria com Leoni e (inevitável) sobre pandemia e isolamento.

Como você conheceu o Leoni e como foi o convite para dividir os vocais com ele?

Conheci o Leoni através da oficina de composição dele. Eu estava vivendo um bloqueio criativo muito forte e achei que poderia ser uma boa oportunidade para dar uma movimentada nas ideias. Estava no segundo módulo quando, num final de semana dirigindo na serra, recebi um áudio de um número desconhecido. Quando parei no posto de gasolina e dei o play, tive que ouvir umas três vezes para acreditar que era real. Era o Leoni me convidando para cantar com ele. Obviamente fiquei muito feliz pela oportunidade de cantar com uma referência da música brasileira, e de poder ouvir esse trabalho na JB FM. Acho que todo cantor sonha em se ouvir e ser ouvido numa rádio de tamanha expressão e ao lado de um artista tão importante quanto o Leoni.

Como você começou a se envolver profissionalmente com música? Você também toca surdo em alguns blocos cariocas, certo?

Minha história com a música começou muito cedo. Aos 13 anos tive minha primeira banda profissional e, aos 16, minha banda da época, a Academia Circense, entrou na trilha sonora da novela Malhação.

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Então a estrada até aqui foi longa, e, claro, como todas, com uma série de percalços. Pensei até em deixar tudo de lado num determinado momento, e uma das coisas que me resgatou foi justamente tocar no carnaval carioca. Pude ver o tanto que amo o que faço, o quanto é impossível abandonar assim. Comecei na Orquestra Voadora, que considero a minha casa e de onde hoje também sou monitora do naipe do surdo, sou membro fundadora das Calcinhas Bélicas, junto com outras mulheres maravilhosas, também toco no Studio 69, no Dalí Saiu Mais Cedo, na TriboQ…olha…a lista é grande! Quase do tamanho da paixão que tenho por tocar na rua e fazer parte desse movimento.

Você gravou Sujeito de sorte, do Belchior, antes até da música retornar como um dos maiores hits póstumos dele. Como resolveu gravar essa música na época?

Sempre fui muito fã do Belchior. Cresci ouvindo em casa. Conforme fui crescendo e entendendo mais, as músicas extrapolaram a dimensão afetiva para o reconhecimento do grande artista que ele era. Depois de quase abandonar meu trabalho musical e iniciar esse processo de retorno, comecei a ouvir muito intensamente os meus grandes ídolos. Foi nesse momento que me voltei ao Belchior e essa música me abraçou. Ela me trouxe a sensação de força inabalável e fé nas coisas da vida. Gravá-la foi a minha forma de dizer a mim mesma que eu era capaz, e também de homenagear esse cara sensacional que deu tanto a tantos de nós através da sua arte. Infelizmente, ele faleceu poucos meses depois.

Me fala um pouco do single Porques. Como surgiu aquela letra?

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A inspiração veio do posfácio do livro Morte, do Neil Gaiman, em que, num determinado momento, ele fala sobre os questionamentos que a filha fazia quando lia para ela. Quando bati os olhos em ‘qual é o gosto da escuridão?’, achei tão maravilhosamente inusitado que fiquei viajando nessas perguntas doidas de criança e nos absurdos que os adultos acabam respondendo. Isso me trouxe a uma reflexão mais profunda, sobre as relações que mantemos com os nossos pais, que são, na verdade, tão frágeis quanto nós e ainda têm o desafio de exibirem firmeza e terem sempre uma resposta na ponta da língua para acalmar nossos corações. Esse sentimento me levou a escrever a música.

Como surgiram a música, o clipe e a campanha no Instagram?

A música foi gravada em 2017, com produção de Bruno Schulz e Cairê Rego, e o clipe estava pronto desde essa época. Ele retrata uma pessoa ao longo de uma viagem de carro, lembrando do passado e pensando no presente, refletindo sobre esse grande ciclo das coisas. Eu sempre gostei muito sair para dirigir para pensar. O clipe acompanha um trajeto que vai do Recreio dos Bandeirantes, onde morava na época e morei por quase 20 anos, até o Centro do Rio. Essas imagens foram filmadas por mim, no meu celular, e combinadas com vídeos caseiros da minha vida e infância, além de imagens de crianças de hoje em dia. A ideia lá atrás era lançar como single, mas acabei achando que seria intimista demais, e guardei para um futuro álbum.

Só que veio a pandemia e a nossas vidas foram drasticamente alteradas. Muita gente se viu dentro de casa, tendo que olhar para dentro e lidar consigo mesmo de uma forma que acho que a nossa geração nunca viveu. Com a solidão, com as memórias, com as saudades, e foi aí que essa música começou a ressoar forte em mim novamente. Mandei o clipe para diversos grupos, como teste, e pessoas bem diferentes se emocionaram e falaram sobre as suas lembranças da infância.

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Dessa troca, veio a certeza de que era o momento de colocar a música no mundo, e a ideia de fazer uma campanha de lançamento na qual as pessoas pudessem compartilhar suas experiências. Antes de lançar, soltei nove vídeos com amigos de várias nacionalidades e de todas as idades, falando sobre as melhores lembranças de quando eram pequenos. Também convidei as pessoas que me seguem no Instagram a postarem fotos de criança, memórias, comidas favoritas, filmes, enfim, as suas saudades, e eu compartilhava nos stories. O processo todo foi muito emocionante, e os vídeos e stories estão disponíveis no meu Instagram, vale assistir.

Nesse ano você lançou dois singles. A ideia já é incluí-los num álbum?

Esses singles foram lançados como parte de campanhas em prol da visibilidade lésbica, em parceria com a Lesbiteria. Cosmonauta, por ter sido feita inspirada e em homenagem à minha mãe, acabou ocupando um lugar especial na minha vida, e será a primeira faixa do meu álbum Tudo até agora, em uma nova versão.

O que é o Lesbiteria, que aparece creditado nos seus dois últimos singles?

A Lesbiteria é um projeto da diretora artística Carina Rocha, que cria e promove conteúdos informativos e musicais que dão visibilidade à pauta LBT. As músicas surgiram de duas campanhas para as quais fui convidada. Cosmonauta, para a qual fiz letra e música, homenageia a dupla maternidade, enquanto Encontro solar é sobre a valorização do amor lésbico e o direito ao final feliz, com letra da Carina Rocha e música minha. Os clipes para ambas estão disponíveis no canal do YouTube do projeto. O clipe de Cosmonauta, inclusive, foi dirigido e montado pela minha companheira, Maiara Líbano.

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Tinha um álbum seu para sair. Quando você pretende lançá-lo?

Meu álbum Tudo até agora, produzido por Gui Marques, já está na fase final da produção. O lançamento está previsto para abril de 2022. A ideia original era lançar em 2021, mas a pandemia acabou atrasando os planos. Tivemos que interromper algumas vezes por não considerarmos seguro nos expormos ainda não tendo vacina e com os casos explodindo.

Você passou por um bloqueio criativo quando estava fazendo o disco. O que aconteceu, e como você conseguiu furar o bloqueio?

Acho que todos nós, em algum momento dessa loucura da pandemia, pifamos de alguma forma, em algum aspecto das nossas vidas. Foi isso que aconteceu comigo. Fui entrando em parafuso com a quantidade de coisas ruins acontecendo, o coronavírus, esse governo, esse país, tantas mortes… Acabei entrando numa espiral em que consumia notícias obsessivamente, do instante em que acordava até a hora de dormir. Isso foi me pirando, porque era muita informação pesada e pouco ou nenhum lugar pra extravasar. Eu estava sem sair de casa, sem ver amigos, sem ver família, sem tocar, sem me exercitar direito, enfim, quase nenhum alívio. Acho que se não fosse minha companheira em casa, teria surtado brabo.

Me conscientizei de que estava vivendo essa situação no meio da pré-produção do álbum, um momento em que precisava da criatividade aflorada. Daí fui buscar formas de me estabilizar e de me reconectar. O grande empurrão acabou sendo a oficina do Leoni. Um amigo meu tinha acabado de fazer e, conversando com ele sobre meu problema, me recomendou que tentasse. E funcionou. Durante a oficina, acabei fazendo 4 músicas que hoje estão no disco.

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Quais são suas maiores referências na hora de compor?

O Belchior é uma grande referência, por conta do seu estilo único, assim como a Joni Mitchell. A Joni tem uma coisa que eu amo demais, em que cada música te carrega como uma história sendo contada. Queria escrever como ela. Também sou muito fã de Herbert Vianna, Rita Lee, Arnaldo Antunes e Tim Bernardes.

Foto:  Bleia Campos/Divulgação

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