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Maranda: disco solo quase pronto, após desbloqueio criativo

Preparando o primeiro disco solo, a cantora e compositora Maranda se viu num bloqueio criativo que a impedia de terminar o trabalho. Foi fazer uma oficina de composição com o cantor Leoni, desbloqueou o processo do álbum – que sai até abril de 2022 – e ainda ganhou um convite para dividir com ele uma versão para o hit Os outros, originalmente gravado pelo Kid Abelha. A música já está nas plataformas e na programação da rádio JB FM – a versão foi feita para o JB FM Sessions.
O disco de estreia está sendo terminado e, enquanto isso, o som dela pode ser ouvido nos singles que já lançou na internet, como o mais recente Encontro solar, a versão que lançou em 2017 para Sujeito de sorte (Belchior) e Porques, que ganhou uma campanha no Instagram, além de um clipe. Alguns dos singles mais recentes de Maranda foram lançados como campanhas em prol da visibilidade lésbica.
Batemos um papo com Maranda (que também participou do disco do Jimi Light, que virou entrevista do POP FANTASMA há alguns dias) sobre as músicas que ela já lançou, sobre o disco está vindo aí (que vai se chamar Tudo até agora), sobre a parceria com Leoni e (inevitável) sobre pandemia e isolamento.
Como você conheceu o Leoni e como foi o convite para dividir os vocais com ele?
Conheci o Leoni através da oficina de composição dele. Eu estava vivendo um bloqueio criativo muito forte e achei que poderia ser uma boa oportunidade para dar uma movimentada nas ideias. Estava no segundo módulo quando, num final de semana dirigindo na serra, recebi um áudio de um número desconhecido. Quando parei no posto de gasolina e dei o play, tive que ouvir umas três vezes para acreditar que era real. Era o Leoni me convidando para cantar com ele. Obviamente fiquei muito feliz pela oportunidade de cantar com uma referência da música brasileira, e de poder ouvir esse trabalho na JB FM. Acho que todo cantor sonha em se ouvir e ser ouvido numa rádio de tamanha expressão e ao lado de um artista tão importante quanto o Leoni.
Como você começou a se envolver profissionalmente com música? Você também toca surdo em alguns blocos cariocas, certo?
Minha história com a música começou muito cedo. Aos 13 anos tive minha primeira banda profissional e, aos 16, minha banda da época, a Academia Circense, entrou na trilha sonora da novela Malhação.
Então a estrada até aqui foi longa, e, claro, como todas, com uma série de percalços. Pensei até em deixar tudo de lado num determinado momento, e uma das coisas que me resgatou foi justamente tocar no carnaval carioca. Pude ver o tanto que amo o que faço, o quanto é impossível abandonar assim. Comecei na Orquestra Voadora, que considero a minha casa e de onde hoje também sou monitora do naipe do surdo, sou membro fundadora das Calcinhas Bélicas, junto com outras mulheres maravilhosas, também toco no Studio 69, no Dalí Saiu Mais Cedo, na TriboQ…olha…a lista é grande! Quase do tamanho da paixão que tenho por tocar na rua e fazer parte desse movimento.
Você gravou Sujeito de sorte, do Belchior, antes até da música retornar como um dos maiores hits póstumos dele. Como resolveu gravar essa música na época?
Sempre fui muito fã do Belchior. Cresci ouvindo em casa. Conforme fui crescendo e entendendo mais, as músicas extrapolaram a dimensão afetiva para o reconhecimento do grande artista que ele era. Depois de quase abandonar meu trabalho musical e iniciar esse processo de retorno, comecei a ouvir muito intensamente os meus grandes ídolos. Foi nesse momento que me voltei ao Belchior e essa música me abraçou. Ela me trouxe a sensação de força inabalável e fé nas coisas da vida. Gravá-la foi a minha forma de dizer a mim mesma que eu era capaz, e também de homenagear esse cara sensacional que deu tanto a tantos de nós através da sua arte. Infelizmente, ele faleceu poucos meses depois.
Me fala um pouco do single Porques. Como surgiu aquela letra?
A inspiração veio do posfácio do livro Morte, do Neil Gaiman, em que, num determinado momento, ele fala sobre os questionamentos que a filha fazia quando lia para ela. Quando bati os olhos em ‘qual é o gosto da escuridão?’, achei tão maravilhosamente inusitado que fiquei viajando nessas perguntas doidas de criança e nos absurdos que os adultos acabam respondendo. Isso me trouxe a uma reflexão mais profunda, sobre as relações que mantemos com os nossos pais, que são, na verdade, tão frágeis quanto nós e ainda têm o desafio de exibirem firmeza e terem sempre uma resposta na ponta da língua para acalmar nossos corações. Esse sentimento me levou a escrever a música.
Como surgiram a música, o clipe e a campanha no Instagram?
A música foi gravada em 2017, com produção de Bruno Schulz e Cairê Rego, e o clipe estava pronto desde essa época. Ele retrata uma pessoa ao longo de uma viagem de carro, lembrando do passado e pensando no presente, refletindo sobre esse grande ciclo das coisas. Eu sempre gostei muito sair para dirigir para pensar. O clipe acompanha um trajeto que vai do Recreio dos Bandeirantes, onde morava na época e morei por quase 20 anos, até o Centro do Rio. Essas imagens foram filmadas por mim, no meu celular, e combinadas com vídeos caseiros da minha vida e infância, além de imagens de crianças de hoje em dia. A ideia lá atrás era lançar como single, mas acabei achando que seria intimista demais, e guardei para um futuro álbum.
Só que veio a pandemia e a nossas vidas foram drasticamente alteradas. Muita gente se viu dentro de casa, tendo que olhar para dentro e lidar consigo mesmo de uma forma que acho que a nossa geração nunca viveu. Com a solidão, com as memórias, com as saudades, e foi aí que essa música começou a ressoar forte em mim novamente. Mandei o clipe para diversos grupos, como teste, e pessoas bem diferentes se emocionaram e falaram sobre as suas lembranças da infância.
Dessa troca, veio a certeza de que era o momento de colocar a música no mundo, e a ideia de fazer uma campanha de lançamento na qual as pessoas pudessem compartilhar suas experiências. Antes de lançar, soltei nove vídeos com amigos de várias nacionalidades e de todas as idades, falando sobre as melhores lembranças de quando eram pequenos. Também convidei as pessoas que me seguem no Instagram a postarem fotos de criança, memórias, comidas favoritas, filmes, enfim, as suas saudades, e eu compartilhava nos stories. O processo todo foi muito emocionante, e os vídeos e stories estão disponíveis no meu Instagram, vale assistir.
Nesse ano você lançou dois singles. A ideia já é incluí-los num álbum?
Esses singles foram lançados como parte de campanhas em prol da visibilidade lésbica, em parceria com a Lesbiteria. Cosmonauta, por ter sido feita inspirada e em homenagem à minha mãe, acabou ocupando um lugar especial na minha vida, e será a primeira faixa do meu álbum Tudo até agora, em uma nova versão.
O que é o Lesbiteria, que aparece creditado nos seus dois últimos singles?
A Lesbiteria é um projeto da diretora artística Carina Rocha, que cria e promove conteúdos informativos e musicais que dão visibilidade à pauta LBT. As músicas surgiram de duas campanhas para as quais fui convidada. Cosmonauta, para a qual fiz letra e música, homenageia a dupla maternidade, enquanto Encontro solar é sobre a valorização do amor lésbico e o direito ao final feliz, com letra da Carina Rocha e música minha. Os clipes para ambas estão disponíveis no canal do YouTube do projeto. O clipe de Cosmonauta, inclusive, foi dirigido e montado pela minha companheira, Maiara Líbano.
Tinha um álbum seu para sair. Quando você pretende lançá-lo?
Meu álbum Tudo até agora, produzido por Gui Marques, já está na fase final da produção. O lançamento está previsto para abril de 2022. A ideia original era lançar em 2021, mas a pandemia acabou atrasando os planos. Tivemos que interromper algumas vezes por não considerarmos seguro nos expormos ainda não tendo vacina e com os casos explodindo.
Você passou por um bloqueio criativo quando estava fazendo o disco. O que aconteceu, e como você conseguiu furar o bloqueio?
Acho que todos nós, em algum momento dessa loucura da pandemia, pifamos de alguma forma, em algum aspecto das nossas vidas. Foi isso que aconteceu comigo. Fui entrando em parafuso com a quantidade de coisas ruins acontecendo, o coronavírus, esse governo, esse país, tantas mortes… Acabei entrando numa espiral em que consumia notícias obsessivamente, do instante em que acordava até a hora de dormir. Isso foi me pirando, porque era muita informação pesada e pouco ou nenhum lugar pra extravasar. Eu estava sem sair de casa, sem ver amigos, sem ver família, sem tocar, sem me exercitar direito, enfim, quase nenhum alívio. Acho que se não fosse minha companheira em casa, teria surtado brabo.
Me conscientizei de que estava vivendo essa situação no meio da pré-produção do álbum, um momento em que precisava da criatividade aflorada. Daí fui buscar formas de me estabilizar e de me reconectar. O grande empurrão acabou sendo a oficina do Leoni. Um amigo meu tinha acabado de fazer e, conversando com ele sobre meu problema, me recomendou que tentasse. E funcionou. Durante a oficina, acabei fazendo 4 músicas que hoje estão no disco.
Quais são suas maiores referências na hora de compor?
O Belchior é uma grande referência, por conta do seu estilo único, assim como a Joni Mitchell. A Joni tem uma coisa que eu amo demais, em que cada música te carrega como uma história sendo contada. Queria escrever como ela. Também sou muito fã de Herbert Vianna, Rita Lee, Arnaldo Antunes e Tim Bernardes.
Foto: Bleia Campos/Divulgação
Notícias
Urgente!: Wet Leg aquece para “Moisturizer” no Tiny Desk. Ana Frango Elétrico na vibe pós-disco.

RESUMO: Wet Leg aquece o lançamento de Moisturizer no Tiny Desk. Ana Frango Elétrico volta com música nova em vibe de pop nacional clássico, e compacto a caminho.
Texto: Ricardo Schott – Foto: Reprodução YouTube
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Se você já está só esperando Moisturizer, disco novo do Wet Leg, brotar nesta sexta (11) nos aplicativos de música (isso se você já não conseguiu ouvir o disco por outras fontes ou está hoje na audição do álbum no Bar Alto, em São Paulo), pode começar a adiantar os serviços com a aparição do grupo no programa Tiny Desk, da emissora NPR, que foi divulgada ontem.
O show teve apenas quatro músicas (CPR, Manguetout, Davina McCall e 11:21) e, mesmo no espaço ínfimo do escritório-cenário do programa, mostrou o quanto a nova fase fez bem ao Wet Leg. O grupo hoje opera como um quinteto de verdade – e não apenas como as duas garotas e uma banda de apoio. Rhian Teasdale, a vocalista, se tornou uma espécie de mulher fatal glam punk – sem abandonar a timidez que caracterizava ela e sua parceira Hesther Chambers no começo do grupo. O repertório está cada vez mais direto e conversando olho-no-olho com os/as fãs. E a gente fica aqui doido pra ouvir e escrever logo sobre Moisturizer.
***

Ana Frango Elétrico (Foto: Pietro Leonardi/Divulgação)
Grooves oitentistas e sons à la Lincoln Olivetti & Robson Jorge são tão fundamentais para o novo pop brasileiro quanto o soft rock é básico para o indie gringo atual – já percebeu?
Um ano e meio após lançar o elogiadíssimo Me chama de gato que eu sou sua (resenhado pela gente aqui), Ana Frango Elétrico volta com música nova, a sexy A sua diversão, parceria com Tuca Monteiro, e repleta do clima vaporoso do pop brasileiro pós-disco. Inclusive, dá perfeitamente para imaginar Ana lançando a canção no palco do Vamos nessa! (antigo programa de música da TVS, hoje SBT) ou do Programa Carlos Imperial.
A sua diversão é um das duas faixas que entraram para o repertório da turnê de Ana – a outra foi a releitura de Não tem nada não, de Marcos Valle, Eumir Deodato e João Donato, que sai nas plataformas digitais no dia 24 de julho. As duas músicas vão virar um compacto de vinil que sai pelos selos RISCO, MR Bongo e Psychic Hotline. Abaixo, você vê a capinha do single e ouve A sua diversão.
Lançamentos
Radar: Cidade Partida, Dimas, Homeninvisível, William Torres, Resp, Nicolas Geraldi, Raul Seixas

O Radar nacional de hoje começa com denúncia em carne viva – é o som da banda carioca Cidade Partida, com vários universos antagônicos do Rio em seu som. Mas seguimos com uma turma que coloca as emoções e as sombras pessoais como assunto principal. Todos os nomes do Radar de hoje falam sobre como lidamos com os monstros do dia a dia, cada um de sua maneira – encerramos inclusive com um nome histórico do rock brasileiro que estaria chegando aos 80 anos em 2025, e cuja carreira foi construída justamente em cima da habilidade de dar nome a muita coisa que a gente sente e nem percebe. Bora?
Texto: Ricardo Schott – Foto Cidade Partida: Divulgação
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CIDADE PARTIDA, “DE JANEIRO”. O Cidade Partida é um coletivo numeroso – são oito integrantes – e a sonoridade do grupo é ampla o bastante para comportar vários universos em cada faixa. Vindos de Campo Grande (Zona Oeste do Rio), eles traduzem uma carioquice que atravessa distâncias, mistura culturas, encara desigualdades, dribla o caos do deficitário transporte público e aprende com as esquinas.
De janeiro, single com quase sete minutos lançado em maio, mistura art rock, percussões e elementos da música brasileira para tratar de opressões e contrastes em uma cidade que virou cartão-postal do país (“antagonismos em luta / espaço em disputa / no bloco do eu sozinho”, diz a letra).
DIMAS, “EXCESSO DE FUTURO”. Muitas vezes, a ansiedade nada mais é do que excesso de futuro – sabe aqueles momentos em que você não está ligado no que está acontecendo agora, e tem vontade de mexer no relógio para atrasar ou adiantar um pouquinho o tempo? É exatamente isso que Dimas mostra no synthpop Excesso de futuro, que fala sobre um dia a dia em que tudo parece feito ou no sacrifício ou na força da raiva.
“É uma síntese do meu universo musical e acho que é a primeira canção que mostraria para alguém que quisesse conhecer meu trabalho, pois ela grita não só minha identidade artística como também pessoal”, conta Dimas que, num das cenas do clipe, aparece trabalhando num escritório a céu aberto – como o do vídeo de Sweet dreams (Are made of this), dos Eurythmics.
HOMENINVISÍVEL, “NAVALHAS”. Essa banda de São Paulo já passou por estilos como shoegaze e emocore, e vem encontrando sua razão de existir na música ruidosa e nas letras existenciais. Com um EP pronto para sair neste mês, adiantam o disco com Navalhas, uma canção cheia de sombras, que fala de palavras que cortam e ferem, de um quarto escuro que “representa o isolamento necessário para lidar com feridas da alma” (diz a banda) e da necessidade de se recuperar das tristezas e estresses. A música termina abruptamente e parece que vai ganhar continuidade num próximo single, ou numa próxima faixa do EP – quem sabe?
WILLIAM TORRES, “O PESO”. Vindo de Maceió (AL) e influenciado, entre outros sons, pela experimentação musical do Men I Trust, William é produtor, cantor e compositor e tem um trabalho solo que fala sobre temas como “amor, solitude, pertencimento e amadurecimento”, entre outros temas. O peso, novo single, é marcado pelo som etéreo, pelo compasso de valsa indie e por uma guitarra estilingada cujo riff dá todo o andamento da música.
RESP, “NOVA LUA”. Guitar rock melancólico e angustiado dá o tom da música do Resp, que é um projeto do músico curitibano Lorenzo Molossi. Cantando e tocando guitarra, Lorenzo se juntou à banda 3x – formada por Amanda Padilha (baixo) e Felipe Zago (bateria) – e à cantora Niko para gravar os EPs Meio da semana (2024) e Cotia (2025). E é deste último EP que sai Nova lua, faixa que acaba de ganhar um clipe com participação de todos os músicos envolvidos.
O vídeo da canção é basicamente um curta de cinema indie, contando de maneira criativa e fragmentada uma história de dia a dia estressante de trabalho – em que você vende sua força, cumpre uma rotina massacrante e sente, a cada dia, que estão te pagando (mal) mas estão roubando seu tempo. Parece familiar, não?
NICOLAS GERALDI, “VIM DA SOLIDÃO”. Cantor e compositor carioca, Nicolas retoma uma das faixas de seu disco de estreia, Em outro lugar do céu (2023), e lança o clipe da acústica e bucólica Vim da solidão, com um belíssimo arranjo de cordas. O vídeo, dirigido por Hick Duarte, foi gravado durante uma viagem com amigos a Diamantina (MG), e segue o clima introspectivo e interiorano da música, que é inspirada por sons como o rock psicodélico, o dream pop e a música mineira dos anos 1970.
“Mais do que o clipe de uma faixa, é um retrato sensível das cores que compõem o disco”, diz Nicolas, que transformou Vim da solidão numa experiência de autodescoberta, em que estar só, às vezes, não significa necessariamente estar sozinho – pode ser um excelente momento de respiro.
RAUL SEIXAS, “UM SOM PARA LAIO”. Dá para colocar Raul Seixas, o pai do rock brasileiro, aqui no Radar nacional? Dá sim – e como! Raulzito praticamente inventou o emprego de muita gente que hoje surge aqui mesmo no Pop Fantasma. E 2025 é “ano Raul”: tem exposição, documentário e comemorações pelos 80 anos do Maluco Beleza.
Vale inclusive lembrar que Raul não é só Ouro de tolo e Sociedade alternativa. Entre os lados-B geniais do baiano está Um som para Laio, parceria com Paulo Coelho feita para a trilha da novela O Rebu (1974) hoje resgatada na Globoplay em fragmentos. A faixa saiu no LP da trilha, e também num compacto. Com guitarras abertas, batida crua e vocal gritado, Raul e sua turma pareciam incorporar ao mesmo tempo o espírito do pré-punk e os ecos de Woodstock. E o resultado segue pulsando até hoje.
Cultura Pop
Urgente!: Nova do Hot Chip, “DVD” do Oasis em Cardiff, The Rapture de volta com turnê

RESUMO: Hot Chip (foto) anuncia coletânea e lança single e clipe. Fã produz vídeo do primeiro show do Oasis em Cardiff só com imagens feitas por fãs. The Rapture anuncia turnê pelos Estados Unidos e Canadá.
Texto: Ricardo Schott – Foto Hot Chip: Louise Mason/Divulgação
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Vai sair pela primeira vez uma coletânea do Hot Chip, Joy in repetition, prevista para 5 de setembro. Vale até a pergunta que muita gente já se fez: qual a importância de coletâneas nessa época de playlists e aplicativos de música com poucas infos? Bom, a importância de uma boa coletânea de hits é enorme, vale por uma setlist bem montada e pode contar uma história. E elas eram as playlist de duas décadas atrás.
No caso de Joy, ela traça o caminho do Hot Chip do tempo dos cachês baixos até a época em que jornais como The Guardian já estavam classificando Alexis Taylor, Joe Goddard, Owen Clarke, Al Doyle e Felix Martin como o maior grupo pop de seu tempo. E entre hits como Ready for the floor, I feel better e Look at where we are, ainda tem uma música nova de altíssimas proporções de grude: Devotion, já lançada em single, que é uma mescla de pop adulto, eletrônica psicodélica e futuro hit de pista, com clipe gravado no Japão.
Taylor rasga seda: Devotion é “uma celebração da devoção a este projeto coletivo”. E ele ainda faz um baita elogio ao colega Joe Goddard: “Penso no Joe como alguém parecido com o Brian Wilson, com uma dedicação enorme em descobrir como criar a música pop mais incrível possível”. Errado não está.
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Alguém com (felizmente, não estamos julgando) muito tempo livre pegou varias imagens diferentes do primeiro show do Oasis em Cardiff, feitas por fãs da banda, e compilou um (digamos) DVD do show.
O registro tá o mais fiel possivel, apesar das imagens à distância e do som nem sempre maravilhoso – vale como um belo bootleg das antigas. Tem ate o som da fitinha de Fuckin in the bushes na abertura, e a voz do apresentador do show. Detalhe: quem botou o video no ar tentou se livrar de problemas avisando que o video nao é monetizado. Pode ser que não ganhe strike do YouTube. “É de um fã apenas para fãs”, avisa.
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E ainda Oasis: vale ler o texto de Liv Brandão, fera do jornalismo musical brasileiro recente, sobre como a setlist do show do Oasis não foi apenas uma setlist. Foi uma aula de storytelling daquelas – como numa (olha aí) coletânea daquelas que vinham com textos contextualizando tudo.
“Muito se falou da escolha das canções, que privilegia os dois primeiros álbuns, como se só eles importassem (…). Mas tão especial quanto a seleção das 24 músicas que compõem o set, idêntico nos dois dias, é a ordem em que elas aparecem, montada para contar a história de quando o Oasis foi a maior banda do mundo – justamente na época desses discos – e tudo o que aconteceu desde então”. Leia o restante na newsletter dela
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Banda importante do dance punk dos anos 2000, The Rapture voltou, mas não há ainda nenhuma novidade a respeito de disco novo – nem de shows no Brasil, já avisamos. Na real, esse grupo novaiorquino já está de volta desde 2019, com o cantor Luke Jenner como único membro fixo, mas não havia retornado de fato. Fizeram alguns shows, mas pararam as atividades por conta da pandemia, e foi só. Dessa vez, o grupo tem uma turnê de verdade pela frente, que começa dia 16 de setembro no mitológico First Avenue, em Minneapolis, e passa por várias cidades dos EUA e Canadá até novembro.
“Anos atrás, quando me afastei da banda, eu precisava de tempo e espaço para reconstruir minha vida”, conta Jenner sobre a volta, sem comentar diretamente sobre as brigas intermináveis que a banda tinha lá por 2014. “Eu precisava consertar meu casamento, estar presente para meu filho e, por fim, trabalhar em mim mesmo. Esta turnê marca um novo capítulo para mim, moldado por tudo o que vivi e aprendi ao longo do caminho. Conquistei tudo o que esperava alcançar através da música e agora posso usá-la para ajudar qualquer pessoa que talvez precise, como eu precisei naquela época”.
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