Crítica
Ouvimos: Paris Hilton, “Infinite icon”
- Infinite icon é o segundo disco de Paris Hilton, lançado 18 anos após sua estreia Paris. A cantora Sia atua como produtora executiva, e o álbum tem mais de uma dezena de nomes cuidando da produção, entre eles Greg Kurstin (Adèle, Paul McCartney, Halsey, Kelly Clarkson e outros).
- Paris vem gravando singles independentes há alguns anos e em 2022, participou de um especial de fim de ano de Miley Cyrus ao lado dela e de Sia – que a encorajou a voltar a gravar. “Ela literalmente trouxe à tona algo em mim que eu nem sabia que tinha. Antes eu usava baby voice, era mais ofegante e soava numa vibe de Marilyn Monroe. E então com este álbum, eu me senti como uma mulher”, contou.
“Ué, mas eu nem sabia que a Paris Hilton ainda cantava! Como assim disco novo?”, você pode estar se perguntando. Pois é: imagine se uma pessoa que era influencer antes da popularização do termo não iria voltar a atacar, musicalmente falando, numa época em que eles (os influencers) dominam a mídia, são convidados para participar de novelas, apresentar programas e até para cobrir festivais de cinema e de música. O que resta é saber se existe, hoje em dia, tanto interesse assim por um disco de Paris. No caso de Infinite icon, seja lá o que aconteça com o disco, não será nada que vá abalar muito a credibilidade e a conta bancária de Paris. Mas também nada que vá acrescentar muitas novidades à carreira musical dela.
Infinite icon, como acontece com os discos mais recentes de Charlie XCX e Sabrina Carpenter, parte da recordação e das memórias musicais para construir um disco novo. O problema é que as recordações musicais aqui são daquelas dance music rastaqueras que rolavam nas rádios pop entre 1990 e 2000, e que geralmente apareciam só em coletâneas. Ou sons que lembram demais coisas que Beyoncé e Rihanna já fizeram há vários anos. Isso tudo aí é o que você vai ouvir em faixas como Welcome back, I’m free, BBA (com Megan Thee Stalion) e várias outras.
No caso de uma artista como Paris Hilton, não poderia ser diferente: uma boa parte do disco lida com temas como autopromoção e fugacidade da fama, assuntos sobre os quais ela poderia dar aula para quem está começando a se acostumar com os holofotes. É onde Infinite icon se dá melhor, em faixas como Fame won’t love you e Stay young – nesta, ela admite que “só queria ficar jovem para sempre/não queria ter que crescer”, versos que entregam que se a vida adulta está difícil para a ricaça Paris, imagina para quem realmente precisa se preocupar com os boletos. Mas no geral, Infinite icon é recomendável apenas para fãs.
Nota: 5
Gravadora: 11:11 Media
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Crítica
Ouvimos: Scrambled Heads – “Inward, then apart” (EP)

RESENHA: No segundo EP, Inward, then apart, o duo curitibano Scrambled Heads mistura emo, pós-hardcore, shoegaze e hardcore dos anos 1990 em músicas sobre dúvidas, inseguranças e culpa, entre peso e melodia.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Independente
Lançamento: 7 de agosto de 2026
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Buga (Redlightz, também ex-Abraskadabra) e André Pamplona (ex-Monaco Beach) fizeram do Scrambled Heads um projeto de estúdio, bem diferente das outras bandas que eles já tiveram. Com um bom tempo de experiência no DIY curitibano, eles já passaram por turnês (fora do Brasil inclusive) com sérias restrições orçamentárias, viagens de van por tudo quanto é canto, e o Scrambled Heads vem num momento de sossego para ambos.
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Inward, then apart, segundo EP do grupo investe em uniões de emo, pós-hardcore, shoegaze e hardcore californiano dos anos 1990 – com uma certa pressão nesse terceiro estilo. Não chega a ser um “punk pop”, mas as melodias em sua maioria são ganchudas e cantaroláveis, cabendo boas harmonizações em The observer, linhas vocais bem construídas em Chaos left unsaid e porrada punk em faixas como Wildfire e I build shelter from branches of second-guessing – esta, com andamento sinuoso, meio herdado do skate-rock e do reggae.
As letras acompanham a porrada, falando de dúvidas, inseguranças e sombras – além do fantasma da culpa tomando conta de Guilt trip. Som de peso, em busca da calma.
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Crítica
Ouvimos: 14 Flamingos – “Fine art” (EP)

RESENHA: O coletivo canadense 14 Flamingos, que chega a reunir até 14 músicos em shows, lança em Fine art, EP de três faixas que cruza rock setentista, soul, yacht rock, psicodelia e pós-punk com arranjos expansivos.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Independente
Lançamento: 27 de agosto de 2026
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O 14 Flamingos era só uma banda-dupla – depois virou uma banda de verdade, e depois, uma multidão de colaboradores, que chega a somar 14 pessoas dependendo da gravação e do objetivo a alcançar. O EP Fine art, com três faixas, usa essa turma toda para contar histórias através das letras, das melodias e dos arranjos.
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O grupo (que vem do Canadá) é tão bom em bandeirar seu próprio trabalho, que dá até pra deixar a banda falando sobre si própria. Como em Habsburg chin, que eles definem como “imagine um baile em Versalhes, só que a banda foi substituída por um grupo de pessoas que provavelmente entraram pela porta dos fundos de uma taverna” – na verdade é um rock anos 1970, que tem muito de soul e yacht rock, e até das invenções musicais de Kevin Ayers e Tom Waits.
Yesterday’s fair responde pelo lado mais carnavalista do disco, chegando a lembrar Mutantes em alguns momentos. The duke, terceira e última faixa, é uma fanfarra pós-punk, com ritmo funkeado, e a mehor melodia do disco.
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Crítica
Ouvimos: Cella – “Efeito borboleta”

RESENHA: A amazonense Cella estreia com Efeito borboleta, disco de MPB-pop que cruza ritmos nortistas, reggaeton, funk e dance music em canções sobre mudanças, amores e autoconfiança.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Urban Pop
Lançamento: 8 de maio de 2026
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Estreia da amazonense Cella, que é cantora e atriz (esteve na montagem carioca da peça Fala sério, mãe, ao lado da autora Thalita Rebouças), Efeito borboleta é um disco de mudanças pessoais em clima de MPB-pop. Cella mistura sons de sua terra e climas de reggaeton e funk, relembrando amores em que precisou se esforçar para caber na vida de outra pessoa (Demais pra você) e de situações bem mais tranquilas e empoderadoras (Encantaria, Meu norte). Mas depois as coisas saem do controle, romanticamente falando, com as lentinhas Veneno (com participação de Doral) e Me ignora.
É um pop correto, brasileiro, bem produzido, com boas canções e cantado em tons de bossa – e que, de certa forma, reapropria muitas vibes sonoras do Norte que volta e meia aparecem em gravações feitas em outros lugares. Lá pelo final, Karma junta dance music, latinidade e riffs de guitarrada, seguida por dois remixes (da própria Karma e de Meu norte).
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