Crítica
Ouvimos: XCOMM – “Time to burn”

RESENHA: XCOMM estreia com o explosivo Time to burn: hardcore punk juvenil, caótico e pesado, entre D.R.I., screamo e psicodelia.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 9
Gravadora: Blowed Out Records
Lançamento: 22 de maio de 2026
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Quando os integrantes da banda californiana XCOMM tiverem a idade de Keith Richards, vão ter deixado uma bruta discografia para trás, espera-se – afinal, trata-se de uma banda formada por integrantes entre 14 e 19 anos, além de um DJ e sampleiro que acompanha o grupo e tem 20 anos. Tem que já ande falando que Time to burn, o primeiro álbum, é uma baita “revolução do punk e do hardcore”.
Na real, o principal do XCOMM é que eles tocam tudo como se fosse a mais absoluta novidade para eles, e ainda fazem com que sons herdados dos anos 1980 e 1990 se choquem com o design musical dos dias de hoje. O vocalista Michael Gatto, de 19 anos, o baterista Revel Ian, de 14, o baixista Adan Escoto, de 16, o guitarrista Jay Vargas, de 15 (além do sampleador Hunter Grogan, de 20) berram como o Extreme Noise Terror fazendo screamo, e inserem climas diversos e efeitos sonoros em canções lascadas como Reasons e Hot pursuit, one and nothing, que abrem esse Time to burn.
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Em Hot pursuit, por exemplo, guitarras, ecos e ambientações fazem nascer um dub breve em meio ao punk do grupo. Fake ID abre ameaçando um nu-metal (opa, a banda é produzida por Ross Robinson, que pilotou discos do Korn e do Slipknot) e vira um punk rock quase psicodélico, cheio de ruídos e ambiências – mas sempre pesado. Borrowed happiness, por sua vez, junta D.R.I., Motörhead e Ramones no mesmo caldeirão. A faixa-título e Pirates vão fundo no hardcore desesperador – essa última, contando com o rap sombrio de Ghostemane.
Se você estava pensando “poxa, essa garotada é bem nova, claro que eles não ‘chegaram lá’ sem uma ajudinha…”, vai aí a revelação: Revel Ian, o baterista, é filho de Scott Ian, do Anthrax – musicalmente, há bem pouco de metal no som deles, vale informar, e o grupo é bem focado no punk. Com uma vibe “radical” à primeira vista, o XCOMM está nessa pelo peso e pela música. Tanto que depois surge Running zeros, punk de arena com lembranças de Agent Orange, Concrete Blonde e Midnight Oil.
Relevance segue a receita crua do grupo, mas deixa entrever algo de Buzzcocks. No teeth visita climas sombrios, Purity volta às lições de D.R.I. e Extreme Noise Terror, e Negativity, no final, engana bem: tem um clima até “new wave” no começo, mas embarca no hardcore, nas sombras sonoras e em estilhaços de psicodelia. Pode ouvir sem susto.
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Crítica
Ouvimos: Jubba & Samyr – “Até que foi bom, sabe?”

RESENHA: Dividido entre São Paulo e Paraíba, o duo Jubba e Samyr reúne em Até que foi bom, sabe? slowcore, soul, trip hop, city pop, folk-rock e trap em um álbum experimental sobre perdas, obsessões e recomeços.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Slowrecords
Lançamento: 23 de março de 2026
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Dupla dividida entre São Paulo e Paraíba, Jubba e Samyr decidiram fundir sonoridades e experiências de vida nos climas experimentais e psicodélicos do álbum Até que foi bom, sabe?. Um disco que já começa entre estalos que lembram um disco de vinil, partindo depois para a balada slowcore + soul Quando tudo ficou leve, eu quase flutuei – com toques de guitarra a lembrar um Pink Floyd vaporwave. E para o trip hop cheio de estranhezas de Desassossego, falando do sonho tenso com um amor que já se foi.
O disco é dividido em faixas com letra e vocal, e temas intermediários, como o city pop sombrio de 2406, o charminho lo-fi de K e o instrumental noturno e tranquilo de Vila Aurora. A união de estilos dos dois traz músicas como o folk-rock espacial e lisérgico de Coração de aço (cuja letra fala sobre a primazia de corações fortes e vencedores), o trap loucão de Cicatrizes e obsessões, o instrumental voador e urbano de Onsra.
Até que foi bom, sabe? chega ao fim com o bilhete triste de Dissolução, emoldurado por uma espécie de ambient guitarrístico. E com os quase seis minutos de Inércia, um trip hop que fala em ciclos fechados e recomeços, mas sem deixar a deprê ir embora.
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Crítica
Ouvimos: Septik – “World of turmoil” (EP)

RESENHA: No novo EP, World of turmoil, o Septik mistura crossover, thrash metal, punk e metalcore em faixas rápidas e agressivas, com referências a Megadeth, Sepultura, Ratos de Porão e Metallica.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: REDSUN Records
Lançamento: 27 de agosto de 2026
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Com um álbum e alguns EPs e singles na bagagem, o Septik vem de Houston e aposta em sons extremamente rápidos, agressivos e ríspidos em seu novo EP, World of turmoil. Mesmo podendo ser definida como “crossover”, pelo cruzamento entre metal e punk a banda tem até alguma ligação com climas mais clássicos do metal, embora vá fundo numa receita anárquica para unir tudo.
Tipo na curta Oblivion, que abre em clima de metalzão, tem algo de Megadeth (a banda de Dave Mustaine volta e meia surge como referência em algumas guitarras do disco) mas encerra com arrotos, lamentos e um clima de possessão demoníaca. Mind the silence tem algo de rap nos vocais e ganha até certo suingue, com uma cara punk vindo depois. A faixa-título tem vocais rappeados e um clima meio metalcore.
O final de World of oblivion expõe influências de Sepultura e Ratos de Porão, e do metal dos anos 1990 em geral – Without a trace tem muito de Dead embryonic cells, do Sepultura. Dá até para ver algo de Metallica no refrão de Vanish point, embora a principal onda da música seja ter um beat quase punk, bem ágil. Como o rock dos anos 1990 tem se tornado o paraíso idealizado de um monte de bandas e artistas (do rock e do pop), normal o metal ir pelo mesmo caminho. No caso do Septik, vem dando certo.
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Crítica
Ouvimos: Elli Ott- “The how to sing tape”

RESENHA: No álbum The how to sing tape, Elli Ott explora cordas, objetos e falhas de gravação para criar uma mistura de folk, ruído e experimentação, entre o meditativo e o caótico.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 7,5
Gravadora: Bud Tapes
Lançamento: 21 de julho de 2026
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Ligado ao selo de K7s Drongo Tapes, de Seattle, Elliott Hansen – o popular Elli Ott – é um cara do ruído e da tentativa-e-erro. The how to sing tape, disco lançado também em fita K7, é quase um Quinteto Violado de um cara só, mas voltado menos para o tocar violão e mais para o “violar tocão”.
Ele fricciona vários objetos contra as cordas e faz uma espécie de ruído falsamente meditativo, em faixas como How to sing, a cantada e letrada Will I have to beg you for it? e Meditation on the little black cat (nessa, as cordas do instrumento parecem se romper e causam pequenas rupturas na própria faixa – e em alguns momentos, as cordas parecem estar sendo tocadas por algo operado com pedal).
Essa experimentação aparentemente sem nenhum mapa transforma o instrumento numa interferência (Pumpkin center lament pt 1) e vai seguindo até chegar a algo quase meditativo (Shrimplicity, Untitled). O lado mais “musical” do disco passa por temas folk tocados com certa delicadeza (Dr Olive’s dream e a luminosa Long sea, que chega a lembrar coisas de bandas como Hot Tuna). Uma viagem válida.
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