Crítica
Ouvimos: Public Enemy – “Black sky over the projects: Apartment 2025” / Chuck D – “Chuck D presents Enemy Radio: Radio Armageddon”
RESENHA: E os discos que Public Enemy e Chuck D (integrante do grupo, em carreira solo) lançaram ano passado? Dois álbuns de rap old school com novos elementos e reflexões sobre idade, mercado do rap e tempos digitais.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 9 (para ambos)
Gravadora: Enemy / Flavor Flav (Public Enemy) e Def Jam (Chuck D)
Lançamento: 8 de julho de 2025 (Public Enemy) e 16 de maio de 2025 (Chuck D)
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A essa altura já tem novidade no front de uma das bandas de rap mais históricas do mundo: o Public Enemy pegou o hit He got game, tema do filme de Spike Lee Jogada decisiva, e transformou em She got game, com participações de rappers e esportistas mulheres. Flavor Flav se tornou patrocinador da Seleção Feminina de Polo Aquático dos EUA nas Olimpíadas de 2024, e a equipe está nos Jogos Olímpicos de Inverno de 2026, o que motivou a faixa.
Mas vale apontar que 2025 viu nascer não apenar um álbum novo do grupo, como também um disco solo do integrante Chuck D – que, por sinal, já tem um projeto colaborativo bem instigante programado para sair em 2026. Há algumas coisas em comum entre Black sky over the projects: Apartment 2025, do Public Enemy, e Enemy Radio: Radio Armageddon, de Chuck D. Tanto o rapper quanto seu grupo mantêm-se firmes no rap old school, mas acrescentam novos elementos, e não dispensam comentários sobre a passagem do tempo.
Na real, com lançamentos de rap cada vez mais “alternativos” e criativos, muita coisa que o Public Enemy já fazia lá pelos anos 1980 corre o risco de ser vista como uma alternativa nos dias de hoje. Apartment 2025 investe no boombap, em faixas com vários segmentos (com ritmos, climas e samples alternados) e em riffs hipnóticos de piano – enfim, o que poderia servir como uma cláusula de “psicodelia” para vários novos artistas é o procedimento normal de Chuck D, Flavor Flav e seus amigos.
O novo álbum fala sobre CEOs em estado de fúria e caos mental geral (Slick, unindo rock, blues, rap e jungle), gente escrota pagando comédia (Evil way, de versos como “tudo que sobe, desce / a gravidade tem um jeito de derrubar palhaços / tropeçando na cara, caindo escada abaixo / você é um homem mau / mas até os selvagens mais cruéis acabam sendo humilhados pelos comuns”), idade avançada (em What eye said, que entre versos como “deveria ser crime, agora estou perdendo meu ritmo / 64 versos para memorizar / consultei um psiquiatra para me ajudar” fala sobre como é ser um rapper e não recorrer a rimas fáceis).
Fools fool fools, com sons de bateria de Tré Cool, do Green Day, fala de um mercado fonográfico cada vez mais lotado de rappers, diluidores, aproveitadores e gente achando que autotune é gaita. O Public Enemy põe texturas de rock em algumas faixas, e privilegia uniões entre soul e psicodelia em várias outras, cabendo lembranças de grupos como Parliament / Funkadelic. Em vários momentos, o grupo encara os novos tempos com estranhamento – e vamos combinar que esse estranhamento tem lá suas justificativas, como na gracinha de Sexagenarian vape, reclamando de quem prefere fumar MP3 e gastar o dedo na tela (“você ama esses aplicativos, eu vou tirar um cochilo / porque você está bêbado de fama, tentando conseguir esse nome / correndo atrás de curtidas em vez de arrasar no microfone”).
Essa onda também é o combustível de Enemy Radio: Radio Armageddon, de Chuck D, álbum feito por um rapper experiente, que encara o estilo musical como uma rádio com vários programas – na real, é uma noção que faz parte do imaginário do estilo, tanto que já foi usada por De La Soul (em De La Soul is dead, de 1990), Racionais MCs (que criaram a Rádio Exodus no disco duplo Nada como um dia após o outro dia, de 2002), além do próprio Public Enemy. Em 2026, pode ser uma maneira de dizer que se a revolução não será televisionada, muito menos virá por intermédio das big techs, nas redes sociais e nas plataformas de música.
Em Enemy Radio, o girar do dial é uma maneira de dizer coisas, e de misturar universos, passando por uma análise da história do rock em What rock is, pelo empoderamento de Black don’t dead, pelo contato com os novos rappers em New gens, e pelo ódio de parte a parte (vindo da polícia, de rappers invejosos, de amigos falsos) em Rogue runnin’. Num disco dominado basicamente por convidados de velhas gerações do rap, Chuck une sons hipnóticos (New gens, Rogue runnin’, Carry on), faz rap + eletrohardcore (What are we to you?) e mexe com sons que fazem lembrar o hino Rational culture, de Tim Maia (na feminista e libertária Is god she?, com ½ Pint e Miranda Writes). Discão.
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RESENHA: O Moving Boxes cruza Midwest emo e hardcore californiano em Nothing so certain, disco marcado por peso, melodias e uma perspectiva de perda. Entre guitarras ágeis e vocais vulneráveis, a banda transforma incerteza em canções intensas.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: Independente
Lançamento: 22 de maio de 2026
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O “emo whatevercore sulista” do Moving Boxes ressurge com bastante peso e melodia em seu segundo disco, Nothing so certain. O grupo une os dedilhados comuns do Midwest a arranjos ágeis (quase sempre mais próximos do hardcore californiano dos anos 1990), vocais que somam força e fragilidade (a cantora é Sophie Biancofiore, também baixista) e canções que parecem formar um só bloco musical.
É o que rola no início, com as interligadas e energéticas Post traumatic swag disorder e Hot Brennan Lee Mulligan – seguidas pelo clima ruidoso e tranquilo de More than a white sky, música praticamente costurada pelos riffs e solos. E logo depois, o falso sarcasmo de Hypochondriacs live longer, com sua letra cheia de tensão e desespero, com mensagens sendo vistas até em corvos no telhado.
Tanto o nome da banda quanto do disco, aliás, sugerem incertezas, mudanças repentinas, tarefas chatas (“carregar caixas”, enfim) – aquela coisa que surge quando você não está precisando nem um pouco de novidades. Afinal, Nothing so certain, diz a própria banda, foi feito a partir da “perspectiva da perda”. E essa perspectiva, ao lado de um certo clima de ter que, baliza o disco. Essas duas ondas surgem em faixas como o emocore circular There’s ranch in the tuna salad and I miss my dad, o doce skate-punk Discourse is dead and so are our insides, a balada folk de luto Chloe.
- Ouvimos: Pussy Miel – Bee raged (EP)
Elas também dão as caras na seca emocional da inacreditável Funeral hawaiian shirt, no “adeus” cantado e gritado da guerrilheira Bering Streit e no amor meio traumático de Record scratch headset (do verso “você é a luz do sol através das folhas / não consigo saber de onde vem, mas sei para onde leva”). O final do disco dá a impressão de que um caminho percorrido pelo grupo foi narrado do começo ao fim, nas duas partes da curta e desconsolada Wake, e na sinceridade desprendida de Howl’s moving studio apartment.
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RESENHA: O gaúcho Mau K mistura post-rock, baixa-fidelidade e música instrumental no EP Cortejos, com referências a Gregory Uhlmann e Godspeed You! Black Emperor. Entre guitarras, teclados e repetições krautrock, o disco transforma introspecção em som.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Frase Records
Lançamento: 17 de julho de 2026
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Ligado a música, design, fotografia e audiovisual, o gaúcho Mau K cita nomes como Gregory Uhlmann e Godspeed You! Black Emperor entre as referências do EP Cortejos, voltando para a onda post-rock, e para a baixa-fidelidade instrumental. Partindo de uma ideia inicial em que as músicas deveriam ser tristes, Mau K acabou chegando a um EP contemplativo, que embala momentos de introspecção em faixas como Cortejo e cria uma espécie de chiptune analógico em Hyoshigi.
Ambas são músicas em que a guitarra, o violão e demais cordas entram para compor um resultado sonoro bem “humano” e quente, que talvez outros músicos decidissem fazer com aparatos eletrônicos. O som fica mais maquínico, e meditativo, nos teclados e nas repetições quase krautrock da progressiva Coluna forte, e no dedilhado de Com dois eles. Esta, um som tenso e etéreo, cortado pelo som melancólico de uma guitarra, e por algo que parece um tubo de oxigênio – e que remete a uma abertura de série de TV.
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RESENHA: Dion Lunadon, ex-A Place To Bury Strangers, reúne raridades e inéditas em Rare gems vol. 1, coletânea que atravessa garage rock, noise, punk e eletrônica. O disco inclui a mod punk Dead or alive e a garageira I owe you (Nothing).
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: Independente
Lançamento: 24 de junho de 2026
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Conhecido principalmente por ter feito parte durante vários anos do A Place To Bury Strangers, onde tocou baixo, Dion Lunadon é um sujeito do garage rock, do noise rock e do punk espacial – estilos que desenvolve em sua produtiva carreira solo. Rare gems vol. 1 é uma prova de produção: ele reuniu sobras de estúdio e raridades de sua história numa coletânea – cabendo músicas inéditas como o mod punk Dead or alive, mistura perfeita de Damned e Kinks, com órgão Farfisa, guitarra e baixo distorcidos e gravação pra lá de lo-fi.
- Ouvimos: Pussy Miel – Bee raged (EP)
Crush, outra inédita, une guitarra batida a la MC5 (a fase do disco High time, de 1971), mais teclados “sujos” e voz gravada como se viesse de um megafone, reverberando lá de longe. O hit 1976 investe em reminiscências num clima de punk espacial, abrindo espaço para mais duas novas: a garageira I owe you (Nothing) e a eletrônica podre (e instrumental) de Head on. Já When will I hold you again é punk simultaneamente orgânico e maquínico, feito como se fosse uma interferência sonora, enquanto The city is ours tem parentesco simultâneo com Velvet Underground, Stooges e Rolling Stones.
Rare gems vol. 1, em resumo, é uma baita loucura, em que uma faixa alucinada como The enemy consegue soar como “a mais normal” – apenas por remeter a um pós-punk mais gelado. No final, a sombria Destroyer visita uma espécie de eletrônica stoner, cheia de efeitos.
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Ouvimos: Moving Boxes – “Nothing so certain”
Ouvimos: Mau K – “Cortejos” (EP)
Ouvimos: Dion Lunadon – “Rare gems vol. 1” (coletânea)
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Ouvimos: Pussy Miel – “Bee raged” (EP)
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