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Cultura Pop

Thrillington: o “amigo imaginário” de Paul McCartney

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Nos anos 1970, discos vendiam a rodo. A ponto de grandes artistas se sentirem liberados até para despejarem autogozações nas lojas, e o público que comprasse (ou não). Em maio de 1977, por exemplo, saiu um LP chamado “Thrillington”, com todas as músicas de “Ram”, segundo lançamento de Paul McCartney (lançado alguns anos antes, em 1971) em versões orquestradas, no esquema mais easy listening possível. Olha ele aí numa playlist.

O disco era creditado a um enigmático maestro, produtor e socialite chamado Percy “Thrills” Thrillington, que (diz o release original do disco) teria nascido em 1939 na catedral de Coverntry, na Inglaterra. Viajou o mundo, montou uma orquestra em Londres, levou vida de playboy em lugares tão díspares quanto Mustique e o Rio de Janeiro, chamou a atenção da imprensa e da indústria do cinema… E, finalmente, realizou o sonho de encontrar Paul McCartney e conseguir, por intermédio do ex-beatle, um contrato de gravação.

No tal release do selo Regal Zonophone (que lançou o disco junto com a MPL, de Paul e Linda McCartney), o texto explicava também que até o periódico britânico “The Times” recebia telefonemas de pessoas querendo saber quem era o maestro – e que o departamento de imprensa da EMI fazia questão de explicar que “Percy Thrillington certamente não é Paul como algumas pessoas parecem pensar. Ele existe de verdade e é surpreendente como tanta gente segue suas atividades em colunas sociais do ‘Times’ e do ‘Evening Standard’. Esperamos que ele faça uma aparição pública logo”, dizia o texto.

Mais: numa piada com Stephen Clackson, repórter do jornal “Evening standard” que estava dedicado a descobrir quem era o maestro, o texto diz que “um repórter de uma publicação de Londres” teria ligado para o músico e perguntado se ele era Paul. “A resposta foi algo como ‘Bah’ ou ‘Baa'”,afirmaram.

Claro que nem precisa forçar muito a barra para perceber que (óbvio) se tratava de uma piada musical do próprio Paul. O músico tinha gravado “Thrillington” em junho de 1971, logo após sair “Ram”, para lançamento imediato. Só que logo depois Paul montou os Wings com Linda McCartney, passou a fazer extensas turnês e deixou o projeto de lado.

Na época, Paul teve a ajuda de músicos como o futuro maestro da Filarmônica de Londres, Richard Anthony Hewson, o guitarrista Vic Flick (que tocara o riff de guitarra do tema do personagem James Bond e trabalhara na época com Supertramp, Carly Simon e o próprio Paul, em “My love”) e o baixista Herbie Flowers (que acompanhou uma extensa lista de artistas e tocou em “Space oddity”, de David Bowie e “Walk on the wild side”, de Lou Reed), além de 19 violinistas.

Em 1977, ao resolver lançar o disco, Paul soltou na imprensa uma série de notinhas explicando as idas e vindas de Thrillington e sua vida de jet setter (daí a tal movimentação em colunas sociais, que existiu de verdade). No encarte, Paul era citado apenas como “amigo” do maestro.

O tal disco foi bolado por Paul com “Ram” tendo esquentado lugar duas semanas nas lojas, como lembra Hewson. “Ele me mostrou ‘Ram’ e falou: ‘Vamos fazer isso aqui instrumental, só que mudando vocais, guitarra e teclados para instrumentos de orquestra”, contou, em papo publicado no livro “The unknown Paul McCartney”, de Ian Peel.

Mesmo sem sequer ter escutado o álbum de Paul, Hewson topou o job de imediato, e disse que Paul queria realmente experimentar. “Na época a gente nem tinha samplers para checar como ficaria o som de um vocal do disco se transformado em, sei lá, um oboé. Precisávamos imaginar o resultado na cabeça e torcer para que funcionasse bem em estúdio”.

E mesmo com as limitações tecnológicas, Paul, Hewson e sua turma conseguiram aprontar “Thrillington” em milagrosos dias. Poucos dias depois, McCartney já estava gravando “Wild life”, estreia dos Wings e nem pensava mais no projeto. Hewson e os outros músicos só receberam contratos para assinar em 1977.

Por que o atraso de seis anos? Ian Peel aposta em “The unknown Paul McCartney” que tudo aconteceu por causa das várias experimentações que Paul vinha fazendo no pós-Beatles e sua provável percepção de que os Wings se pareciam mais com o que ele queria fazer de verdade. Já McCartney disse, em conversa reproduzida no livro, que só depois do álbum pronto se deu conta de que ninguém iria querer lançá-lo.

“Thrillington”, até hoje um dos itens menos conhecidos da discografia obscura de Paul, ficou pouco tempo em catálogo e acabou virando uma obscuridade, com fãs mais cult ainda. Mike Keneally, guitarrista americano que tocou por vários anos com Frank Zappa, ama o álbum. Diz inclusive que ao ouvir o disco lembra-se “da música incidental de um programa britânico de espionagem do fim dos anos 1960, algo com muitos carros na tela e uma edição ruim”, conta ele, que chegou a gravar uma música solo, “5 legs”, em homenagem a “3 legs”, de “Ram”.

O disco saiu em CD em 1995 e 2004, e em 2012 foi incluído como bônus da edição deluxe de “Ram”. Na época, Paul chegou a criar uma conta do Twitter com o nome do maestro.

Um cara fez uma resenha dos dois discos, “Ram” e “Thrillington”, lado a lado. Olha aí.

(texto atualizado em 17 de maio de 2021)

Crítica

Ouvimos: John Cale, “POPtical illusion”

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Ouvimos: John Cale, "POPtical illusion"
  • POPtical illusion é o décimo-oitavo disco solo de John Cale, fundador do Velvet Underground (banda da qual acabou sendo saído após o líder Lou Reed mandar um “ou ele ou eu” para os colegas). É o quinto disco do cantor para o selo Double Six, ligado à gravadora londrina Domino.
  • Num papo com The Guardian, Cale disse que o novo disco foi pautado pela pandemia, como já havia acontecido com o anterior, Mercy (2023), e que ele estava com muita raiva (“de coisas políticas, principalmente”) quando fez o disco. “Escrevi o disco com muito mais agressividade do que tive no passado recente, mas era um tipo diferente de agressão – um tipo de agressão romântica”, contou.
  • O álbum foi produzido por ele com sua empresária Nita Scott. Ao contrário de Mercy, bastante colaborativo, dessa vez Cale tocou quase tudo sozinho, com colaborações pontuais de Nita (teclados e programações) e Dustin Boyer (guitarra).

O tal “passeio pelo lado selvagem” do qual Lou Reed falava, tem mais a ver com seu ex-colega de banda e “inimigo íntimo” John Cale. Lançando disco clássico atrás de disco clássico, Lou foi do rock mais básico e destrutivo ao puro ruído. John ficou com o lado aparentemente mais desafiador, indo das tentativas de abraçar o rock mais radiofônico, até canções mais sinfônicas e elaboradas. Em vários momentos, trabalhou com selos menores e teve menos atenção da mídia do que Reed.

Em alguns momentos, John e Lou pareciam se “encontrar”, ainda que separados. Foi o que aconteceu em discos sombrios e protopunks de Cale, como Fear (1974) e Slow dazzle (1975, em cuja capa o cantor usava roupas pretas, óculos escuros e se parecia não muito levemente com o rival). No disco novo, POPtical illusion, a “ilusão de ótica pop” de John Cale inclui mostrar que a música de vanguarda, na visão dele, se parece bem pouco com a ideia comum de rock, ou até de punk. O som de POPtical tem a ver até com pop adulto-contemporâneo, desde que aquilo possa ser mexido e remexido de forma a se tornar um pouco esquisito, como acontece em faixas como Davies and Wales, a quase progressiva Edge of reason e o sophisti-pop I’m angry, que às vezes soa como uma bossa nova fragmentada e produzida por Brian Eno.

O novo disco tem, principalmente, a visão de um dream pop às avessas, como se as camadas de teclados e programações (além dos vocais gravados como se viessem do fundo de uma caverna) servissem para dar uma ideia de paraíso perdido, de sonho que acabou. Tudo isso em meio a letras bem pessoais, como God made me do it (Don’t ask me again) e Calling you out, ou comentários políticos como os de Company commander (“os direitistas queimando suas bibliotecas/nos dando os benefícios e a dúvida”). Vem logo à mente a lembrança de que no entendimento de Cale, o disco que ele e Reed estavam fazendo em homenagem a Andy Warhol, Songs for Drella, deveria ter uma cara de réquiem, de elegia – porque é mais ou menos isso que dá para enxergar em POPtical, um disco “raivoso” feito em meio à pandemia.

No repertório de POPtical, acha-se também o punk eletrônico de Shark shark, o jazz pop sombrio de Funkball the brewster, o synthpop de How we see the light (que lembra a fase anos 1990/2000 de David Bowie) e, no encerramento, as meditativas Laughing in my sleep e There will be no river. O novo disco de Cale é extenso (mais de uma hora de duração) e termina deixando a sensação de que o baú do retiro pandêmico do músico ainda vai gerar mais surpresas.

Nota: 10
Gravadora: Domino/Double Six

 

 

 

 

 

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Cultura Pop

Relembrando: Built To Spill e Caustic Resin, “Built to spill caustic resin” (1995)

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Relembrando: "Built to spill caustic resin", Built To Spill e Caustic Resin

Built To Spill e Caustic Resin são duas bandas bem desafiadoras do rock independente norte-americano, ambas vindas de um local pouco usual em se tratando da história do rock (a cidade de Boise, em Idaho), e que permaneceram ligadas por um bom tempo. A primeira, uma multi-formação liderada eternamente pelo músico Doug Martsch, caminhou entre o guitar rock, o punk e o slacker rock (aquele estilo despojado, geralmente usado para classificar o Pavement). A segunda, contando com relativamente poucas mudanças de line-up, dedicou-se a um “metal alternativo” mais próximo de Neil Young, do Grateful Dead e do Velvet Underground do que das noções comuns de música pesada.

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Como costuma acontecer com bandas-irmãs, uma delas foi para cantos um tanto quanto diferentes da outra. O BTP, que, durante shows recentes na América Latina, chegou a contar com dois músicos brasileiros (o baixista João Casaes e o baterista Lê Almeida), foi contratado da grandalhona Warner por duas décadas e fez turnês extensas. O Caustic Resin, que não grava desde 2003 e em tese, está em hiato, passou boa parte do tempo contratado do selo indie californiano Alias.

Em 1995, pouco antes do Built To Spill partir rumo a Warner e deixar o selo Up Records, de Seattle (por onde o Caustic Resin também havia passado), as duas bandas se juntaram num EP igualmente lançado pela Up. A junção dos nomes das duas bandas no título fez o EP se chamar literalmente Built to spill caustic resin (“construído para derramar resina cáustica”, em português), o que já dava uma imagem do aspecto corrosivo que a música poderia ter. Na formação, Doug (voz e guitarra) ao lado de dois integrantes do Caustic, James Dillion (bateria) e Tom Romich (baixo), além de um membro comum às duas bandas (Brett Nelson, voz e guitarra).

O EP reúne em quatro faixas as características das duas bandas: os ganchos musicais do Built e as viagens sonoras pesadas do Caustic. Duas das faixas, a irônica When not being stupid is not enough e She’s real, são bem extensas. Na prática, boa parte do material tem até mais a ver com o som que o Built vinha fazendo em sua primeira fase, de discos como a estreia Ultimate alternative wavers (1993), que tinha músicas repletas de partes diferentes. Mesmo quando surge uma música creditada ao Caustic e que tem bastante a cara deles, a psicodélica e gritada Shit brown eyes. O longo power pop She’s real, que encerra o disquinho lembrando uma versão zoada do Weezer, é creditado ao músico e artista visual Tae Won Yu, e foi composto quando ele fazia parte da banda indie Kicking Giant, liderada pela musicista Rachel Carns.

Mesmo sendo um EPzinho independente e, de certa forma, restrito, Built to spill caustic resin teve lá sua cota de problemas. A foto da capa, trazendo ovos de peixe e duas simpáticas larvinhas, teve que ser mudada assim que o autor da imagem descobriu o disco. Já a história da Up Records, que lançou discos de artistas como Quasi, Tad e Modest Mouse, durou até o licenciamento de seu catálogo para a Sub Pop, em 2018.

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Cultura Pop

Relembrando: Interpol, “Turn on the bright lights” (2002)

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E os 20 anos de Turn On The Bright Lights, estreia do Interpol?

Mal dá para crer que a banda novaiorquina Interpol não chegou a ter problemas com a organização policial americana. Mais inacreditável ainda é a lembrança de que o grupo fazia shows concorridíssimos no começo da carreira, quando eram estudantes universitários, mas não tinha um nome. Ao optarem por Interpol, justamente no comecinho da web 2.0, Paul Banks (voz, guitarra, hoje baixista), Sam Fogarino (bateria), Daniel Kessler (guitarra solo, voz) e Carlos D (baixo) não escaparam de receber várias mensagens por engano, de gente que pensava mesmo estar falando com a polícia americana, e não com uma banda iniciante (há um tempinho, isso rolou de novo, e no Brasil).

“Recebi alguns e-mails sérios sobre pessoas que se perderam, que outras pessoas estavam tentando encontrar, ou e-mails sobre golpes em que as pessoas caíram”, contou Kessler ao Pitchfork em janeiro de 2003, poucos meses após lançarem a estreia Turn on the bright lights (de 20 de agosto de 2002). “Um dos e-mails foi ‘meu carro foi roubado’”, contou.

A estreia do Interpol devolvia ao cenário novaiorquino muitas das influências que bandas como Velvet Underground tiveram sob os grupos ingleses. Em pleno retorno da sonoridade do pós-punk, marcada pela chegada ao mercado americano de bandas como Strokes, o Interpol assemelhava-se a bandas como Joy Division, Echo and The Bunnymen e nomes mais recentes como Ride.

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Os vocais de Banks, mesmo sendo mais empostados, são até hoje bastante comparados aos de Ian Curtis, e no disco do Interpol havia Obstacle 1 e Obstacle 2 como havia Exercise one na obra do JD. A canção da banda inglesa era bem mais assustadora do que o pós-punk marcial e volumoso do Interpol, claro, mas a letra de Obstacle 1 é igualmente sombria (“você vai se esfaquear no pescoço/mas é diferente agora que estou pobre e envelhecendo/nunca mais verei esse lugar”).

Havia muito ali também de bandas geralmente pouco comentadas, como The Sound (o clima cavernoso dos vocais e das melodias era herdeiro direto deles). A paixão de alguns integrantes do Interpol por música eletrônica fazia com que Turn on the bright lights fosse um disco cheio de climas diferentes, e que funcionasse como um relógio. embora a estreia da banda fosse bastante orgânica, maturada pelo uso do estúdio como um instrumento musical,  durante seis semanas de isolamento.

Untitled surgia em tom de abertura de filme, preparando o ouvinte para músicas como Obstacle 1, NYC (uma balada shoegaze que mostra o lado sombrio da “cidade que nunca dorme” e que cita o título do disco), PDA (a canção mais ligada ao rock de Manchester já produzida por uma banda americana), Stella was a diver and she was always down (essa poderia estar no Heaven up here, segundo LP do Echo and The Bunnymen). Tudo em Turn on tinha um certo ar de desilusão com as luzes de Nova York, um sentimento que fazia todo sentido no pós-11 de setembro.

Há quem defenda que Turn on the bright lights acaba na nona faixa, a ágil e meio punk Roland, com letra sanguinolenta falando sobre um açougueiro polonês que seccionava pessoas – um personagem aparentemente de ficção, mas que dizem ter sido inspirado no assassino americano Richard Kuklinski, morto em 2006. Os próprios integrantes viam The new e Leif Erikson, as duas verdadeiras últimas músicas, como separadas do disco – a última, em particular, soa como um pop sessentista sombrio, herdado do Velvet Underground e de Nico, encerrado por uma parede de guitarra e voz.

A estreia do Interpol foi um excelente exercício, que gerou imediatamente um grande prosseguimento, Antics (2004), e um disco mais controverso e um tanto mais sombrio, Our love to admire (2007). E a história do Interpol continua, com a banda reduzida ao trio Paul Banks, Daniel Kessler e Sam Fogarino. Rolou inclusive uma vinda há algumas semanas ao Brasil.

Ah, sim: quando o disco completou 20 anos, a banda pôs no YouTube o vídeo de divulgação do álbum, lançado na época apenas como um EPK para a imprensa. Pode ser visto abaixo.

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