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Crítica

Ouvimos: Rolling Stones, “Hackney diamonds”

Published

2 anos ago

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Ouvimos: Rolling Stones, "Hackney diamonds"

Qualquer pessoa que conheça bem a obra dos Rolling Stones sabe que falar em “é o melhor disco dos Stones desde sei lá quando” não faz muito sentido. Os Stones passaram por diversas fases em sua carreira. Algumas delas são absolutamente irreconhecíveis hoje em dia (o grupo parecia mais velho que hoje em Dirty work, de 1986, por exemplo). Cada uma delas teve momentos legais e outros nem tanto.

Vale dizer que a banda sempre manteve o cuidado na linha de frente, fazendo boas melodias, escolhendo produtores que atualizavam seu som e procurando ousar, mesmo que isso levasse a banda a dar umas bolas fora de vez em quando. Isso sempre foi o padrão da carreira dos Stones. E falar de Hackney diamonds, novo disco da banda, mostra por tabela como é que a gente lida com artistas que estão na reta final de suas carreiras – até porque o álbum mostra como é que a banda está lidando com a música feita nos dias de hoje. É um enorme esforço pessoal – além de, claro, uma boa dose de sorte – que os Stones tenham sobrevivido a tanta coisa e continuem produzindo. Só com muito amor à música, uma banda cujos integrantes já passaram por tudo nessa vida (ainda que sejam milionários, o que deve animar um pouco), soa tão renovada em seu 24º (ou 26º, nos EUA) álbum.

Os singles Angry, lembrando as guitarradas de Sticky fingers (1971), e Sweet sounds of heaven, soul-gospel-rock de excelente qualidade, deixaram os fãs babando cedo demais por um disco que se parecesse com a fase setentista dos Stones. Hackney diamonds é balanceado em dois lados distintos e complementares. Na primeira metade, Mick, Keith, Ron e Charlie (em duas faixas) voltaram com sonoridade urgente, com ar power pop em Whole live world, e fazendo proto-punk distorcido em Bite my head off (com Paul McCartney no baixo). Get close põe ar grunge no balanço de um som antigo dos Stones, Can’t you hear me knocking, Depending on you é uma balada com tons nublados (em vez da exuberância solar do grupo). Dá para perceber que houve ajuste com softwares na voz de Mick Jagger – que soa um pouco mais pasteurizada que o normal, especialmente na primeira parte do álbum. Incomoda menos do que poderia incomodar.

Na segunda metade do disco, a banda vai ficando mais vintage e mais reconhecível para fãs que não ouvem um álbum deles desde os anos 1970 ou 1980 – e que mal sabem que os Stones não teriam sobrevivido sem tentar renovar seu trabalho nesses últimos 40 e poucos anos. Tem Mick Jagger e Keith Richards dividindo vocais no blues Dreamy skies, o diálogo guitarra-voz-bateria de Mess it up (uma das que têm Charlie Watts tocando, e um dos refrãos mais bacanas do disco), o rock’n roll sem enfeites de Live by the sword (com Elton John tocando piano como Ian Stewart, nos discos antigos do grupo), o baladão pesado e emocionante de Driving me too hard. Vale citar que Steve Jordan, o novo baterista, entronizado pelo próprio Charlie Watts, torna o som do grupo mais reto, direto e seco, dando um certo ar punk a uma fórmula que parecia consagrada (o que pode causar antipatia em alguns fãs antigos, já aviso).

Nesse lado B, tem também a tradicional música cantada por Keith Richards, Tell me straight – curiosamente uma balada meio dark, coisa difícil de achar nos discos dos Stones. Mas fechando o álbum, o golpe final nos fãs da antiga: Mick e Keith, só eles dois, cantam e tocam (na gaita e na guitarra, respectivamente) Rolling stone, o blues de Muddy Waters que deu origem ao nome do grupo. A faixa não apenas encerra o disco, como também está posicionada depois do mergulho sonoro de Sweet sounds of heaven. Essa música é uma oração que fala em “ouça o som dos tambores/enquanto eles ecoam pelo vale e explodem” (um aceno a Charlie Watts que deixa entrever também uma referência a Can you hear the music, faixa de Goats head soup, disco de 1973 dos Stones). Também lembra que “não se pode ter luz sem um pouco de sombra” – quem sabe uma referência aos momentos mais vida-louca dos Stones. E afirma também o fundamental: “deixe os velhos acreditarem que são jovens”.

Se bobear, nem é o encerramento da carreira discográfica dos Stones enquanto Jagger & Richards estão por aí: provavelmente vai sair em breve pelo menos mais um disco dessa aventura (Mick diz que tem dois terços de um álbum já gravados, com o mesmo produtor de Hackney). E quem sabe vem também um disco ao vivo. A essa altura, já não é apenas rock’n roll: é amor e transcendência.

Gravadora: Polydor
Nota: 9

Foto: Reprodução da capa do álbum

  • Ao contrário do que acontece geralmente com as resenhas do Pop Fantasma, esse texto abriu sem os tradicionais três ou quatro parágrafos com detalhes sobre o disco. É que a newsletter Farol, da lenda viva José Emilio Rondeau, trouxe um texto tão detalhado sobre Hackney diamonds que, eu se fosse você, ia lá correndo ler.
  • Detalhe curioso: apesar de Hackney, área do Centro de Londres que inspirou o título do álbum, já ter sido conhecida pelo alto índice de criminalidade (tanto que os “diamantes” do nome do álbum são vidros de janelas arrombadas, espalhados pelo chão), o local passou por um processo de gentrificação na década passada e mudou bastante. Essa matéria do ano passado fala em cafeterias, novos prédios e casas custando um milhão de libras. E como acontece nesse tipo de processo, pessoas que migraram pra lá em busca de aluguéis baratos viram-se sem dinheiro para continuar vivendo em Hackney.

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Ricardo Schott é jornalista, radialista, editor e principal colaborador do POP FANTASMA.

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Crítica

Ouvimos: Smut – “Tomorrow comes crashing”

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18 horas ago

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16/07/2025

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No terceiro disco, o Smut funde grunge, pós-punk e dream pop com letras angustiadas e distorções, alternando urgência e climas melódicos.

RESENHA: No terceiro disco, o Smut funde grunge, pós-punk e dream pop com letras angustiadas e distorções, alternando urgência e climas melódicos.

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O Smut veio de Cincinatti, Ohio, e radicou-se em Chicago. Desde End of Sam-Soon (2017), dedicam-se a uma curiosa mescla de rock pauleira, guitar rock e pós-punk – mistura de gêneros que nos anos 1990 era simplesmente chamada de “rock alternativo”. Após mudanças de formação, afiaram a receita e ganharam mais peso no terceiro disco, Tomorrow comes crashing. Um álbum de distorções aparentes, letras angustiadas e climas sombrios mesmo quando as melodias têm climas solares – como na abertura, com o indie rock funkeado e pesado Godhead.

A poética de Tay Roebuck, cantora do grupo, é bem crua – os vocais dela volta e meia lembram uma versão grunge de Dana Margolin, do Porridge Radio. Syd Sweeney, pesada, ágil e distorcida como uma canção do Hüsker Dü, é punk anos 1990, com letra apontando para relacionamentos tóxicos e falidos. “Construída com fardo pesado e selada com lições aprendidas / fui feita para durar, selar as rachaduras e vencer, pelo que valer a pena (…) / você me desnuda para me sentir bem, nega meu discurso de vendas perfeito”, diz a letra, encerrada com 30 segundos de desespero vocal.

  • Ouvimos: Porridge Radio, Clouds in the sky they will always be there for me
  • Ouvimos: Deradoorian – Ready for heaven

Nem só de urgência vive o disco. O clima muda na melodiosa Dead air, dream pop com peso e clima misterioso, e se mantém relativamente tranquilo no pós-punk Waste me e na vibe mágica e semi-acústica de Ghosts (Cataclysm, cover me). Mas Tomorrow comes crashing apresenta também heranças do grunge nas ferozes Spit e Burn like violet, une blues, folk e balanço em Touch & go, e invade a área do jangle rock em Crashing in the coil. Já Sunset hymnal, no fim, é som com guitarra batida e andamento estradeiro e urbano – até que uma guitarra distorcida entra e leva o Smut para seu terreno familiar.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 8,5
Gravadora: Bayonet Records
Lançamento: 27 de junho de 2025.

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Crítica

Ouvimos: Miçanga – “Velhos rabugentos não falarão sobre Malk Espanca em 2099”

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18 horas ago

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16/07/2025

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RESENHA: Rapper com flow perturbador e irônico, Miçanga toca no nervo exposto das lutas diárias em Velhos rabugentos não falarão sobre Malk Espanca em 2099, álbum que une hip hop e experimentalismos.

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Um dos convidados do álbum Cybertrópico, da banda Disstantes (que resenhamos aqui), o rapper Miçanga – nome artístico de Tiago Malta – destaca-se com um álbum solo de inéditas, com título enigmático: Velhos rabugentos não falarão sobre Malk Espanca em 2099. O repertório do álbum segue o ritmo perturbador e irônico de De noite poeta de dia operário, parceria de Miçanga com o Disstantes, que narra o dia a dia de quem vive entre a ralação e a criação de versos, e usa as horas perdidas no transporte público para escrever.

Por acaso, são justamente o tempo e os jogos diários de azar ligados a ele, que dão o tom no começo do álbum, com Teu futuro é meu passado. Um rap que mistura synthpop, distorção e provocação em doses iguais. “Voltando ao tópico do aqui agora / acho prudente você se focar nele / pois toda angústia vem de uma viagem do tempo mal planejada”, dispara. Viagens no universo cyber tomam conta do rap forró A lenda leiteira enferrujada do burrico espacial, com som de videogame.

Levante para um amigo é samba-rap com união de drum’n bass e samples de narração de futebol. Experimento para se criar + um anti-herói é prosa-poesia falada, com programação simples, batidão com “foda-se” repetido várias vezes, e letra demolindo sebastianismos. “Acreditar num heroísmo é um fascismo disfarçado, esperando a ser pregado, para que você homem comum, não tenha nenhum plano a superar ou a repensar os problemas”, diz.

Malk Espanca tem uma parte 2, predominantemente experimental e instrumental, que funciona a golpes de baile funk (Satélites, cicatrizes, lousa, acrílico), eletrohardcore (a bizarra Remoção de cola do braquete sem broca e espancamento, que põe BPM acelerado num motorzinho de dentista) e ruído punk (os 14 segundos de Lá embaixo).

A experimental e falada Ode ao papa está mais para “ódio (com zoeira) ao Papa” (“Papa, você é um cara legal / Papa, você é sensacional / Papa, será que você papou criancinhas?”) e Maracatu de cyborg põe mangue-bit robótico e marcial na história. Já Power juice forever (Brazilian cyber funk) é uma colagem perturbadora e pornô no estilo dos Residents. Uma viagem delirante e crítica pelo futuro – ou pelo presente mal disfarçado e mal embrulhado.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 8
Gravadora: Independente
Lançamento: 30 de abril de 2025.

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Crítica

Ouvimos: Pedro Palma – “Emocional”

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19 horas ago

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16/07/2025

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Ouvimos: Pedro Palma - "Emocional"

RESENHA: Em Emocional, Pedro Palma mistura pop, rock e ironia para narrar dores afetivas e identitárias com intensidade e lirismo.

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Talvez Pedro Palma seja o primeiro artista brasileiro a se dizer influenciado pelo popstar britânico Yungblud. E de fato, o clima existencial e dramático dos discos do inglês, oscilando entre o emo e o metal, paira bastante sobre as 14 faixas de Emocional, sua estreia solo. Pedro insere boas doses de ironia na equação, como no single P.Q.P., que gira em torno dos tropeços sentimentais de quem se joga de cabeça num relacionamento… e se arrebenta logo depois (“já me falaram que a expectativa é a mãe da merda / mas eu insisto em me entregar sem nem pensar na queda”).

Emocional é dividido em duas partes: a primeira é mais rock do que sofrência, a segunda é de sofrência pura com elementos roqueiros. O repertório, a exemplo de P.Q.P., é mais voltado para feridas emocionais expostas, como no emo pós-pós-adolescente de 27 (“vejo meus ídolos olhando bem pra mim / como um convite que não dá pra recusar / muito estranha essa sensação / de que eu não fui feito pra durar”) e o som pesado e afirmativo de Emocional e Eu quero me explodir – esta, de versos reveladores e graves: “dizem que eu faço tudo ser mais complicado / que o mundo me odeia só porque eu sou viado / e minha ansiedade não passa de uma invenção / você é um péssimo exemplo pro seu irmão”.

O tom começa a ficar mais baixo em músicas como a balada O que você fez comigo não se faz, o post-rock de FM Queda livre e a tristonha Se eu te disser. No final, o Pedro do passado e o do presente encontram-se na balada épica Para Pedro: “Tudo que eles falam, e os dedos que apontam, não podem te perfurar assim / não há nada de errado em ti”.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 7,5
Gravadora: Deck
Lançamento: 20 de junho de 2025

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