Crítica
Ouvimos: Nick Cave and The Bad Seeds, “Wild god”
- Wild god é o décimo-oitavo disco de Nick Cave ao lado de sua banda The Bad Seeds. Para o músico, se trata de um “disco complicado”, mas simultaneamente “profundamente e alegremente contagiante” – ele afirma que o álbum reflete o estado de espírito feliz de sua banda.
- Os Bad Seeds hoje são Nick Cave (voz), Warren Ellis (teclados, flauta, violino, guitarra), George Vjestica (guitarra, violão), Martyn P. Casey (baixo), Thomas Wydler (bateria) e Jim Sclavunos (vibrafone, percussão, backing vocals). Nick e Warren produziram o álbum.
Não dá para ouvir Wild god, novo disco de Nick Cave and The Bad Seeds, e ficar indiferente. Se for para tentar comparar com o espaço emocional que outros discos ocuparam na história da música recente, a primeira lembrança é a da fila de uma certa loja varejista, poucos dias após a morte de Renato Russo (1960-1996), cheia de fãs da Legião Urbana levando A tempestade, último disco do grupo liderado por Renato (1996). Boa parte dos fãs estava com lágrimas nos olhos ao levar o disco (sim, na fila da loja) e a audição de músicas como A via-láctea teria outro sentido a partir daí.
Não foi muito diferente do que aconteceu com Blackstar, último disco de David Bowie (2016), e A panela do diabo, último álbum de Raul Seixas, dividido com Marcelo Nova (1989) – no qual Raul falava sobre “o curto sonho da vida” na faixa Nuit. São álbuns marcados pelo luto, só que no caso de Nick Cave, a despedida não é do narrador-personagem. Nick, que já havia perdido um filho em 2015, Arthur, viu outro partir recentemente – Jethro, em 2022.
Se o tema “morte” pairava sobre a obra de um sujeito que já lançou um disco chamado Your funeral…my trial (1986), e já vivenciou estados depressivos e bem sinistros por causa da heroína, o clima aqui não é de flerte com a ceifadora, mas do aprendizado com experiências reais e bastante dolorosas. Já era o que havia acontecido em Skeleton tree (2016, feito sob o impacto da morte de Arthur) e Ghosteen (2019), mas imagine o que acontece após duas experiências dolorosas.
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Qualquer disco de Cave foi feito para que o cantor soe como um contador de histórias extremamente profundas, de teor quase religioso, mas sem direito a fé cega, ou a um “deus intervencionista” (como ele próprio cita na letra de Into my arms). Parece muito com a energia dos álbuns de Leonard Cohen, cantor/poeta que Nick já disse considerar “o maior de todos”. Wild god é outra atmosfera, falando em sonhos perdidos, coisas que vão se dissolvendo e na sensação reconfortante de que o que não tem remédio, remediado está. Song of the lake, a música grandiloquente da abertura, e de clima musical parecido com Radiohead e The Smile (por acaso Colin Greenwood, das duas bandas, toca baixo no disco), segue dessa forma, com Lake inserindo uma verdade enorme na letra e na interpretação.
Essa verdade é o motor de Wild god. A faixa-título, uma balada que segue entre Bob Dylan e o David Bowie de 1969/1970, fala sobre um deus bem humano, que deseja que seu espírito seja “trazido para baixo”. Frogs é um conto sombrio que tem versos como “tire essa arma da sua mão/porque tudo ficará bem”. A camerística Joy fala de alguém que acorda “com a tristeza em volta da cabeça/como se alguém da minha família tivesse morrido”. O folk Final rescue attempt encerra com o verso “eu sempre amarei você”, repetido várias vezes.
Questionamentos sobre fé e amor, além da constatação de que não dá mesmo para fugir da tristeza, surgem em canções como a balada gótica Cinnamon horses, e as mortalmente tristes Long dark night e As the waters cover the sea. Chega a soar estranho quando uma nota de sensualidade invade O wow O wow (How wonderful she is), em versos como “ela se levanta antes tirar a calcinha/posso confirmar que deus realmente existe”. Não é o principal tema de Wild god, um disco que claramente Cave fez, ao lado de sua banda, para lidar com as perdas da forma mais prática possível.
Nota: 9
Gravadora: PIAS
RESENHA: Em Wintry mix, o Superchunk reúne uma faixa inédita e versões de Wham!, Magnetic Fields e Galaxie 500, misturando power pop, punk e clima natalino.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 9
Gravadora: Merge Records
Lançamento: 6 de novembro de 2026
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Wintry mix, EP que o Superchunk lançou de surpresa, é (ora vejam só) um disco de inverno cheio de melodias solares, contendo uma música autoral original e quatro versões, todas ligadas ao Natal ou à estação mais fria do Hemisfério Norte. O disquinho tem um cachorro sorridente na capa – ou seja: é capaz de você se apaixonar por Wintry mix antes mesmo de ouvir.
“Vejo essas músicas sazonais como um quebra-cabeça divertido de resolver”, explica Mac McCaughan. O desafio seria encontrar uma maneira de deixar a marca da banda num assunto tão explorado. Shortest day of the year (No tinsel mix), única autoral, oferece uma boa medida do plano: power pop garageiro, vozes melódicas e uns “uuu” que aproximam Beach Boys e Weezer. Música de inverno com um pé na praia, porque o Superchunk tem dessas.
Last Christmas, do Wham!, aparece numa versão ruidosa e alegre, com a guitarra tomando conta sem soterrar a melodia de George Michael – é power pop purinho, respeitando o original, mas dando cara nova. O grupo regravou também duas do Magnetic Fields: The blizzard of ’78 e Have you seen it in the snow, vieram do conceitual 50 song memoir (2017). A primeira faixa ganha uma correria quase Ramones – a segunda encontra um punk sessentista que lembra os discos solo de Johnny Thunders (New York Dolls).
Snowstorm, do Galaxie 500, fecha o pacote trocando o andamento arrastado por um ataque entre Ramones e Buzzcocks, com certa tensão na guitarras que fazem lembrar a tempestade do título. Cinco faixas bastam para o Superchunk fazer um baita disco.
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RESENHA: Em The holy cross tigers, o Twisted Teens estreia na Sub Pop misturando punk, garage rock e country em canções sobre separações, traições e ressentimento.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 9
Gravadora: Sub Pop
Lançamento: 6 de novembro de 2026
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Os Ramones fizeram e gravaram Questioningly, então não há motivo para o Twisted Teens ter vergonha de chorar as mágoas sobre uma guitarra country. The holy cross tigers, estreia na Sub Pop e terceiro disco do grupo em 2026, mistura punk, garage rock e melodias de gente que perdeu o amor, mas ainda lembra o caminho do bar. Caspian Hollywell canta com uma voz rouca que remete a Jimi Hendrix, enquanto a steel guitar de RJ Santos parece conhecer detalhes da história que ele preferia esquecer.
Segundo Hollywell, as músicas vieram de uma separação durante uma viagem à Albânia. De volta a Nova Orleans, ele continuou dividindo a casa com a ex e bebendo além da conta. Mas a dupla não trata a desgraça com solenidade. À Pitchfork, o cantor resumiu sua fé na melodia: “Se você fizer uma canção grudenta, pode tocar qualquer coisa e as pessoas vão gostar”. Os Buzzcocks, citados por ele na conversa, ajudam a entender o método.
Stalks abre com country garageiro e termina entre “defeitos especiais”. When we first met junta indie rock dos anos 2000 e desespero country, lembrando um começo amoroso que já não existe. Be an angel ensaia uma entrada celestial, com violão, steel e teclados, antes de emendar num country rock tranquilo, mas amargo. Blue rose é quase um Buzzcocks de voz encardida, até a guitarra de Santos aparecer.
I spend my time crying leva a comparação com Questioningly adiante: uma balada punk country, com voz queixosa e uma steel lindíssima acompanhando o pedido de mais bebida. Figure it out aproxima Modern Lovers e Bruce Springsteen, enquanto Lock and key troca a separação pela traição entre amigos, com uma melodia que sugere lugares distantes do country antes do corte abrupto.
Nas letras de The holy cross tigers tem um detalhe: há certa atenção dispensada às plantas, às flores e à possibilidade de alguma coisa voltar a crescer – uma sensibilidade pouco vista na obra deles. Every flower tem um soul hendrixiano que vai derretendo em ruído e experimentação. Darker the night is the brighter I see encerra entre Beatles, Velvet Underground e vozes distorcidas, quase num pesadelo.
No geral, The holy cross tigers não é a história arrumadinha de quem sofreu, aprendeu e ficou bem. O disco carrega no clima de recaída, e no ressentimento – em vez de enjoar ou ficar cafona, combina com o som do duo a ponto de dar vontade de ouvir tudo outra vez.
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RESENHA: Em Neo punk, Pusher174 mistura punk, no wave, garage rock e gótico em gravações caseiras, com letras sobre angústia, dificuldades cotidianas e rebeldia.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: Independente
Lançamento: 7 de novembro de 2026
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O Pusher174 é o projeto musical de Luis Henrique Lopes da Costa, mineiro radicado na Bahia que compõe, produz e grava seu barulho em condições caseira. No disco anterior, Líder dos delinquentes, o som parecia ter escapado da Mute Records do começo dos anos 1980. Neo punk, o novo disco, amplia a urgência: tem no wave, garage, gótico, teclados espaciais e até uma lembrança de power pop. As letras estão menos diretas, mas continuam políticas no cansaço, no dia a dia de dureza relatado e no prazer de incomodar.
A faixa-título é quase no-wave, costurada por um riff selvagem. Já Escolher matar aproxima new wave e Iggy Pop numa fantasia violenta, enquanto Stress usa violão, percussão e um coralzinho para juntar angústia existencial e contas (boletos, enfim) que não fecham. Os “defeitos especiais” impedem que a gravação caseira vire sinônimo de tranquilidade.
Eu tô entediado parece montada com pedaços que vieram de lugares diferentes: voz, guitarra e bateria não têm a mesma textura, o sax aumenta a confusão e os glitches finais tiram tudo do eixo, como se houvesse algo de hip-hop alternativo nesse punk de computador. Já Fica comigo poderia ser um Teenage Fanclub da fase Grand prix pervertido. O pedido amoroso é dirigido ao Brasil, entre a dificuldade de fingir indiferença e a vontade de mandar gente embora.
Um beijo dói tem baixo distorcido e evocações de Buzzcocks e Replicantes, na letra de puro romantismo punk. Memória do sangue passa pelo gótico verde-e-amarelo de Zero e Arte no Escuro, com bateria tribal e rap de Iku the Kid. Nada pra reclamar é quase um gótico minimalista, “de brinquedo”, com sax lembrando Psychedelic Furs e clima experimental do meio para o fim. Já O medo não me assusta fecha o disco com psicodelia garageira: sons lembrando órgão Farfisa e vibe lembrando The Damned surgem na faixa, cuja letra fala sobre desobediência sem cerimônia.
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Ouvimos: Superchunk – “Wintry mix” (EP)
Ouvimos: Twisted Teens – “The holy cross tigers”
Ouvimos: Pusher174 – “Neo punk”
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