Crítica
Ouvimos: Green Day, “Saviors”
- Saviors é o décimo-quarto disco de estúdio do Green Day, o trio de Billie Joe Armstrong (voz, guitarra), Mike Dirnt (baixo) e Tré Cool (bateria). O disco foi apresentado ao público por intermédio de singles como The american dream is killing me, e por shows-surpresa (um deles, dado em Las Vegas).
- O disco novo sai ao mesmo tempo em que chega às plataformas o clipe de Bobby sox, uma das faixas. O clipe traz encontros entre amigos e beijos entre vários casais. “É a música dos anos 1990 que nunca escrevemos. Começou sendo uma canção que escrevi para minha esposa, mas quando se materializou, eu quis modificar e acrescentei: ‘Você quer ser meu namorado?’ no lugar de ‘Você quer ser minha namorada?’… Então a música torna-se uma espécie de hit universal”, diz Billie.
O Green Day nunca pareceu tão perdido e equivocado quanto no disco anterior, Father of all motherfuckers (2020) – álbum que, por sinal, tem um número bem grande de fãs, que viram sentido naquela (é nossa opinião, foi mal) maçaroca indie-garage de menos de meia hora. Já Saviors chega no mercado soando como o disco que o Green Day queria fazer há quatro anos mas (possilvemente) se sentia desmotivado e sem assunto. O trio é uma daquelas bandas sempre a postos para despertar o interesse dos fãs e futuros fãs – numa onda análoga a do U2, também bastante competente em sempre convencer todo mundo de que o melhor ainda está por vir. E voltou compilando tudo o que sabe fazer com competência.
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Impossível não comparar o resultado com álbuns como Dookie (1994) e American idiot (2010), ambos produzidos pelo mesmo Rob Cavallo do novo disco, mas vale observar que o Green Day volta disposto a fazer música grudenta e parece bastante influenciado por uma onda bem power pop e revivalista. Como no clima Ramones de Living in the 20’s e 1981 (essa, brincando com a nostalgia dos anos 1980, traz um verso que poderia ter sido escrito por Dee Dee Ramone: “ela é uma Guerra Fria na minha cabeça/e eu sou Berlim Oriental”). Ou na sonoridade meio Kiss-meio Weezer (é possível!) de Corvette summer. Ou no romantismo quase punk-beatle de Bobby sox. Que por sinal, já ganhou um clipe bem bacana – veja lá pra baixo.
Há também um pouco do clima mal humorado de Insomniac (1995), mas sem a mesma tendência depressiva e adolescente: The american dream is killing me, focando no retorno de Donald Trump à política, é uma crítica direta e madura (madura ao estilo Green Day, claro) à montoeira de sonhos destruídos e pessoas excluídas no dia a dia dos EUA. Look ma, no brains! abre com o verso-referência “não sei muito a respeito de história”, que soava cool e inocente na abertura do hit clássico Wonderful world, de Sam Cooke. Só que a música do Green Day não fala de um adolescente apaixonado, e sim daquele sujeito sem cultura, com posicionamentos políticos e atitudes lamentáveis, que a gente vive esbarrando em cada esquina. O punk palhetado Strange days are here to stay é auto-explicativo, misturando algoritmos, neo-fascismo, uberização e a noção de que o perigo, imaginado ou não, está em cada um de nós – além do verso “dias estranhos vieram para ficar/desde que Bowie morreu”.
Já o lado “hino” do Green Day, que já deu ao mundo Wake me up when september ends e Good riddance, volta meio chatonildo em músicas como Fancy sauce e Father to a son – essa, pelo menos ganha pontos por ser uma reflexão sincera a respeito do relacionamento pai-filho, com versos formidáveis como “nunca soube que o amor poderia assustar mais do que a raiva”. Dilemma, música que até a Rolling Stone tratou como um baita futuro hit, vale como diário das questões pessoais de Billie Joe, mas musicalmente soa como uma mescla mais-do-mesmo de Bad Religion e Foo Fighters. Agora, pra ouvir no repeat e esquecer os vacilos, tem Green Day influenciadíssimo pelo Teenage Fanclub dos bons tempos na ótima Suzie Chapstick. Nem tudo é excelente em Saviors, mas as qualidades são bem superiores aos defeitos.
Gravadora: Reprise Records
Nota: 8,0
Foto: Reprodução da capa do álbum.
RESENHA: Boards Of Canada volta com Inferno, disco de eletrônica sombria, ritualística e paranoica em disco denso e cinematográfico.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 10
Gravadora: Warp Records
Lançamento: 29 de maio de 2026
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Vindos do interior da Escócia, os irmãos Michael Sandison e Marcus Eoin – que formam o Boards Of Canada – sempre demonstraram ter uma visão bem conceitual e própria da música eletrônica. O mesmo estilo musical que já foi usado para experimentar coisas novas, ou para botar uma turma enorme pra dançar, já foi usado como trilha sonora de telejornais, de campanhas políticas escrotas, de filmes de treinamento, de documentários que vendem gato por lebre (de pseudo-ciências a time-lapses de construção de condomínios, tudo exibido como maravilhas do progresso), de vídeos caseiros… Tudo de bom e de ruim, em faixas que muitas vezes mal têm letra.
Vai daí que a música do Boards Of Canada é uma espécie de, digamos, parte interessada nesse bololô todo. Michael e Marcus sempre fizeram questão de explorar esse mundo em que os sons eletrônicos não parecem mais do que uma vinheta de comercial das pilhas Duracell, ou um som de “estamos apresentando” – só que deram a isso uma aura cult e um poder tão viciante, que qualquer disco do BoC é pra ouvir várias vezes seguidas. Inferno, quinto disco (e primeiro desde 2013) vai fundo nessa emoção. A começar por Introit e Prophecy at 1420 MHz, faixas de abertura, lançadas como single.
- Ouvimos: Youbet – Youbet
A primeira lembra uma vinheta de produtora de vídeo da era VHS. A segunda, é uma espécie de tecnorock tuaregue, percussivo, em que um sujeito com voz distorcida afirma ser “deus, a principal ressonância do espírito”. Sim, parece que você está ouvindo rádio e entrou uma voz fantasma – mas em meio às faixas de Inferno, o “produto deus” não parece estar sendo vendido adequadamente. Inferno é bem intranquilo e parece exibir um som cerimonial para uma era complexa e cheia de guerras, fascismos e sombras.
Você vai achar isso na música sombria de Hydrogen helium lithium leviathan, nas transmissões cortadas de Father and son, no clima sinistro de Something right now in the future (que vai se desfazendo como numa fita com defeito), no hare-krishna estranho de Naraka e no som de moscas como se sobrevoassem um cadáver em Memory deaths. Ou em Blood in the labyrinth, uma espécie de trip hop totalmente desprovido do caráter sexy do estilo.
Deep time, faixa que a banda havia lançado exclusivamente no YouTube como Tape 05, é um cinema pra ouvir, com teclados que parecem vir de um sonho, ou de um pesadelo, ou de ambos. Uma vibe que surge também na marítima Arena Americanada, um quase eletrorock progressivo, que deixa o / a ouvinte à espera sempre de algo bem estranho, e nos seis minutos de All reason departs, música percussiva e tecnológica, com vozes que lembram o Darth Vader.
Levando em conta a vibe sombria de Inferno, o fim do disco é até bem calmo, com o voo sonoro de You retreat in time and space e o blues cardíaco de I see though Platonia. Inferno foi feito para lembrar que os sons eletrônicos podem ser uma arma tão potente (e de uso tão duvidoso) quanto uma metralhadora.
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RESENHA: Beatriz e A Fita lançam o EP Sombra: folk, country alternativo e blues em EP sombrio e moderno.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Independente
Lançamento: 22 de maio de 2026
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Se você sentia falta de um som feito no Brasil que encarasse as mesmas misturas alt-country de lá de fora – uma onda que passa por Witch Post, Julien Baker e Torres, Katie Gavin, Waxahatchee, etc – a mineira Beatriz Parisi Pinheiro é parte disso. Com sua banda Beatriz e A Fita, ela faz um som folk e moderno, às vezes tangenciando o soft rock, mas que quase sempre fica entre uma visão alternativa do country e do blues.
Sombra, EP novo do grupo, fala de relacionamentos bem sombrios e bem estranhos – e que ganham sonoridade igualmente soturna em vários momentos. A faixa-título tem clima de faroeste nas guitarras, clima folk e moderno, e letra avisando: “vai me procurar no sol / mas eu ando nas sombras”.
Minha vez tem dobro, clima country e galopante, metais, e clima de relação indiferente. Disfarce, a melhor do disco, é uma balada com clima country, com muito de música brasileira nas linhas vocais (Gabi Metzker divide as vozes com Beatriz), mas que vai ganhando mais ruídos e ficando mais sombria.
A segunda metade de Sombra tem a balada contemplativa de Estrela e o country-blues estradeiro de Duelo e Luzes. Sombra é um EP muito bom para um começo, mas Beatriz e A Fita têm a missão de não deixar nenhum produtor comercializar demais o som.
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RESENHA: T. Greguol troca jazz e experimentalismo por rock, MPB e crítica anti-IA em E só, disco curto, humano e quase pop.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Independente
Lançamento: 15 de maio de 2026
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Os dois discos anteriores do músico T. Greguol (Bum, de 2024, e Coisa, de 2025) eram uma mescla de jazz, experimentalismos que uniam música e matemática, e sonoridades bem diferentes dentro de uma mesma música. Já E só é um álbum bem curto (8 músicas, 16 minutos) e comparado aos anteriores, é quase um disco pop.
Com a ideia de fazer um disco de “música anti-IA, feita por gente, para gente”, e de “canções construídas a partir da presença, da imperfeição e da experiência humana”, Greguol focou nas letras e no canto, teve o material musicado por Lourenço Netto, e arregimentou músicos como Mari Crestani (baixo), Leandro TG Mendes (guitarra) e Vivian Benford (voz e percussão), para fazer um som que tem mais cara de rock e de MPB do que de jazz. E cujas letras têm filiação vanguardista, próximas de André Abujamra e Itamar Assumpção.
Agora é a hora, indie rock com peso nas guitarras, é uma música curta com vários segmentos – parece até maior. Metro (100 cm) é hard rock funkeado lembrando as medidas-padrão que interessam (“o metro do pop é os Beatles / o metro do tempo é a hora / o metro da vida é o dia / o metro humano é o que chora”). Reciclagem é rock com clima sombrio e meio latinesco, enquanto Xiplicix parece unir várias camadas sonoras em torno de um universo em que “todo mundo é auto ajuda / tá todo mundo numa seita / eu acho que todo mundo tá com medo / e com medo você topa tudo” (conhece algum mundo assim?).
E só tem ainda um lado mais pop-funk em Tchaptchura, e uma onda reggae +forró tropicalista em Ser ou não ser – música cuja letra ensina que nem todos os coaches do mundo podem ensinar certeza e personalidade (“não dá pra comer pizza / usando uma caneca / não dá pra ser se lhe / o que não se o é”).
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