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Cinema

Metropolis: Giorgio Moroder no cinema

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Durante um bom tempo (e possivelmente até hoje), o assunto Metropolis tirou bastante o humor do produtor musical Giorgio Moroder. Que aliás comemora 81 anos nesta segunda (26). Fanático pelo filme de Fritz Lang desde a infância (a produção original é de 1927), ele decidiu relançá-lo nos anos 1980. Aliás, cá pra nós, não foi apenas um relançamento. Moroder retrabalhou todo o filme, usou várias cópias encontradas cada uma num canto, e fez várias redescobertas a respeito da produção.

Pioneiro da ficção científica e das distopias, Metropolis contava uma história sobre luta de classes, envolvendo os personagens Freder (o garotão rico, filho do comandante da cidade, Jon Fredersen) e Maria (jovem com papel de liderança entre os trabalhadores). Os funcionários das fábricas trabalham no subterrâneo e ficam de fora dos negócios da turma graúda, que são fechados em meio a arranha-céus e paisagens futuristas. Freder decide ir aos subterrâneos conhecer Maria e descobre que há planos conspiratórios lá embaixo. Descobre depois que Fredersen havia criado um robô com a cara de Maria, com a ideia de promover confusão entre os operários.

Metropolis: Giorgio Moroder no cinema

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O resultado é uma espécie de fábula bizarra a respeito de como as relações entre empresários e trabalhadores rolam até hoje. A filmagem durou inacreditáveis 17 meses. O filme teve seu orçamento escandalosamente estourado (no fim, gastou-se US$ 16,5 milhões, em valores atuais). O trabalho ainda envolveu a criação detalhada de inacreditáveis efeitos especiais. Além da composição da trilha sonora, inspirada por Richard Wagner, e feita para orquestra. Já as paisagens do filme foram inspiradas pelos prédios que Fritz conhecera em Manhattan.

Mesmo com tamanha qualidade, o filme acabou desaparecido ao longo dos anos. Isso porque houve vários retalhamentos e edições do filme, alguns por obra de mandatários nazistas. Quando saiu, Metropolis ganhou críticas bem ácidas. Aliás, o próprio Lang – que faria carreira em Hollywood a partir dos anos 1930 – soltaria os cachorros no próprio filme algumas vezes. O diretor disse que se arrependeu do filme pouco após tê-lo dirigido. E chegou a tachá-lo de alienado, dizendo que o plot era coisa de conto de fadas. “Você não pode fazer um filme com consciência social no qual você diz que o mediador entre a mão e o cérebro é o coração”, disse.

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E teve Moroder na jogada. O produtor e compositor, ícone da música eletrônica e grande artífice da disco music, inicialmente faria apenas uma nova trilha sonora. Mas resolveu se indignar com a falta de um corte definitivo e decidiu pôr a mão na massa. Fez contato com um sujeito chamado Enno Patalas (“o czar de Metropolis“, diz Giorgio) e deparou com vários trechos vindos de diferentes fontes. Tinha pedaços vindos do Museu de Arte Contemporânea de Nova York, do museu do cinema de Berlim, etc.

Com a tecnologia disponível (ou não disponível, você decide) na época, restou a Moroder verificar praticamente quadro a quadro tudo que tinha na mão. Descobriu um lugar que poderia fazer a restauração, arranjou uma mesa de edição e, ciente de que muita coisa de Metropolis não estava em bom estado, juntou tudo com os melhores elementos que pôde achar. Também deu uma acelerada no filme e cortou coisas: o Metropolis original tinha 153 minutos e o de Moroder, 84.

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Aliás, detalhe básico: Metropolis não era bagunça. Antes de fazer qualquer coisa, o músico precisava da autorização dos detentores dos direitos. Demorou cerca de dois anos para encontrar o filme. E mais um outro ano para obter a tal permissão. Pagou 200 mil dólares para mexer em tudo. Em seguida, editou, acrescentou novas tonalidades de cor e comandou a bendita trilha sonora. Moroder compôs quase todas as músicas ao lado de um parça das antigas, Pete Bellotte, e convidou Freddie Mercury, Billy Squier, Loverboy, Bonnie Tyler, Pat Benatar, Adam Ant e Jon Anderson para cantar.

Com exceção de Love kills, parceria de Moroder com Freddie Mercury (cantada pelo frontman do Queen), tá tudo no Spotifai.

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Mas você acha o clipe de Love kills no YouTube.

A trabalheira de Moroder não encontrou muito apoio na crítica. Muitos jornalistas viram o filme e reclamaram que o Metropolis lançado em 1984 não era fiel ao original, e coisas do tipo. Moroder se defendia falando que “nem sequer havia um original”. Um texto do site Methods Unsound tenta achar algumas explicações para os narizes torcidos. Uma delas é o contraste entre a trilha sonora altamente tecnológica de 1984 e as imagens produzidas nos anos 1920. Mas seja como for, o prêmio Framboesa de Ouro não perdeu a oportunidade e deu à recriação de Moroder indicações de pior trilha sonora (ai) e pior canção (para Love kills). O diretor perdeu nas duas.

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Moroder, depois do filme, continuou próximo da indústria do cinema – aliás, se você não sabia, ele é um dos autores de Take my breath away, tema de Top gun, Ases indomáveis. Ele acabou incentivando uma turma enorme a remexer no arquivo de Metropolis e a lançar outras edições, buscando sempre mais fidelidade a Lang. Enno Pattalas fuçou nos arquivos do Museu do Cinema de Munique, que dirigia, e fez sua versão em 1987. Posteriormente foram sendo produzidas outras versões. Em 2010 saiu uma versão de 148 minutos, lançada também em DVD e Blu-Ray.

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E já que você chegou até aqui, pega logo aí a edição de Moroder inteirinha antes que tirem do YouTube.

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Humphrey Bogart fazendo filme de terror antes de fazer Casablanca

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Humphrey Bogart fazendo filme de terror antes de fazer Casablanca

Se tava difícil pro Humphrey Bogart, imagina pra gente? Pouco antes de protagonizar o inesquecível Casablanca (1942), um dos maiores nomes da história de Hollywood gramava de filme B em filme B, sofria com problemas familiares e ainda não era tratado com muito respeito pela Warner, que o havia contratado. No fim dos anos 1930, a maior parte de seus trabalhos era em filmes de gângster, nos quais sempre fazia papéis secundários e violentos. A coisa só começou a mudar nos anos 1940, com filmes como O último refúgio e O falcão maltês.

Foi nessa corrida de papel em papel até o estrelato, que Bogart fez o que você talvez jamais imaginasse: um filme de terror, chamado A volta do Doutor X (1939). Nele, o futuro galã interpretava um estranho médico-assistente, Marshall Quesne, que era a reencarnação do falecido médico Dr. Maurice Xavier.

A história envolve o trabalho de um jornalista, Walter Garrett (Wayne Morris), que quer solucionar um mistério envolvendo uma série de assassinatos e amostras de sangue sintético. Ele acaba chegando ao hematologista Francis Flegg (John Litel), e percebe a semelhança entre Quesne, assistente dele, e o tal Dr. Xavier. Flegg admite que usa sangue sintético para conseguir fazer Xavier “baixar” em Quesne. Começa a confusão, porque o assistente precisa do raro Tipo Um de sangue para completar a mistura – o que explica tantos assassinatos.

Um detalhe curioso é que Bogart nem sequer era a primeira opção para o filme. A Warner havia pensado inicialmente em Bela Lugosi, mas esbarrou na agenda dele. Pensaram logo depois no britânico James Stephenson, mas ele também estava ocupado. Bogart teria sido apenas a terceira opção, e teria ido parar lá como punição ao fato de recusar um monte de papeis.

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Segundo o livro Golden horrors: An illustrated critical filmography of terror cinema, 1931-1939, de Bryan Senn, o diretor de Doutor X, Vincent Sherman, já conhecia Bogart de outros carnavais. Uma vez Sherman tinha ido dar uma passada na sala do chefão Jack Warner e ouviu os resmungos dele: “Não sei o que fazer com esse Bogart, ele só consegue fazer filmes de gângster”.

O diretor decidiu experimentar o futuro galã no papel, mas vale dizer que Bogart não ficou nada satisfeito com o cumprimento do seu novo dever. Disse que deveria ter pedido mais dinheiro para Jack Warner, e que seu papel seria mais apropriado para Bela Lugosi ou Boris Karloff.

“Eu fazia o papel desse médico e a única coisa que nutria esse desgraçado era sangue. Se fosse o sangue de Jack Warner, eu não teria pensado duas vezes. Só que eles estavam bebendo meu sangue e eu estava fazendo esse filme fedorento”, reclamou.

O retorno do Dr. X não está inteiro no YouTube. Mas tem umas lembranças espalhadas dele por lá. Segue aí.

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E tem um texto bem legal do site Rebeat Mag detalhando tudo do filme para quem nunca viu.

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“Meu nome é Bagdá”: skate feminino nos cinemas

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"Meu nome é Bagdá": skate feminino nos cinemas

O skate feminino chega ao cinema – aliás numa produção realizada antes das medalhas na Olimpíada. Meu nome é Bagdá, dirigido por Caru Alves de Souza, já estreou quinta-feira no Rio e em SP, e leva para as telas o dia a dia da adolescente Bagdá (Grace Orsato), uma skatista de 17 anos da Freguesia do Ó. Ela pratica o esporte ao mesmo tempo em que contesta o machismo das pistas, já que seu grupo de amigos tem apenas uma menina além dela. O filme foi lançado mundialmente no Festival de Berlim de 2020, onde conquistou o prêmio de melhor filme da mostra Generation 14plus.

No dia a dia, Bagdá (cujo nome verdadeiro, Tatiana, é revelado ao longo da trama numa situação em que a personagem é desrespeitada e humilhada) convive com uma família formada apenas por mulheres. A cantora Karina Buhr interpreta Micheline, mãe das três irmãs, Bagdá, Joseane (Marie Maymone) e a pequena Bia (Helena Luz). “Absorvemos muito do que os atores trouxeram para os personagens”, conta Caru, explicando que o roteiro foi sofrendo modificações a partir da convivência com atores.

“Eu estava fazendo um filme sobre skate e eu mesma não ando de skate, então me coloquei num papel mais de escutar do que de dizer como tudo deveria ser feito”, conta ela, que fez questão de, no filme, colocar mulheres em papeis que seriam predominantemente masculinos no dia a dia.

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Paulette Pink (E), Grace Orsato e Karina Buhr

“A Micheline, por exemplo, não está num papel exatamente masculino, mas ela toma conta de uma família, segura o rojão sozinha. É uma mulher muito livre, que não aceita desaforo”, conta Caru, explicando que chegou até Karina quando procurava alguém com o punch da personagem, que cuida sozinha de três meninas e trabalha num salão de beleza, comandado por Gilda (Paulette Pink). “E ela trouxe muita dignidade para a personagem, questionava algumas coisas. No roteiro original, a Micheline era mais down”.

O SKATISTA

O filme foi inspirado num livro de Tony Brandão, mas algumas coisas eram bem diferentes na história original – tanto que o livro se chama Badgá, o skatista. Ainda nos primeiros argumentos, a ideia era que o personagem fosse um menino. Caru participou de um laboratório de roteiro e se deu conta de que queria escrever o roteiro a partir do ponto de vista da prima da Bagdá, Tati.

“Foi um longo processo onde eu me dei conta da história que eu queria contar. Inevitavelmente fui contaminada por toda a discussão da representatividade das mulheres no cinema, mas acho que isso também foi orgânico, de me perguntar porque é que a skatista não poderia ser uma mulher”, conta ela, que ao lado da produtora Rafaella Costa, foi testemunhando o crescimento do skate feminino no Brasil, e incluiu tudo isso no filme.

“Logo que a Bagdá virou uma skatista, o filme ficou muito centrado no embate dela com os meninos, de como era difícil ocupar este lugar de uma menina skatista num ambiente muito masculino. Mudamos o filme, começamos a buscar quem faria a Bagdá, conhecemos todas as meninas que estão no filme e muitas delas estão num coletivo de skate feminino”, diz ela.

Na pesquisa, Caru e Rafaella chegaram ao coletivo Britney’s Crew, do Rio, e a Grace Orsato, que andava de skate há dois anos quando o filme começou a ser rodado. “Tenho uma história similar à da Bagdá porque quando comecei a andar, fui para a pista e só conheci meninos. Depois comecei a me familiarizar com a problemática do skate feminino, o que as meninas passavam”, conta a atriz de 23 anos, que ajudou na construção do roteiro apontando questões importantes para a comunidade.

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Ela vê a Bagdá como “uma menina forte, que não tem medo de sofrer na rua, porque independentemente do que aconteça, vão ouvir a versão dela em casa”, conta, dizendo que teve aprender a ser um pouco mais igual a ela. “Ela tem 16 anos, eu tenho 23. Ela falava o que queria, gritava aos quatro cantos na rua. Ela tem essa energia para gastar, eu sou mais quieta. Mas ela é forte por causa desse apoio familiar. Ela tem uma família de mulheres, com várias representações de feminilidade, não é uma família padrão”.

Grace diz que, após o skate feminino na Olimpíada, o cenário mudou. “Vejo muita menina andando de skate. E as mulheres não se intimidam mais. Antes um cara chegava e falava: ‘Você é poser’ e elas falavam: ‘Eu nunca mais vou andar de skate na vida’. Hoje elas já respondem: ‘Ah, sai daqui, cara!’”, diz. “Como skatista, eu sempre falo que skate não é só Olimpíada, é um estilo de vida que muda a pessoa em vários níveis”.

TEATRO E FAMÍLIA

O filme tem momentos de pura espontaneidade no relacionamento familiar de Bagdá com a mãe e as irmãs, e com a turma do skate. Há cenas mais teatralizadas e coreografadas que, aponta Caru, servem como um respiro. “Quando a Bagdá não consegue responder à altura, ela transbora na coreografia”, diz a cineasta.

No caso das cenas com amigos, irmãs, mãe, tudo surgiu de muita preparação e de trabalho em cima do roteiro, até para que o improviso ficasse bem feito. “Discutimos cena a cena, para tentar entender o que fazia sentido, o que não fazia”, diz Caru. “A Caru foi muito sensível. A gente às vezes improvisava e se o improvisado ficasse melhor, ela selecionava”, diz Grace.

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Sweatbox: o documentário que a Disney proibiu está no YouTube de novo

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A história do desenho animado da Disney A nova onda do Imperador (2000) é mais enrolada que fio de carretel e já rendeu uma história oral enorme publicada pela Vulture. Primeiro que o filme, originalmente, seria The kingdom of the sun, com direção de Roger Allers (O rei leão), trilha sonora de Sting e vozes de (entre outros nomes) Eartha Kitt e David Spade.

O filme, cuja história seria inspirada em mitos incas, passou por mudanças, brigas, discussões, arquivamento, e foi transformado em A nova onda. Os nomes de Eartha Kitt e Sting, vale lembrar, foram mantidos na trama, mas o espaço da trilha feita pelo ex-Police foi sensivelmente diminuído.

Só que aí houve um outro filme, que deveria ser um making of da produção, dirigido por Trudie Styler, mulher de Sting. O filme de Trudie acabou se chamando The sweatbox e ficou tão realista no que dizia respeito aos problemas do filme, que a Disney acabou descartando seu lançamento. Volta e meia ele aparecia no YouTube (em 2012, vazou por lá, por exemplo) e sempre caía.

Dessa vez colocaram o filme em várias partes, com uma telinha mínima para ninguém perceber que ele está por lá. Veja logo antes que tirem.

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O realismo do making of já começava em seu nome. O título Sweatbox tem origem numa história ligada ao começo da Disney – a de que a sala de exibição da empresa em Burbank, Califórnia, originalmente, não tinha nem ar condicionado, e os animadores eram obrigados a ver o resultado do seu trabalho no calor, levando uns esbregues do próprio Walt Disney quando o chefe via que tinha algo errado. A princípio, nada muito diferente de como o processo do filme foi se desenrolando, com telefonemas bizarros, broncas desclassificantes e um monte de divergências entre chefes e comandados.

No filme, há momentos bastante constrangedores para todo mundo, como a hora em que Sting descobre por telefone que sua participação na trilha será bastante reduzida, ou quando notáveis da Disney Feature Animation declaram ter odiado o filme original e decretam que tudo vai ter que passar por mudanças. Pessoas que estavam no projeto desde o começo reclamam que o aspecto “cultural” do filme (de explorar os elementos incas) foi sendo deixado de lado, e que o todo do projeto foi virando apenas mais um filme da Disney, com um herói, um vilão e uma historinha para entreter as crianças. Os dubladores então, demonstram muito desânimo.

Sting, que detestou as mudanças no filme, mandou uma carta pedindo para sair. Foi convencido a ficar no projeto e ainda colaborou um pouco, mas várias de suas músicas foram descartadas. Os roteiristas tiveram pouco tempo para trabalhar e partiram para um estranho esquema de improviso, em que qualquer gag, por mais louca e despropositada que parecesse, poderia ser aproveitada. No fim das contas, A nova onda do imperador rendeu críticas meio ácidas e certa decepção na bilheteria, se comparado com os filmes da Disney dos anos 1990. Quem detestou as mudanças riu por último.

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Na tal matéria da Vulture, mesmo pessoas bastante responsáveis pela mudança em A nova onda reclamam do fato da Disney ter escondido The sweatbox. De qualquer jeito, o filme chegou a passar no Festival de Cinema de Toronto de 2002 e quem viu, viu. Hoje, pode ser visto no YouTube ainda que numa tela mínima, espelhada e com legendas cagadas em inglês. Tenta lá (e aproveite, pode cair).

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