Crítica
Ouvimos: Soccer Mommy, “Evergreen”
- Evergreen é o sexto álbum da cantora norte-americana Sophie Allison, mais conhecida como Soccer Mommy. O álbum é definido pelo texto de lançamento como “retorno sonoro às raízes dela, mas reformulado em uma escala cinematográfica com a ajuda de violões, cordas exuberantes e flautas. Nada exagerado, tudo real”.
- “Eu tinha um som tão específico na minha cabeça sobre como as músicas me faziam sentir. Elas são muito pessoais, e eu só queria que fosse bem natural, cru, bonito e puro”, contou ao site Stereogum. “Eu estava falando muito sobre Nico e PJ Harvey, e como há tantos sons realmente legais e orgânicos que também podem ser tão estranhos e assustadores. Eu queria encontrar minha própria maneira de fazer esse tipo de coisa”.
Nico, PJ Harvey, Belle & Sebastian, Lou Reed, música bittersweet dos anos 1970, Kurt Cobain, Judee Sill, o John Lennon dos primeiros anos solo e tudo o que puder soar mais melancólico e confessional. Você junta tudo isso e dá para ter uma ideia do que é Evergreen, disco de Soccer Mommy no qual os violões, as cordas, as flautas e o clima tristonho tomam a frente. E trazem Sophie Allison (a mulher por trás do codinome) falando basicamente sobre amor, perdas e superação. Às vezes de maneira fantasmagórica, como em Lost, um folk triste que abre o disco e cuja letra tem jeitão de carta.
Tem peso em Evergreen. Ele surge, por exemplo, em Driver, aberta em clima alternativo dos anos 1990, mas ganhando violões que tornam o cima mais tranquilo, e com vibe estradeira já denunciada pelo título. E cuja letra tem frases lapidares como “minha cabeça está sempre nas nuvens/posso ser a motorista se você escolher/não prometo permanecer na rota”.
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Some sunny day é tudo, menos uma canção ensolarada – Sophie a vê como uma música repleta de sombras, mas que prevê dias melhores para breve. Músicas como Thinking of you e Dreaming of falling unem pegadas musicais dos anos 1970 e 1990, enquanto Salt in wound soa como o esquema loud-quiet-loud dos Pixies traduzido para o idioma do soft rock. Faixas como Abigail e M, são tristeza sem disfarces, duas canções com letras dedicadas a alguém que partiu – no caso desta última, com flauta e cordas intensificando a melancolia no final da canção, e surgindo como numa composição de quadro.
Uma curiosidade é Anchor, canção de design musical bem alternativo, abrindo com voz distorcida e batida funcionando quase como um reloginho – até desembocar numa faixa de tom quase abolerado, bem diferente do resto do álbum. No final, a faixa-título abre com violões lembrando as intros acústicas de canções de heavy metal. Uma sensação que dura pouco, já que surgem a voz de anjo de Sophie e as cordas, e a música vira uma balada acústica que poderia estar na estreia solo de Nico, Chelsea girl (1967). No geral, Evergreen é quase um esconderijo seguro para o/a ouvinte.
Nota: 9
Gravadora: Loma Vista
Lançamento: 25 de outubro de 2024.
RESENHA: Starly Kind mistura lo-fi, screamo, pós-punk e psicodelia em Inferno (xe/xem), EP sombrio sobre angústia queer e demônios internos.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: CorpoRAT Records
Lançamento: 8 de maio de 2026
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Musicista agênero do Oregon, Estados Unidos, que se radicou em São Paulo, Starly Lou Riggs criou a Starly Kind como veículo para uma música lo-fi e fantasmagórica. Um som que volta e meia ganha ares math rock, ou que se aproxima de um art rock em clima de pesadelo. Inferno (xe/xem) é um EP sobre demônios xamânicos, angústia existencial queer, dores acumuladas durante uma vida inteira – e sobre como é chamar o inferno de casa.
Starly kind, a faixa de abertura, é lo-fizaça, com glitches, clima dreamy e vocais torturados e gritados. Held me with soma a isso um clima mais ambient, em que vibrações screamo unem-se ao experimentalismo da música. Superanatural clutches fica entre a psicodelia e a no wave, com direito a uma guitarra próxima do som do Black Sabbath. Uma curiosidade e uma mudança de rumo vêm com Bloodlust rising, algo entre Beach Boys, Residents e Devo – seguida justamente pela onda reggae + dub + fantasmagoria de And the devil watched me dance in.
- Ouvimos: Delmore – Tão logo cada poste se ilumina
Demon dreams, que encerra o disco, é pós-punk mais do que tudo, e é a música mais bonita do EP – aliás lida com uma noção mais tranquila de “beleza” na melodia, ainda que também invista na vibe sombria das outras faixas. Um disco bem instigante, em todos os momentos.
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RESENHA: Duo Violeta mistura violão, escaleta e folk nordestino em Mar pequeno, disco contemplativo, viajante e cheio de imagens sonoras.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: The Citadel House
Lançamento: 22 de maio de 2026
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Se você for com muita sede ao pote no disco do Duo Violeta e chegar meio desavisado, pode acabar adorando o encontro do violão com a sanfona. Depois vai dar risada quando descobrir que André Sant’Anna e Rafael Campanaro, são na real, e respectivamente, o encontro da escaleta – teclado de sopro popularizadíssimo pelo reggae e pelo dub – com o violão. Mais que isso, as gravações tiveram vários testes de estúdio, que envolveram posicionamentos dos músicos, microfones diferentes e muitas experimentações sonoras.
- Ouvimos: Seera – Sarab (EP)
Mar pequeno tá bem longe de ser um disco experimental, mas passa perto. É um disco brasileiríssimo e quase sempre nordestino, que parece seguir o curso de um rio e contar uma história – já que as músicas parecem encadeadas e evocam imagens que soam do mesmo modo. Será marés, Na rede e O boto, no começo, são folk nordestino – sendo que a última insere clima sombrio e efeitos de tremolo na escaleta. Para a ilha é forró + jazz, mas tem algo de indie rock na sonoridade, até algo de Beatles no meio da melodia. Inverno no mar é balada, blues e folk, com final contemplativo e várias partes diferentes.
Esse clima de viagem sonora, que insere segmentos diferentes em canções curtas, chega no ápice na última faixa do álbum, Emergiu. Até lá, André e Rafael proporcionam surpresas como a melodia de À deriva, que chega a lembrar um soul no final. Ou a recriação da folclórica Peixe vivo, cujas linhas melódicas só se tornam claras lá pelas tantas. Ou o clima folk brasileiro de Náufrago. Um disco muito bonito.
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RESENHA: Soma Please mistura synth pop, pós-punk e dream pop em Ballet, um EP que cruza Queen, U2, LCD Soundsystem e até samba indie.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Skud & Smarty
Lançamento: 14 de maio de 2026
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O Soma Please é um duo luso-britânico, formado pelos músicos Nuno Bracourt e Rob Williamson. Não chega a ser um som muito inovador, mas tem detalhes que conquistam de cara, já que Ballet, o EP, soa às vezes como um encontro entre estilos e épocas. Tipo o que rola com I’m a fan, entre o synth pop e uma onda que lembra o Queen, ou Love, um dream pop com peso. Pockets on my sleeves é pós-punk com alma oitentista, e algo de Radiohead e LCD Soundsystem misturado.
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As duas últimas faixas do EP são as mais diferentonas do disco: Alone é um curioso pop meio samba, meio bossa, com cara indie e solar. What’s the score é mais ruidosa, abre com clima sombrio fake, e depois chega a lembrar um blues rock eletrônico. Ballet é um pequeno apanhado do som deles, e uma demonstração de sonoridades que estão no arquivo deles.
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Ouvimos: Starly Kind – “Inferno (xe/xem)”
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