Crítica
Ouvimos: Kathryn Mohr, “Waiting room”
- Waiting room é o novo álbum da musicista californiana Kathryn Mohr. O disco foi concebido durante um mês que ela passou numa vila de pescadores de Stöðvarfjörður, no leste da Islândia. A moradia-estúdio de Kathryn no local foi uma sala de concreto sem janelas, iluminada por uma fileira de lâmpadas multicoloridas – que aparece na capa do álbum.
- “Os jovens são expostos a todos os tipos de mídia, sem razão ou cuidado. É a mesma coisa na vida – você nunca espera o que vai acontecer a seguir ou quão horrível pode ser. Em um segundo você está assistindo a um documentário sobre a natureza, no momento seguinte a reprodução automática mostra alguém tendo o braço arrancado em um elevador. O inesperado do horror, como ele é jogado sobre você, imposto, por outras pessoas, governos, demônios pessoais, algoritmos ou puro acaso, é chocante para mim”, conta ela sobre o disco e sobre uma das faixas, Elevator.
Kathryn Mohr chega com um primeiro álbum que parece sussurrar do além. Waiting room não é só um disco sombrio – é quase um ritual, sem pressa, sem concessões, que envolve o ouvinte num ambiente rarefeito. Letras, músicas e arranjos parecem um véu que, ao ser tirado, revela muito do dia a dia, dos medos terrenos e até das cidades-fantasma pessoais de cada um de nós.
Por acaso (ou não), a faixa-título, que encerra o disco trazendo Kathryn acompanhada por um órgão de tubo, transforma o amor em algo vazio, utilitário, pleno de carências e de misoginia, prestes a ser descartado: “Meu amor é uma cadeira vazia/meu amor é uma sala de espera (…)/meu amor é uma árvore podre/meu amor é um floppy disk”, diz a letra.
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Waiting room, a música, ainda assim, é um raro momento de respiro melódico num disco sobrenatural. Em quase todo o álbum, Kathryn canta e toca violão e guitarra em meio a vários efeitos sonoros – sem nenhuma bateria ou percussão, com exceção do batimento cardíaco de Cornered e de alguns ruídos mais ou menos ritmados em Prove it. Músicas como as gêmeas Diver e Driven foram feitas para assustar e embevecer: os sons desafinam aos poucos, vozes aparecem invertidas e o design sonoro parece evocar presenças invisíveis, como se vultos pudessem ser ouvidos além de vistos.
Petrified é um misto de PJ Harvey, Kurt Cobain e Neil Young, em que Kathryn parece uma folk singer do além, cantando e tocando de pernas cruzadas em cima de uma tumba. Elevator, um grunge fantasmagórico, é para quem tem paixão por sangue, morbidez, automutilação e terror: “Ponho meu braço na porta/o elevador de andar em andar, de andar em andar (…)/e agora meu membro começa a sangrar/eu perco meu braço na manga”. A já citada Cornered, após o tal batimento cardíaco, ganha uma gravação de caixa postal anunciando que “você ligou para um número que foi desconectado ou não está mais em serviço” – e prossegue com três minutos de samples aterrorizantes, numa vibe desassociativa, de transe post-mortem.
A “sala de espera” do disco de Kathryn explora o medo do desconhecido, além das estranhas vibrações (e atrações) ligadas àquilo que Raul Seixas disse que “talvez seja o segredo desta vida”. Mas no fundo, Waiting room não é só sobre morte – é sobre o que nos assombra enquanto ainda estamos aqui.
Nota: 8,5
Gravadora: The Flenser
Lançamento: 24 de janeiro de 2025.
RESENHA: Starly Kind mistura lo-fi, screamo, pós-punk e psicodelia em Inferno (xe/xem), EP sombrio sobre angústia queer e demônios internos.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: CorpoRAT Records
Lançamento: 8 de maio de 2026
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Musicista agênero do Oregon, Estados Unidos, que se radicou em São Paulo, Starly Lou Riggs criou a Starly Kind como veículo para uma música lo-fi e fantasmagórica. Um som que volta e meia ganha ares math rock, ou que se aproxima de um art rock em clima de pesadelo. Inferno (xe/xem) é um EP sobre demônios xamânicos, angústia existencial queer, dores acumuladas durante uma vida inteira – e sobre como é chamar o inferno de casa.
Starly kind, a faixa de abertura, é lo-fizaça, com glitches, clima dreamy e vocais torturados e gritados. Held me with soma a isso um clima mais ambient, em que vibrações screamo unem-se ao experimentalismo da música. Superanatural clutches fica entre a psicodelia e a no wave, com direito a uma guitarra próxima do som do Black Sabbath. Uma curiosidade e uma mudança de rumo vêm com Bloodlust rising, algo entre Beach Boys, Residents e Devo – seguida justamente pela onda reggae + dub + fantasmagoria de And the devil watched me dance in.
- Ouvimos: Delmore – Tão logo cada poste se ilumina
Demon dreams, que encerra o disco, é pós-punk mais do que tudo, e é a música mais bonita do EP – aliás lida com uma noção mais tranquila de “beleza” na melodia, ainda que também invista na vibe sombria das outras faixas. Um disco bem instigante, em todos os momentos.
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RESENHA: Duo Violeta mistura violão, escaleta e folk nordestino em Mar pequeno, disco contemplativo, viajante e cheio de imagens sonoras.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: The Citadel House
Lançamento: 22 de maio de 2026
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Se você for com muita sede ao pote no disco do Duo Violeta e chegar meio desavisado, pode acabar adorando o encontro do violão com a sanfona. Depois vai dar risada quando descobrir que André Sant’Anna e Rafael Campanaro, são na real, e respectivamente, o encontro da escaleta – teclado de sopro popularizadíssimo pelo reggae e pelo dub – com o violão. Mais que isso, as gravações tiveram vários testes de estúdio, que envolveram posicionamentos dos músicos, microfones diferentes e muitas experimentações sonoras.
- Ouvimos: Seera – Sarab (EP)
Mar pequeno tá bem longe de ser um disco experimental, mas passa perto. É um disco brasileiríssimo e quase sempre nordestino, que parece seguir o curso de um rio e contar uma história – já que as músicas parecem encadeadas e evocam imagens que soam do mesmo modo. Será marés, Na rede e O boto, no começo, são folk nordestino – sendo que a última insere clima sombrio e efeitos de tremolo na escaleta. Para a ilha é forró + jazz, mas tem algo de indie rock na sonoridade, até algo de Beatles no meio da melodia. Inverno no mar é balada, blues e folk, com final contemplativo e várias partes diferentes.
Esse clima de viagem sonora, que insere segmentos diferentes em canções curtas, chega no ápice na última faixa do álbum, Emergiu. Até lá, André e Rafael proporcionam surpresas como a melodia de À deriva, que chega a lembrar um soul no final. Ou a recriação da folclórica Peixe vivo, cujas linhas melódicas só se tornam claras lá pelas tantas. Ou o clima folk brasileiro de Náufrago. Um disco muito bonito.
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RESENHA: Soma Please mistura synth pop, pós-punk e dream pop em Ballet, um EP que cruza Queen, U2, LCD Soundsystem e até samba indie.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Skud & Smarty
Lançamento: 14 de maio de 2026
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O Soma Please é um duo luso-britânico, formado pelos músicos Nuno Bracourt e Rob Williamson. Não chega a ser um som muito inovador, mas tem detalhes que conquistam de cara, já que Ballet, o EP, soa às vezes como um encontro entre estilos e épocas. Tipo o que rola com I’m a fan, entre o synth pop e uma onda que lembra o Queen, ou Love, um dream pop com peso. Pockets on my sleeves é pós-punk com alma oitentista, e algo de Radiohead e LCD Soundsystem misturado.
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As duas últimas faixas do EP são as mais diferentonas do disco: Alone é um curioso pop meio samba, meio bossa, com cara indie e solar. What’s the score é mais ruidosa, abre com clima sombrio fake, e depois chega a lembrar um blues rock eletrônico. Ballet é um pequeno apanhado do som deles, e uma demonstração de sonoridades que estão no arquivo deles.
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