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“Abrigo Nuclear”, clássico do Premeditando o Breque, ganhou clipe

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'Abrigo Nuclear', clássico do Premeditando o Breque, ganhou clipe

O mainstream da música pop nacional já foi muito doido. Foi doidão a ponto de um grupo anarquista e fora do normal como o Premeditando o Breque virar aposta de gravadora, em 1985. O grupo estreou naquele ano na EMI com O melhor dos iguais, disco produzido por (acredite) Lulu Santos. E que, mesmo não fazendo sucesso, impôs parâmetros à la Frank Zappa/Flo & Eddie à new wave brazuca.

O maior hit do disco, Lua de mel, era uma balada doo wop sobre um marido que resolvia levar a mulher para uma viagem dos sonhos – só que a tal viagem era rumo à poluidíssima Cubatão. A tragicômica Balão Trágico, uma piada cruel com o grupo infantil A Turma do Balão Mágico, botava uma criança para cantar sobre a vida nas favelas (com versos-denúncia como “na nossa escola não tem professora/nossa merenda é roubada todo dia”).

Tinha também uma sátira do economês dos telejornais (o prog de araque Melô da economia), colagens sonoras com letra de brincadeira (Jacaré também é gente), metal-punk entre Ramones e Motörhead (Carrão de gás). E tinha Abrigo nuclear, zoação com as propagandas de empreendimentos imobiliários – só que o que estava sendo vendido era um local, “com pronta entrega até o ano 2000”, para todo mundo escapar dos ataques nucleares (que apareciam direto nas páginas dos jornais naquela época).

E agora, 35 anos depois do lançamento do disco, está rolando na internet um clipe da música. O autor é o cineasta Christian Caselli, um cara bastante ativo na virada do cinema analógico para o digital (anos 2000). Durante vários anos, trabalhou na Mostra do Filme Livre. Hoje, é colaborador dos projetos da Cavídeo. Se você já viu o curta-metragem O paradoxo da espera do ônibus, sobre as frustrações de um cara que espera em vão pelo transporte público – e que já foi visto no YouTube por mais de um milhão de pessoas -, é dele.

Olha o Abrigo nuclear aí.

Batemos um papo com Christian para saber como o clipe foi feito.

POP FANTASMA: Como você teve a ideia de fazer um clipe para Abrigo nuclear? A ideia surgiu por causa do isolamento ou já vinha de antes?
CHRISTIAN CASELLI: Uma ideia super antiga. Na verdade, sou ultra fã do Premê e o quanto puder divulgá-los eu o farei. E eu adoro este desafio de pegar um áudio já feito e dar uma visibilidade audiovisual. Fiz isto com a Visita à Universidade de Wildstone, faixa do grupo Les Luthiers, uma espécie de Premê argentino. Só que enquanto o Visita simulava um cinejornal, o Abrigo lembrava mais uma propaganda das antigas, ou seja, precisava de um outro tipo de grafismo. Já tinha feito a base com os filmes de época, mas achava que o curta exigia animação de fontes tipo os trailers das décadas de 40, 50, 60… Aí coincidiu nesta pandemia de eu rachar a casa com o bróder Pablo Pablo, que é sinistro no After Effects, e percebi que era o momento ideal de lançá-lo finalmente.

Quanto tempo durou a produção do filme? De onde exatamente você pegou aquelas imagens? Ah, demorou anos, mas com muitos intervalos de tempo. As imagens encontrei primeiramente no site archive.org, mais precisamente numa parte chamada Prelinger Archives. É sensacional, cheio de cinejornais estadunidenses vintage, tudo em domínio público. Mas o problema é que lá estão em DV (720×480 pixels) e eu queria algo pelo menos em HD (1920×1080 pixels). Mas daí encontrei arquivos melhores no YouTube e mandei brasa.

O disco O melhor dos iguais, do Premê, tem músicas falando sobre lua de mel em Cubatão, sobre crianças abandonadas… É um disco, digamos, à frente do seu tempo? Qual sua relação com esse disco? Não, infelizmente já eram problemas da época, que só pioraram. Por exemplo, o longa Pixote (Hector Babenco, 1981) denunciava fortemente a pobreza infantil. Faço questão de ressaltar que durante os governos do PT houve uma diminuição da miséria, mas não o suficiente devido a mais de 500 anos de atraso no país. Agora, depois do golpe e do atual governo, tudo só tende a piorar. Voltando ao Premê, até mesmo o Abrigo nuclear é um pouco datado, pois é fruto da Guerra Fria e de filmes assustadores, como The day after, de 1983. Mas isto não faz do Premê menos maravilhoso.

Pra se ter ideia da genialidade dos caras, a faixa Bem Brasil, também de O melhor dos iguais, começa com a carta de Pero Vaz de Caminha adaptado pra canto gregoriano (!), seguindo depois de um samba enredo (!!) cantado pelo Caetano (!!!) com uma letra extremamente crítica ao Brasil. Se isto não é genial, então não sei o que é. Eu não acho esse o melhor disco deles, mas tenho um carinho especial, pois os conheci tocando Lua de Mel num programa da Manchete (eles vestiram máscaras de gás quando falavam de Cubatão, nunca vou esquecer). Quero dizer; é ótimo! Mas a obra-prima é o primeiro, de 1981. Ah, sei lá, toda a discografia deles é foda.

O Premeditando o Breque já ficou sabendo do filme? Olha, me disseram que o Wandi e o Claus Petersen (membros da banda) viram e gostaram. Mas não existe uma aprovação oficial. Aproveito o ensejo pra declarar publicamente que é um “fan film”, ou seja, totalmente feito com recursos próprios e sem nenhuma intenção de ganhar dinheiro. É um presente meu pros caras. Se eles quiserem, mando o arquivo em alta pra quem possam usar onde bem entenderem. Que bom, né? Afinal de contas, não é todo dia que se ganha um clipe de graça.

Fale um pouco de como o Paradoxo da espera do ônibus foi feito e de como surgiu aquela frase do “quanto mais espero, menos vou esperar”? Nossa, história longa. Bom, sempre me intrigava esse misto de esperança e desespero ao esperar um ônibus, pois ele pode chegar a qualquer momento. Minha vontade inicial era fazer uma letra de música, acredita? Aí eu tive a ideia dos filmes cíclicos (na verdade, a vontade inicial era passar o curta em looping, ou seja, o ônibus nunca chegaria) e dos desenhos desanimados, que caíram como uma luva. Depois conheci o Gabriel Renner, cartunista gaúcho fodaço que topou fazer os desenhos. Na verdade, ele se autodesenhou no filme e, vendo isto, adorei a hipótese de usar o sotaque gauchesco pra forjar uma autenticidade maior. Só que ele estava em PoA, então ficava difícil de gravar áudio na época.

Foi quando eu e o produtor Guilherme Whitaker notamos que o homem do desenho era os cornos do nosso parça Chico Serra, que tem um carioquês carregado. Juntando tudo isto, já tinha o título e quase todo o roteiro pronto, mas faltava me convencer que o axioma da história era um paradoxo, tipo os do filósofo grego Zenon de Eleia. Foi quando, conversando com um ex-amigo todo “doutor em filosofia”, ele soltou a frase síntese da coisa. Sou grato a ele, por mais mala que seja, hahahah, pois era o que faltava escrever pro Chico narrar. E, finalmente, juntando todos estes elementos, foi tudo muito fácil e editei em uns 2 ou 3 dias. Mas tudo virou pelo avesso quando botei no YouTube, quando se transformou em um viral totalmente sem ter planejado. Isto foi em 2007.

O personagem do curta está em algum lugar especifico do Rio? Ele representa algum amigo de vocês? Ou vários? Hahahahah, boa pergunta. Até 2002 eu morei basicamente na Tijuca, mas já era um lapeiro (frequentador da Lapa, no Rio de Janeiro) desde sempre. E pra voltar da Lapa, de madrugada, era sempre o mesmo perrengue: ou pegava o 409, que ia direto e passava menos, ou o 410, que dava uma volta imensa pelo Catumbi e passava mais. Esta é a origem de tudo. Mas o barato é perceber o quanto as pessoas se identificaram com o drama do cara em diversos lugares do Brasil e até do mundo.

Caselli e um amigo

O que aconteceu com o Paradoxo assim que foi lançado? Foi feito especificamente para alguma mostra? Botamos no YouTube e, depois de umas duas semanas mais ou menos, para nossa total surpresa, começou a bombar feito louco. Ele fez parte de uma primeira ou segunda geração de virais, embora eu perdesse feio pro Tapa na pantera, da mesma época. Daí, com a fama, foi pra alguns festivais e ganhei até uns prêmios.

O que você anda fazendo no isolamento? Algum outro projeto em vista? Prefiro não falar, porque, caso o projeto falhe, ficarei com cara de tacho (risos). Mas quero dizer que estou bastante produtivo nesta pandemia. Depois de um período de pasmaceira, finalmente a coisa engrenou. Falando ainda no Premê, eu adoraria fazer mais vídeos pra eles. Meu sonho era fazer uma animação para Sabrina, uma das músicas mais radicais dos caras. Só que vai dar um trabalho imenso, então uma ajudinha seria necessária…

Já deu para ter uma ideia de quanto tempo o cinema vai precisar para se recuperar de dois males (a pandemia e o governo Bolsonaro)? Antes de xingar este governo pavoroso, na verdade, a gente não sabe como as coisas vão ficar, não? A “ficha” do coronavírus caiu pra mim quando a Globo parou de filmar novela, pois nunca vi nada parecido em 47 anos de vida. Ou seja, o audiovisual é uma arte coletiva em que a equipe precisa estar junta no set; isto sem falar do assistir-cinema, já que as salas estão fechadas. Agora, quando se tem o pior governo possível em um cenário destes, tudo se agrava. O governo Bolsonaro nunca deu incentivo à cultura por razões óbvias, já que a cultura faz questionar e não virar mais um gado que o apoia. Sempre foi e será uma prática de governos totalitários tachar artistas como inimigos.

Pra não ficar tanto no pessimismo, creio que a classe artística tem se unido para enfrentar os problemas e o audiovisual tem se reinventado nas lives e redes sociais, criando novas estéticas. O próprio Abrigo nuclear mostra o quanto aproveitar imagens já existentes e ressignificá-las (o que já se fazia antes) é uma opção sensacional pra estes tempos. O Paradoxo também é um bom modelo, já que o Renner pode mandar os desenhos de São Leopoldo (RS) e o Chico, ou quem for o narrado, gravar o áudio da própria casa. Mas, sobre o cinemão mesmo, só vendo as cenas dos próximos capítulos…

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Biopics de música que deram (muito) problema: descubra agora!

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Biopics de música que deram (muito) problema: descubra agora!

É melhor assistir à cinebiografia de um artista morto do que assistir a um show com holograma do falecido – ou uma apresentação-tributo ao pranteado. Ok, é apenas uma constatação óbvia, mas serve para justificar a atenção que o mercado de cultura dá às biopics. Especialmente quando o personagem principal é alguém que já não está mais aqui e não tem como engordar seu orçamento e o de seus familiares fazendo mais shows.

Para justificar mais e melhor ainda, só vendo o dinheiro que as cinebios movimentam. Bob Marley: One love, que conta a história do rei do reggae, já está no cinemas desde 14 de fevereiro, e já arrecadou 123 milhões de dólares – quase o dobro dos 70 milhões investidos. Aliás, foram coletados 80 milhões de dólares pouco após a primeira semana, o que faz do filme a segunda estreia de cinebiografia musical mais bem sucedida da história do cinema, abaixo apenas de Bohemian Rhapsody, sobre o Queen (fonte: O Farol).

Enquanto você espera pelas próximas cinebios (uma lista que inclui filmes sobre os quatro beatles, sobre Amy Winehouse e até um filme ainda sem data e elenco sobre Rita Lee), confira aí o outro lado dos biopics em sete exemplos: filmes que geraram críticas negativas, que arrumaram problemas com parentes e amigos dos artistas enfocados, e coisas do tipo.

STARDUST (dirigida por Gabriel Range, 2020). Praticamente ninguém gostou de verdade dessa confusa biopic de David Bowie (epa, numa das raras resenhas de filmes que publicamos, vimos um monte de qualidades nela). O filme acompanha a ida de Bowie aos Estados Unidos em 1971, avisado pela filial norte-americana do selo Mercury de que havia interesse lá por seu disco The man who sold the world. E também narra o nascimento do personagem Ziggy Stardust.

Stardust dá uma dramatizada básica na situação. Ao contrário do que aparece lá, a ida de Bowie aos EUA até que teve lá seus frutos e ele não estava tão desenturmado assim quando resolveu viajar – e olha que. em alguns momentos, o filme rola quase na linha do “um cantor inglês atrapalhado vai pros EUA tentar a sorte e arruma altas confusões”. Mas não custa dizer que a atuação de Johnny Flynn, que interpreta Bowie, foi bastante criticada, e que o filme não traz nenhuma música do cantor (já que o espólio de Bowie não deu autorização), o que foi mais criticado ainda.

THE DOORS: O FILME (dirigido por Oliver Stone, 1991). A biopic de Jim Morrison, com participação de seu grupo, deixou marcas no mercado da música: a discografia da banda voltou a vender como nunca, muitas pessoas que nem sequer eram nascidas quando Jim morreu descobriram seu trabalho. No Brasil a biografia de Jim, Ninguém sai vivo daqui, de Daniel Sugerman e Jerry Hopkins, virou figurinha fácil em livrarias – ainda que tivesse que ser importada de Portugal, na edição da Assírio & Alvim.

Em termos de arrecadação (34,4 milhões de dólares), The Doors: o filme não foi nenhuma maravilha, ultrapassando não lá muito os gastos (32 milhões). Val Kilmer, interpretando Morrison, foi elogiado. Mas a recepção em geral foi bem mediana. Fãs e pesquisadores reclamaram das imprecisões históricas (detalhes pequenos e importantes, como a roupa que Jim vestia ao apresentar Light my fire no Ed Sullivan Show). Ray Manzarek, tecladista dos Doors, disse que “o cara sensível que eu conheci não estava no filme”, chamou o Jim de Oliver Stone de “psicopata à solta”, e reclamou que o filme apresentava os outros Doors como camaradas que o cantor relegava à aba de seu chapéu. E mesmo integrantes do grupo que toparam dar consultoria afirmavam que Oliver Stone tirou tudo de sua própria cabeça e ignorou as colaborações deles. Discussões sobre a qualidade de The Doors: o filme costumam varar a noite até hoje, enfim.

THE RUNAWAYS (dirigido por Floria Sigismondi, 2010). A visão original de Floria sobre a cinebiografia das Runaways é que não deveria ser uma biopic comum, mas um filme no estilo coming of age, mostrando a idade adulta chegando, as pessoas tomando atitudes, lidando com o crescimento da maneira que podem. Foi elogiado pela crítica, mas teve lá sua dose de problemas. Mesmo tendo sido baseado no livro de memórias da vocalista Cherie Currie, a cantora disse que que o filme “é a versão deles da história”. E ainda que tivesse atuado como produtora executiva do filme, a guitarrista Joan Jett não gostou de ver que The Runaways acabou mais centrado na vocalista. “É uma narrativa paralela das Runaways”, disse à Interview Magazine.

PISTOL (dirigida por Danny Boyle, 2022). Você duvidava de que um produto biográfico feito sobre os Sex Pistols provocaria o ódio do vocalista Johnny Rotten? Pistol, série de seis episódios produzida para o canal FX, foi chamada pelo ex-cantor da banda (mais conhecido hoje como John Lydon) de “a merda mais desrespeitosa que tive que suportar”. Por acaso, o texto da série foi baseado em Lonely boy, biografia do guitarrista Steve Jones, o que aumentou a irritação.

“Eles chegaram ao ponto de contratar um ator (Anson Boon) para me interpretar, mas no que esse ator está trabalhando? Certamente não é meu personagem. Não pode ir para outro lugar a não ser o tribunal”, contou na época. Danny Boyle disse que tentou contactar Lydon mas o roqueiro não quis falar com ele. O site Complete Music Update teceu bons argumentos em defesa do filme dizendo que “Boon pode obter material ou insights dos mais de 40 anos de carreira pública de Lydon, com vários documentários e três autobiografias. Não é como se Lydon tivesse mantido segredo”. E toda a banda, incluindo o ex-baixista Glen Matlock, brigou para que a música dos Pistols aparecesse no filme – e conseguiu.

CAZUZA – O TEMPO NÃO PARA (dirigida por Sandra Werneck e Walter Carvalho, 2004). A cinebiografia de Cazuza foi lançada com destaque e fez sucesso. Mas teve lá sua (boa) dose de controvérsia. Ney Matogrosso, que teve um relacionamento com o cantor, não gostou nem um pouco de não ter aparecido no filme (segundo Ney, “depois me disseram que eu era um personagem tão grande que não cabia no filme”). Lobão afirmou que a abertura deveria ter sido a cena que ele narrou em algumas entrevistas, com Cazuza e ele cheirando uma carreira de cocaína sobre o caixão de Julio Barroso (Gang 90).

Já Roberto Frejat reclamou, durante uma entrevista ao jornal O Dia em 2010, que jamais disse a Cazuza que o Barão Vermelho não tocava samba, como aparece numa cena. “Colocaram isso na minha boca, justo eu que sempre dividi o gosto pelo samba com o Cazuza”, contou, deixando claro que era “a única coisa que me incomodava no filme”.

NINA (dirigida por Cynthia Mort, 2016). O ataque a essa biopic da cantora e ativista Nina Simone foi tão imenso e tão traumático que a própria atriz que interpretou Nina, Zoe Saldana (a Gamora do Guardiões da Galáxia) chegou a afirmar que “nunca deveria tê-la interpretado” e que “ela merecia coisa melhor”. O espólio de Nina levou em consideração que a atriz, de ascendência afro-latina, tem pele mais clara e traços bem diferentes dos da cantora. A família não gostou do roteiro e classificou várias passagens como mentirosas – houve consternação especial com a exibição de um relacionamento amoroso entre ela e seu agente, Clifton Henderson (“isso nunca aconteceu”, disse afilha de Nina, Lisa Simone Kelly).

Para tornar tudo mais tenso, chegou a ser publicado um tweet na conta oficial de Nina pedindo à atriz que tirasse “o nome de Nina da boca pelo resto da vida”. Lisa defendeu Zoe (“está claro que ela deu o seu melhor para este projeto”), mas apontou o dedo para a diretora, Cynthia Mort, que seria responsável pelas “mentiras” do filme. Já Cynthia entrou na justiça alegando que sua ideia original foi sequestrada pelos produtores e que ela mesma não decidiu nada.

JOHNNY & JUNE (James Mangold, 2005). Dificilmente filhos de biografados curtem ver como ficaram as histórias de seus pais na tela. Fácil de entender: situações altamente traumáticas (como violências físicas, ausências, porrancas, prisões, traições e demais dissabores familiares) são geralmente colocadas numa fórmula de roteiro hollywoodiano. Muitas vezes, uma “fábula do herói” que quase nunca permite emoções mistas e visões particulares.

O filme que retrata o relacionamento dos cantores country Johnny Cash e June Carter foi elogiado e rendeu uma baita grana. Mas causou tristeza nas filhas de Johnny com sua primeira esposa, Vivian Distin. Walk the line (nome original do filme) mostra June Carter como a grande salvadora da vida do errático Johnny, e exibe Vivian, interpretada por Ginnifer Goodwin, como uma dona de casa histérica que só tirava Cash do sério.

Em 2020, as quatro filhas do casal Johnny e Vivian colaboraram com o documentário My darling Vivian, que escarafunchava o baú da família e mostrava, com farta documentação, que a primeira esposa não apenas era grande incentivadora da carreira do ex-marido, como também havia comido o pão que o diabo amassou com ele. Descendente de italianos, irlandeses e africanos, Vivian foi perseguida por supremacistas brancos quando estava casada com Cash. No dia a dia, desempenhava o papel da esposa que, enquanto o marido dava shows, cuidava dos filhos e da casa (uma propriedade isolada no topo de uma colina, onde volta e meia apareciam cascavéis, das quais ela mesma precisava se livrar). Um caso de filme polêmico que acabou gerando outro filme, enfim.

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Gaiola da Morte: o primeiro (e único) filme de kickboxers made in Brazil

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Gaiola da Morte: o primeiro (e único) filme de kickboxers made in Brazil

Se você era adolescente no final dos anos 1980, quando as videolocadoras se alastraram pelo Brasil afora e se tornaram uma verdadeira febre, você há de lembrar de pelo menos um filme com a palavra “kickboxer” no título: Graças ao sucesso no Brasil de Kickboxer – O desafio do dragão, um dos trabalhos mais famosos do Jean Claude Van Damme por aqui, as distribuidoras enxergaram ali uma galinha dos ovos de ouro e saíram colocando “kickboxer” em tudo quanto fosse possível, espremendo a laranja até o bagaço (com o perdão da metáfora hortifrutigranjeira)

E mesmo películas que não tinham nada a ver com o assunto ganharam títulos escalafobéticos como por exemplo American Ninja 4 (série que fazia razoável sucesso por aqui), que foi lançado nos cinemas e em VHS como O grande kickboxer americano – A aniquilação dos ninjas (!!!) ou a divertida série Operação Condor estrelada pelo Jackie Chan, que era uma espécie de versão bem humorada do Indiana Jones e que aqui se tornou Um kickboxer muito louco. Mas o que pouquíssima gente lembra é que até o Brasil tentou entrar nessa onda, com o obscuro A gaiola da morte (1992).

Quem teve a ideia foi Fauzi Mansur, produtor e diretor de diversas pornochanchadas sem noção na mítica Boca do Lixo, mas que, com a decadência de lá, se viu obrigado a atirar pra todos os lados na tentativa de ganhar uma sobrevida. Primeiro partiu pros filmes de sexo explícito, o que não deu muito certo porque, com o advento do VHS, o pessoal passou a preferir ver sacanagem na privacidade do seu lar. Percebendo que havia errado no timing, dirigiu um filme de terror em inglês para o mercado exterior chamado Ritual of death que também não deu em nada. Já bastante preocupado tanto com a saúde financeira quanto com a falta de perspectivas para o cinema nacional (Collor assumiu e extinguiu a Embrafilme), tentou sua última cartada aproveitando o filão do momento, produzindo um filme de pancadaria.

Para o papel principal, foi chamado Paulo Zorello, que na época era tricampeão mundial de kickboxing pela WAKO (World Association of Kickboxing Organization). OK, ele não tinha nem metade da fama e do reconhecimento que um Anderson Silva ou Vitor Belfort têm hoje em dia, mas era respeitado no meio e volta e meia era capa e/ou dava entrevistas em publicações voltadas às artes marciais. Esse foi seu único trabalho como ator e, assistindo A gaiola da morte é fácil entender o porquê, já que ele era tão expressivo quanto um poste, mas isso não vem ao caso; afinal, era um filme de artes marciais e nisso ele se garantia muito bem.

No elenco temos ainda várias pessoas que quase ninguém se lembra e. como maior “estrela”, Ênio Andrade, que se notabilizou por participar de obras como O olho mágico do amor e Onda nova (filme esse que viralizou no Youtube graças a uma cena onde uma mulher chega para o ex-jogador Casagrande e solta a pérola “eu sou virgem e queria que você me descabaçasse”). Na direção, foi escalado Waldir Kopesky, e isso pra mim beira o incompreensível, haja vista que tudo que ele dirigiu antes foram filmes pornôs de títulos como A noite do troca-troca e Minha égua favorita. Algo assim tinha tudo para não dar certo… e foi o que aconteceu.

O roteiro praticamente inexiste: um certo professor Yago sequestra lutadores de artes marciais dos quatro cantos do Brasil para gravar lutas numa gaiola (daí o nome, dããã!) repletas de armadilhas onde, como diria o Master Blaster em Mad Max 3, “dois homens entram e um homem sai”. Depois ele lucrava vendendo cópias das fitas no mercado negro. Desesperada com o sumiço de seu irmão, que foi raptado pelo tal Yago, uma mulher (interpretada pela atriz Claudia Abujamra) vai na academia do Paulo Zorello e pede ajuda a ele (não, você não leu errado; Paulo interpreta a si mesmo!) para descobrir o que houve.

Aposto que você que está lendo essas mal redigidas linhas e consumia filmes de artes marciais nos anos 1990 deve ter achado essa sinopse familiar, não é mesmo? Acredite, há uma razão para isso: Ela é um plágio descarado de O rei dos kickboxers, filme de 1990 que fez um enorme sucesso nos cinemas brasileiros. A única diferença é que na versão americana era um policial quem ajudava a irmã da vítima; já aqui, tudo parece ser um veículo para tentar transformar Paulo Zorello numa espécie de Van Damme tupiniquim.

Nesse momento você amigo(a) leitor(a) deve estar se indagando “tá, mas e a pancadaria? Funciona?” e eu, com muito boa vontade, vou dizer que sim, embora A gaiola da morte tenha defeitos tão gritantes que às vezes tenhamos que fechar um olho pra conseguir relevar. Os cenários são paupérrimos (parecem saídos do Chapolim ou do Chaves) e os efeitos sonoros, exageradíssimos (Os socos soam como tiros e os chutes parecem chicotadas) Porém, quando o assunto é a porrada propriamente dita, a coisa não deixa nada a dever para seus co-irmãos da época. Zorello, embora seja um desastre atuando, sabia muito bem o que estava fazendo na hora de distribuir sopapos e, quando o bicho pega, ele não faz feio.

A coreografia das sequencias parece um pouco desengonçada, mas se pararmos para pensar que ninguém envolvido na produção tinha experiência anterior com filmes do gênero, até que não está tão mal. E os últimos 30 minutos são simplesmente inacreditáveis, um verdadeiro festival de sopapo para tudo quanto é lado com direito até a um capoeirista que consegue desviar de tiros (!!!!) É insano demais, e, por isso mesmo, hilário!! É ver para crer!!

A lamentar, somente o fato de essa obra ter sido esquecida da maneira que foi. Além de ter passado em poucos cinemas, ainda foi lançado em VHS por uma empresa bastante obscura chamada Key Art e, se mesmo nos anos 1990, era difícil pra caramba encontrá-lo nas videolocadoras, imagina só achar um exemplar dando sopa por aí hoje em dia…para piorar, também nunca saiu em DVD, entretanto uma alma caridosa resolveu colocá-lo na íntegra no Youtube. A cópia não está das melhores, mas quem se importa? Vale mesmo assim como registro de uma época em que o cinema nacional não tinha lá muitos recursos e mesmo assim não tinha medo de ousar!

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Jane Birkin, atriz britânica

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Jane Birkin, atriz britânica

Vai que alguém esqueceu, mas a já saudosa Jane Birkin, apesar de ter sido popularizada por causa de sua relação com a música e a cultura da França, era uma atriz inglesa. Veio de Londres, era uma figura ligada à swinging London sessentista, e nem sabia falar francês quando apareceu em Slogan, comédia romântica de 1969 na qual contracenou com Serge Gainsbourg, que passou a namorar. Teve duas horas pra aprender o básico do idioma e, quando estava esperando para fazer o teste, bateu aquela crise. “Ouvi outra atriz dizendo todas as linhas do roteiro lindamente, e pensei: ‘Ela é perfeita’. A atriz era Marisa Berenson. Mas (o diretor) Pierre Gimblat me quis para o papel”, contou.

Seu irmão Andrew Birkin era outra figurinha proeminente da mesma turma londrina, como diretor e roteirista de cinema. Em 2014 Andrew lançou o livro de memórias fotográficas POV: A life in pictures, relembrando como foi conviver com uma gama de famosos que incluía dos Beatles (foi assistente de direção do famigerado telefilme Magical mystery tour) a Walt Disney (Andrew migrou para Hollywood em 1964 e teve contato com o pai do Mickey Mouse).

No livro e em entrevistas, Andrew documentou, entre outras coisas, o começo do relacionamento entre a irmã Jane e o autor de trilhas de filmes John Barry, “contra o conselho combinado de familiares e amigos em comum que consideravam John um compositor brilhante – e um péssimo marido”, afirmou Andrew. Anos depois, Jane disse que topou fazer uma cena de nu frontal no filme Blow up – Depois daquele beijo, de Michelangelo Antonioni, justamente por causa de Barry, que havia falado pra ela que ela não teria coragem de fazer isso. “Me ofereceram um papel em Blow Up e ele disse que eu não teria coragem de ficar nua, então pensei: ‘Bem, eu vou fazer e isso vai deixá-lo animado”, contou ao Daily Mail.

E, bom Blow up foi um dos filmes que Jane fez naquilo que, forçando um pouco… Aliás forçando muito, mas a gente faz isso às vezes, dá pra chamar de fase psicodélica da carreira cinematográfica dela. Eram filmes que se aproximavam bem mais de uma linguagem revolucionária, artística e pop – que gerou filhotes como Chelsea girls, de Andy Warhol, e Performance, de Donald Cammel e Nicholas Roeg, com Mick Jagger. Uma fase que estava bem longe de ser a mais gloriosa da carreira dela, já que Jane seguia aquele mesmo esquema de atores iniciantes: poucas cenas, personagens que pouco apareciam e nome que nem aparecia no elenco.

Começou com a comédia Lições de sedução (1965), dirigida por Richard Lester, que fez os filmes dos Beatles. Era a história de Colin (Michael Crawford), um professor meio esquisitão que quer aprender a conquistar garotas. Barry fez a trilha sonora, mas a personagem de Jane aparecia pouco e nem sequer tinha um nome. Seguiu com The idol, filme de 1966, dirigido pelo canadense Daniel Petrie, que narra uma história bem dramática envolvendo estudantes de arte e a vida burguesa e boêmia de Londres nos anos 1960. Esse filme tá inteirinho no YouTube. Procura Jane aí.

Kaleidoscope, filme de 1966 dirigido por Jack Smight, tinha Warren Beatty e Susannah York nos papeis principais e contava uma história mais proxima do universo dos anti-heróis da nova Hollywood do que do dia a dia da psicodelia britânica, envolvendo mesas adulteradas de cassinos e traficantes de drogas. Jane Birkin, ainda em clima de total início de carreira, aparece bem pouco no filme, lá pela uma hora de duração, como uma moça chamada Exquisite Thing, que é cliente de uma butique jovem sessentista, que pertence à personagem de Susanna York. Uma outra novidade é que ela aparece contracenando com Pattie Boyd, modelo, atriz e então esposa do beatle George Harrison, numa cena rápida – Pattie é uma das vendedoras e o personagem dela nem tem um nome.

1966 foi também o ano de Blow up, de Michelangelo Antonioni, um filme tão redefinidor e tão ligado ao rock e a à cultura pop da época que merecia um texto só pra ele. Não foi um momento tão glorioso assim do comecinho de Jane, que apareceu numa cena de nu frontal e mais nada – mas tornou o nome dela bastante discutido por causa da, digamos assim, ousadia. Agora, o melhor viria depois com Wonderwall, filme de1968, dirigido pelo norte-americano Joe Massot, baseado na paixão e no voyeurismo do nerd cientista Oscar Collins (Jack McGowran), vizinho da modelo Penny Lane (Jane Birkin, aí sim com um papel bacana). A trilha sonora do filme também se tornou ilustre: foi o primeiro disco solo de George Harrison (Wonderwall music) e foi igualmente o primeiro álbum lançado pela Apple, gravadora dos Beatles.

E Wonderwall também está inteirinho no YouTube. Pega aí. Depois disso, Jane teria papéis melhores, participaria de produções divididas entre dois, três países (o ousado La piscine, de 1969, era franco-italiano, e trazia a atriz contracenando com Alain Delon e Romy Schneider). E faria sucesso como cantora. Saudades dela.

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