RESENHA: Em Dissociate, a curitibana Look Into The Abyss cruza emo, pós-hardcore, screamo, gótico e metal em músicas sobre depressão, abusos, ansiedade, autodestruição e mudança.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 8
Gravadora: Independente
Lançamento: 3 de abril de 2026

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“Nosso disco é um solene lembrete de entendimento, estagnação, persistência e mudança de hábitos”, avisa a banda curitibana Look Into The Abyss. Dissociate, novo álbum do grupo, é também um tratado forte sobre pressão, depressão, abusos e o que fazemos conosco depois de passar por tudo isso. No caso, dissociar também é criar novas maneiras de enfrentar tudo isso – mais ou menos como o Nirvana buscou falar em In utero (1993), ou como o Hole fez em Live through this (1994).

Dissociate tem climas que oscilam entre emo, pós-hardcore e gótico, chegando perto do screamo em Cycles, uma música sobre raiva reprimida, e na onda quase death metal de Abyss (“quanta verdade você consegue suportar? / sacuda sua gaiola / nos tornamos a soma de tudo que tocamos”), ou na valsa emo + nu metal de Eyes on me, ansiedade social em verso e porrada.

As melodias acompanham a amargura de faixas como Stagnant by the time (único verso: “estagnado quando tive que aprender a andar novamente”), Breath it out (que recomenda: “fique longe do abismo / você não sabe o que existe lá / você não sabe / ninguém sabe”). Why, um emo sombrio e violento, e Distant voices, com algo de System Of A Down na composição (embora passe um bom tempo só com voz e baixo), ensinam que a autodestruição é um vício e um perigo.

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RESENHA: Em Apples for Isaac, o Echo & The Bunnymen recupera o pós-punk luminoso de sua fase oitentista, entre psicodelia, jangle pop e ecos de Doors, Bowie, Velvet Underground e Beatles.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 9
Gravadora: BMG
Lançamento: 18 de setembro de 2026

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O Echo And The Bunnymen tem lançado discos bem legais após 1997, quando retornaram com Evergreen – tem um ou outro momento mais caído, mas na comparação com a volta dos Pixies, por exemplo, o saldo é melhor. Apples for Isaac, 13º álbum, sai na frente sendo o disco recente que mais lembra a beleza do Echo oitentista.

Agora calma: boa parte do disco tem bastante a ver com Echo & The Bunnymen, o disco epônimo de 1987 que encerrou a primeira fase da banda. Ou seja: se você é um detrator de faixas belas como The game e Lips like sugar, talvez se sinta meio deslocado aqui.

Esse clima mais “limpo” dá as caras na abertura, com Take me by the hand, pós-punk sinuoso e meio sessentista, com ritmo ligeiramente adaptado de Soul kitchen, dos Doors. E permanece na vibe Talking Heads + David Bowie de Can’t be sold, no clima luminoso de Asimov, na fantasmagoria camarada de Brussels is haunted e até na felicidade brit-pop de I’ll be your sunshine – já mais próxima da sonoridade luminosa de Evergreen e What are you going to do with your life? (1999).

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Ian canta “como antigamente” – seu vocal só se tornou mais grave e rouco. E o Echo aproveita para, a bordo dos riffs simples e completos de Will Sergeant, revisitar eras do rock que surgiram de seu som. Como no tom quase Madchester de Hijacked, no jangle pop de The honey (com andamento delicadamente inspirado em Lips like sugar e vibe lembrando a mágica do disco Porcupine, 1983) e nas recordações de bandas como The Verve em The light that surrounds you, música com cordas mágicas, soando como se viessem de um passado distante. Os metais de Lab rats ran, por sua vez, acrescentam outros ares ao lado mais acessível do grupo.

An unstoppable force, uma balada herdada diretamente do Velvet Underground, meio que explica o título do disco. Apples for Isaac é uma referência a Isaac Newton e à Lei da Gravidade – e Ian tenta dar voz ao “tudo que sobe, desce” do seu jeito, explicando que até os deuses têm que encarar mudanças e finais de ciclos. O final une Echo, Beatles e Oasis numa cajadada só: We prayer in the dark tem nome soturno, clima de hino sixties e beleza arrepiante. Ouça hoje mesmo.

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RESENHA: Em Medusa, Kiko Dinucci cruza samba, noise rock, no wave, bolero e experimentação em um disco de atmosfera cinematográfica, entre fantasmas urbanos, estranhamento e destruição.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 10
Gravadora: RISCO
Lançamento: 9 de setembro de 2026

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Existe uma possibilidade bem grande de você ouvir Medusa, disco novo de Kiko Dinucci, e sentir que sua cabeça abriu de repente – é o que rola quando a gente toma contato com alguma obra que mexe totalmente com os sentidos e tira o cérebro e as emoções do estado normal, a ponto de você não saber mais onde começa a razão ou a emoção. A montanha sagrada, filme de Alejandro Jodorovski (1973), tem essa onda: é pra entender, é pra sentir, é pra fazer as duas coisas ou…? Eita, acho que é pra fazer tudo ao mesmo tempo. Socorro!

Se você passou vários dias da sua vida ouvindo Velvet Underground, My Bloody Valentine, Sonic Youth, Nico, Lou Reed, John Cale e Neil Young, vai sacar qual é a de Medusa rapidinho. Se o teu lance é samba, Jards Macalé, Paulinho da Viola, Roberto Carlos, mas existe um lado indie-roqueiro-experimental em você, a mesma coisa. O fato é que, no geral, a mistura de Kiko ainda aponta para outros lados: Medusa é um disco-cinema, em que faixas como Cão perdido lembram um faroeste desértico vivido em plena selva urbana, num clima impressionante-impressionista de arrepiar.

Água viva, por sua vez, é como se ele tivesse feito uma música para Marina Lima, mas tivesse rearranjado a canção como matéria-prima de sustos. Uma espécie de anti-pop que é seguido também pela estética fantasmagórica do samba Casca do olho, pelo bolerinho lynchiano Loira Palmer (com Crystal, do Vera Fischer Era Clubber) e o samba-no-wave Frota, Claudia e eu, que é um abrasileiramento de Madonna, Sean and Me, do Sonic Youth (e é também um samba batido na guitarra, com algo de brega nas células rítmicas).

Aliás, Kiko já pode se jactar de ter criado uma espécie de desert samba: é Segundo eterno, com participação de Juçara Marçal. Uma música tão fantasmagórica e imaginária que precisa do ouvinte para completar as lacunas – como também acontece com a estranhamente infantil Cascuda, algo entre samba, Ramones e até Eurythmics, com Maria Beraldo.

Como foi?, lançada como single, como clipe e como documentário paulistano, já era uma música em super-8 antes de ir parar no YouTube – com direito à referência a Outra vez, de Isolda, imortalizada por Roberto Carlos, e ao encerramento com uma bela tempestade sonora. Já o final, com Fantasmagoria IV (tema da peça de mesmo nome, de Felipe Hirsch), traz Kiko cantando que “eu preciso destruir pra nascer / já não sei pra onde ir / nem você sabe o que faz”.

Fantasmagoria IV soa como hino à beleza do dia a dia que é destruída por mais um prédio, mais uma farmácia (em Niterói), e a toda a história que fica suspensa naquele espaço novo – principalmente, é um raro momento em que Mutantes, Yoko Ono, Tom Zé e Paulinho da Viola parecem ocupar o mesmo espaço na história da música. Todo mundo unido por Kiko e sua Medusa.

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