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Crítica

Ouvimos: Eels, “Eels time!”

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Ouvimos: Eels, "Eels time!"
  • Eels time! é o décimo-quinto disco da banda indie norte-americana Eels, projeto capitaneado pelo músico e compositor Mark Oliver Everett. O disco traz as primeiras sessões presenciais da banda após a pandemia de Covid-19.
  • Em um dos singles do disco, Goldy, Mark (ou E, como é conhecido) faz um estranho exercício de imaginação em que pensa em seu cachorro de estimação como se fosse um peixinho dourado (!), nos versos “às vezes, as respostas para todos os seus problemas estão bem ali, no aquário sobre sua mesa”.
  • Boa parte do material do disco foi composto em colaboração com o ator americano e vocalista do All American Rejects, Tyson Ritter. Ele também ajudou na produção do álbum, ao lado de Mark e Sean Coleman.
  • A parceria surgiu depois que Mark foi convidado a trabalhar com ele em uma música para o filme Filha do prisioneiro, de Catherine Hardwicke. Quando os dois conversaram, descobriram que eram vizinhos e que já haviam estado no elenco da mesma gravadora, a DreamWorks, mas ainda não haviam se encontrado.

A carreira dos Eels já é bem sólida: são 15 álbuns (contando com esse Eels time!) e fãs sempre esperando por discos contemplativos e um tanto tristes. E não custa dizer que os últimos anos foram complexos para a banda. Os primeiros shows dos Eels após a pandemia quase fizeram o líder Mark Oliver Everett “perder a cabeça”. Há alguns meses, Everett fez uma cirurgia de coração aberto – e recordou nas redes sociais que foi salvo pela atenção que passou a dar à própria saúde, depois de perder o pai por causa de problemas cardíacos.

No disco novo, como não poderia deixar de ser, muita coisa vem movida pelo que andava passando pela cabeça de Mark antes, durante e (talvez) depois dos problemas de saúde. Time, a faixa título, traz comentários otimistas e até religiosos: “não há muito tempo agora (…)/talvez haja alguma maneira, querido deus, de eu poder ficar”. We won’t see her like again é auto-explicativa, e fala sobre “um amor sobrenatural, sem abaixo ou acima”. If I’m gonna go anywhere mexe igualmente na questão da falta de tempo e na atenção sendo sempre dada ao que importa. Let’s be lucky investe em luta e otimismo (“saia da cama/e olhe para frente/às vezes você tem que fazer sua própria sorte”).

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O álbum abre com folk tristinho e com atmosfera de nostalgia, em músicas como Time e We won’t see her like again (nessa, Mark parece cantar direto de uma máquina do tempo), sonoridade depois retomada em faixas como Song for you know who, Let’s be lucky e On the bridge. Posteriormente, Eels time! vai pra um lado mais indie-rock em Goldy, e ganha uma estileira mais Beatles-Byrds na quarta faixa, Sweet smile.

Haunted hero, uma balada quase country, e o gospel sombrio de If I’m gonna go anywhere, investem num lado comum do disco: aquela coisa do encarar a  vida, encarar a estrda, apesar de tudo, e apesar dos medos diários e do caos nosso de cada dia. Um som e uma poesia que unem fé no futuro e tons agridoces, mas que podem cansar um pouco, devido à pouca variação.

Nota: 7,5
Gravadora: Play It Again Sam

 

Crítica

Ouvimos: Durutti Column – “Renascent”

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Resenha: Durutti Column – “Renascent”

RESENHA: O Durutti Column lança Renascent, primeiro álbum em 16 anos. Liderado por Vini Reilly, guitarrista que influenciou Johnny Marr, John Frusciante e Ed O’Brien, o disco explora texturas, ambient e pós-punk.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 9
Gravadora: London
Lançamento: 31 de julho de 2026

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Quem é o “guitarrista dos guitarristas”? A resposta mais óbvia: Jeff Beck, dono de uma discografia desconcertante, que vai do rock pesado ao jazz (passando pelos clássicos), mas que nunca foi um nomão do mercado. Mas tem outro: o inglês Vini Reilly, basicamente um criador de texturas sonoras, conhecido pelo trabalho com a banda Durutti Column. Johnny Marr (Smiths), John Frusciante (Red Hot Chili Peppers) e Ed O’Brien (Radiohead) estão entre os que já citaram seus fraseados como inspiração.

Vai daí que Renascent, primeiro disco do Durutti Column em 16 anos, serve como um mostruário de quem é Vini Reilly, para quem estiver disposto a ouvi-lo – e disposto a ouvi-lo é uma entidade muito particular, por si só, já que é um som que requer audição profunda. A guitarra, em faixas como Your shadow at morning, Time present and time past e a delicada Agonistes (rara música com letra do álbum, apresentando Caoilfhionn Rose nos vocais) não soa como uma guitarra normalmente soaria. O instrumento soa como parte do cenário, como um detalhe, às vezes em meio a teclados que a deixam também soando como um teclado, às vezes estilingando como no jazz ou na música hispânica.

O Durutti vem de Manchester, mas não soa como as bandas locais. O fato de Vini ter uma abordagem tão própria e vir do meio indie local (foi lançado pela Factory) é a cara do “irredentismo” mancuniano, das iniciativas particulares que rolam por lá desde o punk. Curiosamente, a impressão que dá em vários momentos é a de que, dos anos 1970 para cá faltou alguém para soltar um “deixa comigo” para Vini e tentar transformar o som dele em algo (vá lá) cool – no sentido de que as harmonias texturizadas do Radiohead sempre foram o máximo da coolzice.

Se não dá pra tocar em rádio rock (bom, Paranoid android, do Radiohead, toca), dá pra virar trilha de filme (como ele já virou algumas vezes) e até de comercial. Provavelmente Vini Reilly só faltaria fazer o sinal da cruz ao saber que alguém pensou nessa possibilidade, já que a fama de “difícil” e arredio dele é grande). Renascent fica entre o anti-comercial e algo mais clássico e cinematográfico, em faixas como o trip hop celestial Liars (nessa, Vini solta uma espécie de rap como letra), a meditativa Vapour in a matchbox (essa é boa para entender como Reilly influenciou Johnny Marr), o beat soturno e minimalista de Your shadow at evening, e o voz-e-piano de Sargasso sea, outra com Caoilfhionn Rose.

  • Ouvimos: Cajupitanga – Ubá (2019-2024)

Vini consegue emular um pouco até a vibe de Atmosphere, do Joy Division, mas de forma mais luminosa, em Scammer – outra música em que ele solta a voz, quase mastigando as palavras. No final, o não-pop de câmara de For friends everywhere, que soa como o hino de um país que não existe, ou o hino de vários países misturados. E a continuação com os metais funéreos e a guitarra esparsa de All they see is fire, com Lucas Elliott nos vocais. Um som bem próprio.

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Crítica

Ouvimos: Taxi Girls – “Static”

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Resenha: Taxi Girls – “Static”

RESENHA: A banda canadense Taxi Girls estreia com Static, álbum que resgata a energia do punk e da new wave de Clash, Buzzcocks e The Damned em músicas sobre amizade, conflitos e relações.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 8,5
Gravadora: Stomp Records
Lançamento: 26 de junho de 2026

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Treze músicas relativamente curtas, levadas adiante por guitarras com base forte, vocal rouco e beat entre o punk e a new wave. A banda canadense Taxi Girls estreia com o álbum Static e une a força musical própria a sons que lembram Clash, Buzzcocks e The Damned – e que têm mais a ver com o punk inicial do que com qualquer metamorfose que veio depois.

As três bandas surgem como lembrança em faixas como Try harder, Say it!, a estradeira Auto-hysterics (de versos ótimos como “presa em profunda reflexão sobre o amor conquistado na dor / as rodas girando me trazem alívio”). Tem algo entre punk, grunge e glam rock em Red flag crush, que fala com todas as letras sobre um “afeto” com o qual uma delas se envolveu. So quaint, um hino às amizades antigas, põe aclimatações country no som e chega a ter algo de Pretenders – o tema surge também no surf-punk Secret handshake.

  • Ouvimos: Women In Peril – Don’t lose heart

As Taxi Girls conseguem lembrar épocas distantes sem resvalar na nostalgia – curiosamente, Static tem até uma ótima faixa sobre ela mesma, a nostalgia (Midnight mixtape), que une glam pesado e som aparentado da fase new wave de Alice Cooper. Kill your darlings, por sua vez, une alegria punk e barra pesada a la Hole, L7 e The Distillers (“preciso de espaço para ficar sozinha / essa desintoxicação está me deixando fora de controle / cabeça entre as mãos no chão do banheiro / complicações / minha mente está a mil”).

Vale citar que num bom pedaço de Static, Jamie Radu (voz, baixo, guitarra), Vera Bozickovic (voz, guitarra, baixo), Lynn Poulin (bateria, vocal de apoio) e Gabrielle Noël Bégin (guitarra solo, vocal de apoio) batem forte no egocentrismo e na incompreensão vinda de quem está por perto. Rola em faixas como High // Lows, Don’t leave me hanging, Red flag crush, Kill your darlings e trechos de várias outras – e soa como um tema recorrente num disco tão verdadeiro e tão ligado ao punk original.

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Crítica

Ouvimos: Pianocoquetel – “Que coisa”

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Resenha: Pianocoquetel – “Que coisa”

RESENHA: O gaúcho Pianocoquetel lança Que coisa, álbum que mistura city pop, soft rock, MPB, lo-fi e vaporwave em canções irônicas sobre cotidiano, relações e a vida urbana.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 9
Gravadora: Frase Records
Lançamento: 22 de maio de 2026

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Faltava esse tipo de som no Brasil. Ou melhor: nem faltava, porque tem mais gente fazendo além do Pianocoquetel. Falta é essa turma ser mais pautada e entendida – enfim, a turma que une guitarras baladeiras, teclados com som vintage, alguma eletrônica lo-fi e climas vaporosos. No álbum Que coisa, o Pianocoquetel, idealizado pelo gaúcho Felipe Brandão, junta isso tudo a letras observadoras e irônicas, como na balada Obra, inspirada no dia a dia de quem tem que encarar as próprias reforma caseiras, ou as dos vizinhos.

Com recordações de city pop, soft rock, música de elevador, karaokês e cenas de filmes com gente cantando sozinha acompanhada de um synth, o Pianocoquetel é uma festa pop sarcástica, que segue com a new-bossa de Silêncio constrangedor, o soul lento de Olha só (que fala do esforço para ser visto vivo “nesse velho funeral” cheio de valores cagados e tempos desperdiçados), o samba-lounge mágico de Ano inteiro (essa, soando como uma suposta parceria entre Arnaldo Baptista e Guilherme Arantes) e a valsa tóxica de Taekwondo.

Nessa base, o Pianocoquetel acaba lembrando bandas como Sparks, que unem melodias contemplativas e observações ferinas, como no tédio mortal de Vai levar um tempo pra voltar e na blues ballad de elevador Castelo de roupas pelo chão. Mas Que coisa ainda tem a impagável São Longuinho e os três pulinhos, rock lascado à moda de Ty Segall – embora as mudanças de tom no refrão sejam caprichadas. E o rock solar e setentista de Baixa manutenção, com Viridiana dividindo os vocais. Tudo montado com muito cuidado nas melodias.

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