Crítica
Ouvimos: Doja Cat, “Scarlet”
- Scarlet é o quarto disco da rapper e cantora californiana Amala Ratna Zandile Dlamini, mais conhecida como Doja Cat. O disco está sendo considerado como um afastamento do projeto pop que Doja vinha construindo em discos como Planet her (2021).
- O disco veio após uma controvérsia em que Doja foi indicada ao Prêmio BET de Melhor Artista Feminina de Hip Hop, em 2021. Fãs e não-fãs reclamaram que ela não era uma rapper e tinha uma sonoridade pop demais para ser indicada ao prêmio. “Qualquer um que diga que não sou um rapper está em negação. Eles não sabem do que estão falando”, disse à Rolling Stone.
- Doja também contou que estava mudando de estilo para algo mais “punk” e experimental, influenciado por imagens ocultistas. O disco quase se chamou Hellmouth e First of all antes do novo título.
- O álbum tem participações de quase 30 produtores, com Doja na produção executiva. Entre os samples usados no disco, estão os de Walk on by (Dionne Warwick) em Paint the town red, e o de I’m not in love (10cc) em Shutcho.
Scarlet está bem (mas bem) longe de ser um disco campeão em termos de envolvimento com o ouvinte. Se volta e meia aparece algum artista dizendo coisas como “ah, meu disco é para ser ouvido com atenção, como se fosse um livro”, o quarto álbum de Doja Cat está mais para aquele tipo de disco para ser escutado em momentos de distração, com uma ou outra faixa que ajuda a dar uma acordada no meio de audição – e um mar de raps e canções repetitivas. No quesito de canções para ouvir de novo, tem o rap sinuoso e o bom refrão de Agora Hills, o soul de Can’t wait e Skull and bones, a provocação de Wet vagina, Go off e Fuck the girls (FTG).
Soando na maioria das vezes como um mergulho naquela cultura de bumbo-e-caixa que já construiu carreiras e álbuns no hip hop (mas que aqui ressurge marcada pela pouca variedade em beats), Scarlet tem também passagens de psicodelia e sons “derretendo”, como em Love life, um rap de agradecimento que passa pelo sexo, pelo amor, pelo relacionamento com os fãs, pelas cagadas da vida (“eu entendo a selva em que estamos/agora deixe-me terminar/todos nós vamos cometer erros”).
Scarlet consegue transformar de verdade a carreira de Doja numa “coisa” não-pop, com alguns momentos perturbadores – mas nada aterrorizante, embora tenha gente já falando em “rap de horror”, “horrorcore”, etc. E Doja, vale dizer, se sai melhor do que muita gente que tenta imitar o imaginário e o design sonoro dos discos dela, ainda mais aqui no Brasil. Não é só gravar uma meia dúzia de canções dizendo “sou foda”: o “razoável” de um disco dela ainda soa bem mais focado e exato, em especial no aproveitamento de samples e referências, do que no caso de muita gente que tenta fazer o mesmo.
Inclusive o melhor de Scarlet é que tem muita história e vivência ali, e Doja Cat é o tipo de artista que constrói uma história com a própria vida, e não apenas uma mídia publicitária com a própria vida. Já é coisa pra caramba nos dias de hoje. Mas são os lados legais de um disco no qual falta mais variedade musical.
Gravadora: Kemosabe/RCA
Nota: 6,5
Foto: Reprodução de capa de álbum
RESENHA: Starly Kind mistura lo-fi, screamo, pós-punk e psicodelia em Inferno (xe/xem), EP sombrio sobre angústia queer e demônios internos.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: CorpoRAT Records
Lançamento: 8 de maio de 2026
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Musicista agênero do Oregon, Estados Unidos, que se radicou em São Paulo, Starly Lou Riggs criou a Starly Kind como veículo para uma música lo-fi e fantasmagórica. Um som que volta e meia ganha ares math rock, ou que se aproxima de um art rock em clima de pesadelo. Inferno (xe/xem) é um EP sobre demônios xamânicos, angústia existencial queer, dores acumuladas durante uma vida inteira – e sobre como é chamar o inferno de casa.
Starly kind, a faixa de abertura, é lo-fizaça, com glitches, clima dreamy e vocais torturados e gritados. Held me with soma a isso um clima mais ambient, em que vibrações screamo unem-se ao experimentalismo da música. Superanatural clutches fica entre a psicodelia e a no wave, com direito a uma guitarra próxima do som do Black Sabbath. Uma curiosidade e uma mudança de rumo vêm com Bloodlust rising, algo entre Beach Boys, Residents e Devo – seguida justamente pela onda reggae + dub + fantasmagoria de And the devil watched me dance in.
- Ouvimos: Delmore – Tão logo cada poste se ilumina
Demon dreams, que encerra o disco, é pós-punk mais do que tudo, e é a música mais bonita do EP – aliás lida com uma noção mais tranquila de “beleza” na melodia, ainda que também invista na vibe sombria das outras faixas. Um disco bem instigante, em todos os momentos.
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RESENHA: Duo Violeta mistura violão, escaleta e folk nordestino em Mar pequeno, disco contemplativo, viajante e cheio de imagens sonoras.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: The Citadel House
Lançamento: 22 de maio de 2026
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Se você for com muita sede ao pote no disco do Duo Violeta e chegar meio desavisado, pode acabar adorando o encontro do violão com a sanfona. Depois vai dar risada quando descobrir que André Sant’Anna e Rafael Campanaro, são na real, e respectivamente, o encontro da escaleta – teclado de sopro popularizadíssimo pelo reggae e pelo dub – com o violão. Mais que isso, as gravações tiveram vários testes de estúdio, que envolveram posicionamentos dos músicos, microfones diferentes e muitas experimentações sonoras.
- Ouvimos: Seera – Sarab (EP)
Mar pequeno tá bem longe de ser um disco experimental, mas passa perto. É um disco brasileiríssimo e quase sempre nordestino, que parece seguir o curso de um rio e contar uma história – já que as músicas parecem encadeadas e evocam imagens que soam do mesmo modo. Será marés, Na rede e O boto, no começo, são folk nordestino – sendo que a última insere clima sombrio e efeitos de tremolo na escaleta. Para a ilha é forró + jazz, mas tem algo de indie rock na sonoridade, até algo de Beatles no meio da melodia. Inverno no mar é balada, blues e folk, com final contemplativo e várias partes diferentes.
Esse clima de viagem sonora, que insere segmentos diferentes em canções curtas, chega no ápice na última faixa do álbum, Emergiu. Até lá, André e Rafael proporcionam surpresas como a melodia de À deriva, que chega a lembrar um soul no final. Ou a recriação da folclórica Peixe vivo, cujas linhas melódicas só se tornam claras lá pelas tantas. Ou o clima folk brasileiro de Náufrago. Um disco muito bonito.
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RESENHA: Soma Please mistura synth pop, pós-punk e dream pop em Ballet, um EP que cruza Queen, U2, LCD Soundsystem e até samba indie.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Skud & Smarty
Lançamento: 14 de maio de 2026
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O Soma Please é um duo luso-britânico, formado pelos músicos Nuno Bracourt e Rob Williamson. Não chega a ser um som muito inovador, mas tem detalhes que conquistam de cara, já que Ballet, o EP, soa às vezes como um encontro entre estilos e épocas. Tipo o que rola com I’m a fan, entre o synth pop e uma onda que lembra o Queen, ou Love, um dream pop com peso. Pockets on my sleeves é pós-punk com alma oitentista, e algo de Radiohead e LCD Soundsystem misturado.
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As duas últimas faixas do EP são as mais diferentonas do disco: Alone é um curioso pop meio samba, meio bossa, com cara indie e solar. What’s the score é mais ruidosa, abre com clima sombrio fake, e depois chega a lembrar um blues rock eletrônico. Ballet é um pequeno apanhado do som deles, e uma demonstração de sonoridades que estão no arquivo deles.
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