Crítica
Ouvimos: Matuê – “XTRANHO”
RESENHA: Críticas veem Xtranho como pouco original e raso – e apesar de ter alguns bons momentos, o novo disco de Matuê soa como mashup que rende menos que os anteriores.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 6
Gravadora: 30PRAUM
Lançamento: 10 de dezembro de 2025
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A crítica musical Carol Prado publicou no G1 uma resenha arrasando com Xtranho, disco novo do cantor de trap Matuê – ela explicou que não gostou do disco por causa de suas letras infantis e pelo fato da sonoridade apenas imitar o que artistas norte-americanos do estilo vêm fazendo.
Ela também contextualizou a carreira de Matuê e explicou que o sucesso do artista não aconteceu por acaso: ele (realmente, acrescentamos) criou uma marca pessoal em pouco tempo, explicitada em seus dois álbuns anteriores, e que fizeram com que sua música fosse entendida não apenas por adolescentes fãs de trap, como por fãs de música de várias idades. Já a conta do xwitter Rap World enxergou pouca profundidade no disco, além de também encarar Xtranho como um quase mashup, e uma imitação de coisas que já vêm sendo feitas.
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Outras resenhas enxergaram Xtranho com mais leveza – Kadu Soares, na Rolling Stone Brasil, disse que o disco “poderia ir mais além” mas que mesmo assim ele entrega uma nova plataforma para o estilo musical no Brasil. Era algo que Matuê já vinha fazendo, inclusive: em álbuns como 333 (2024) ele já tangenciou até estilos como soft rock e rock oitentista, o que provavelmente fez muita gente torcer o nariz.
Já Xtranho, o terceiro álbum, chama a atenção por não ser nada do que o próprio Matuê explicou a respeito dele. Não é exatamente o disco “disruptivo” e “underground” que ele vem comentando, e as vibes lisérgicas e dark que invadem as músicas soam meio batidas – como se fosse um repertório feito para “funcionar”, mas que no fundo rende bem menos que os dois discos anteriores.
Um detalhe: se roqueiros fossem sempre criticados por copiarem outras bandas, não sobraria um de pé – ainda mais no Brasil. Vai daí que a suposta pouca originalidade do disco nem chega a ser um enorme problema. De bom, Xtranho tem a psicodelia de Rei Tuê, Todas as luzes e Talking bout, os vapores sonoros de Icone fashion, o descontrole de Alterado (com vocais sujos e ritmo desencontrado). Além da revolta pessoal de Meu cemitério, a melhor do disco.
O resto parece aquelas vezes em que alguém tenta acertar na mira e passa longe, especialmente porque soa como se Matuê tivesse pouca conexão com o que foi lançado musicalmente no disco – olha aí a tese do Rap World, de que o álbum soa como um mashup. Em alguns momentos, parece realmente que todo o repertório vai ser picotado em mini-canções para serem apresentadas nos shows, como um enorme pot-pourri de si próprio.
Quanto às letras: não é para esperar “maturidade”, mas uma parte de Xtranho lembra a fase de esgotamento do Charlie Brown Jr, quando a formação estava desfigurada, Chorão já parecia desanimado e as músicas soavam como um análise combinatória avacalhada. Não se trata nem de haver frases que é preciso jogar no Google pra entender: estilos como rap e trap costumam ter letras feitas com expressões restritas ao universo dos próprios artistas, e isso costuma até envolver mais os fãs.
A questão é que versos como “mano, eu só ando estranho, dinheiro movendo estranho”, e “eu sou um mano muito revoltado / preciso fumar alguns baseados” não parecem evocar muita coisa. É nas letras, por sinal, que esse lado “mashup” de Xtranho é mais visto, como se cada faixa evitasse focar num tema – isso poderia ser algo bem “underground” e criativo, mas aqui parece que faltou direção.
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RESENHA: Demob Happy mergulha no stoner em The grown-ups are talking: peso, glam e ecos de Them Crooked Vultures, com letras sobre maturidade e masculinidade tóxica.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: Milk Parlour Records
Lançamento: 13 de fevereiro de 2026
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O nome dessa banda, Demob Happy (literalmente “desmobilização feliz”) veio de uma expressão multiuso que costuma ser utiilizada para o fim de tarefas que pareciam um fardo – pode ser o fim de uma guerra, uma operação policial ou qualquer ocupação que aporrinhe a paciência. Resenhamos Divine machines, o álbum anterior deles, e pra gente, ficou a impressão de uma banda indie que geralmente é socada com força na caixinha do som pesado – e que de todo jeito, prima por misturar sons eletrônicos, aclimatação pós-punk, e sujeira vinda do stoner.
Agora corta ferozmente para The grown-ups are talking, o evoluidíssimo novo álbum. O Demob Happy assume totalmente sua filiação ao stoner rock (ainda que visite outros estilos), e mais do que isso, entrega o disco que o Them Crooked Vultures esqueceu de fazer. O TCV, você talvez lembre, era um spin-off do Queens Of The Stone Age e do Foo Fighters, com Josh Homme (guitarra, voz), Dave Grohl (bateria) e John Paul Jones (baixo, teclados).
Esquecido com o tempo, apesar das promessas nunca concretizadas de um novo álbum, ganha um reavivamento em The grown-ups, e logo nas duas faixas que abrem o disco: o eletropunk nervoso Power games, e o stoner seco e grave de No man left behind (cortada por sons que parecem vir do deserto). Em seguida, Judas beast abre com uma guitarra que cita o metal antigo (Judas Priest?) mas ganha baixo fincado no chão onda sonora entre metal, stoner e psicodelia.
A onda do Them Crooked volta em faixas como Don’t hang up, aberta com um piano que é a cara das intervenções tecladísticas do álbum da banda – só que depois ela ganha um ar meio cabaré deprê, lembrando David Bowie. Há mais lembranças do glam rock em faixas como Miracle worker pt 1 e 2 (divididas entre evocações de Suede, do Starman de David Bowie e das guitarras gêmeas do Thin Lizzy) e na onda meio Strokes, meio Bryan Ferry, de Somethings gotta give, além de evocações de Cold turkey (John Lennon) em Who should I say is calling?, e um stoner maquínico e quase pop, na cola do som oitentista, em Little bird.
O clima “desértico” da faixa No man left behind não veio à toa: a banda fez um retiro no deserto – mais exatamente no Rancho de la Luna, em Joshua Tree – para gravar o disco. O caos da capa de The grown-ups, que soa como uma mescla de festa, ensaio-show e esporro telefônico de chefe, espalhou-se pelas letras, que falam de temas desconcertantes: Who should… fala de maturidade à força, Power games é autoexplicativa, No man left behind investe em temas como macheza, toxicidade e suicídio masculino. Um disco que pode se tornar o favorito da discografia da banda para quem não é fâ incondicional.
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RESENHA: Under dark skies, do Tombstones In Their Eyes, mistura psicodelia, shoegaze e grunge em clima melancólico, com ecos dos anos 80 e 90.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 9
Gravadora: Shore Dive Records
Lançamento: 5 de dezembro de 2025
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Depois de ouvir o som dessa banda veterana de psicodelia de Los Angeles, você talvez tenha dificuldade de colocá-los numa caixinha. O Tombstones In Their Eyes (literalmente “lápides em seus olhos”) é um grupo psicodélico? Ou é uma banda de shoegaze?
Mesmo com um nome desses, góticos eles não são – no máximo são interessados no lado mais lúgubre e sombrio da vida. Isso porque Under dark skies é basicamente música para acompanhar você pelas estradas da vida, em meio a céus escuros, praias desertas e dias cinzentos. Um som que não existiria sem bandas como The Jesus and Mary Chain, mas que deve igualmente a grupos de stoner rock, de grunge e até de britpop.
Essa verdadeira cápsula de rock dos anos 1980 + 1990 manda bala, no decorrer de Under dark skies, em sons referenciados em Ride, Primal Scream e ate nos Rolling Stones do anti-hit lisérgico Citadel (I see you lookiing out my door e a faixa-título), numa balada psicodélica que lembra Pink Floyd e Procol Harum (You never have to love me) e até numa canção herdeira da era beatle (The beginning, que também acena para o metal melódico e para o Jimi Hendrix de Hey Joe).
- Ouvimos: Rocket Rules – Dearden’s number
A melhor do disco, a sonhadora Sick so sick, tem o noise rock como estrutura e a mescla de psicodelia e pós-punk como caminho. E faixas como I’m so happy today e Alive and well (feita em homenagem a Paul Boutin, guitarrista do grupo que morreu ano passado após batalhar contra o câncer) se jogam em algo próximo do shoegaze. Under dark skies também é o disco da mágica Better somehow, cheia de dramaticidade sixties, e dos seis minutos de Take another piece of me, stoner repleto de distorções e que, pelo ritmo funkeado, lembra às vezes Pink Floyd.
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RESENHA: Victoryland, projeto de Julian McCamman, mistura demos caseiras e estúdio em My heart is a room with no cameras in it: loops, pós-punk e power pop para canções românticas inquietas.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Good English
Lançamento: 23 de janeiro de 2026
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Victoryland é o projeto do músico Julian McCamman, hoje baseado no Brooklyn, em parceria próxima com o produtor Dan Howard. Depois de uma fase mais lo-fi em fitas gravadas na cena da Filadélfia, McCamman passou a trabalhar a partir de demos caseiras levadas ao estúdio de Howard – um método que define My heart is a room with no cameras in it, seu novo álbum.
- Ouvimos: Siren Section – Separation team
O disco soa ao mesmo tempo despojado e construído: são gravações de quarto usadas para construir arranjos mais polidos, sempre montados sobre loops – além de ideias incompletas que viram canções. Em momento algum, vale dizer, My heart se rende à incompletude: Julian e Dan trabalham músicas até que virem loops, revertem experimentalismos até que se tornem canções, e afastam a percepção do ouvinte até que ele possa dividir a música que escuta em pedacinhos.
Here I stand abre o disco tratando algo que parece um sample de cordas como uma fotografia desfocada – numa melodia cuja beleza é herdada diretamente de bandas como Radiohead e Clap Your Hands And Say Yeah. No cameras, por sua vez, é quase achegada ao power pop, mas os loops chegam aos solos de guitarra, que ganham a aparência de fitas com velocidade alterada. Músicas como I got god (com seu beat quase industrial), a fantasmagórica Keep me around e a etérea You were solved têm algo também de Talking Heads e The Cure – no caso desta última, teclados distorcidos e um ritmo marcial ligado ao pós-punk vão tomando conta e dando outra cara.
Tem um forte fundamento romântico em My heart – aliás note o título. Julian fala de temas como amor, ódio, pés na bunda, ilusões (amorosas ou não), frustrações e relacionamentos mal-resolvidos em todas as músicas, chegando conclusões quase sempre intranquilas (tipo “nunca te perdoarei, é assim que te mantenho por perto”). Esse romantismo triste chega a uma resolução na ultima faixa, I’ll show you mine, power pop que lembra The Cure, Lemonheads e até Dinosaur Jr e Beatles (cuidado total com a melodia, enfim).
Até chegar o fim do álbum, quem ouve depara com a desolação total de Arcade, folk rock com ar experimental e psicodélico, e o desaparecimento sonoro de Blur, que abre com um riff simples de guitarra, e soa como uma recordação que vai se apagando aos poucos. Os seis minutos de Fits transformam um dedilhado de guitarra pós-punk numa peça sonora hipnótica, complementada com violão e bateria gravados como em demo, e sons eletrônicos. Tudo bem bonito – mesmo quando o Victoryland solta demais a rédea da viagem experimental. E tudo bem perturbador.
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Ouvimos: Demob Happy – “The grown-ups are talking”
Ouvimos: Tombstones In Their Eyes – “Under dark skies”
Ouvimos: Victoryland – “My heart is a room with no cameras in it”
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