RESENHA: Paradise Lost volta em boa forma metal-gótica em Ascension: peso intenso, climas sombrios e belas camadas que renovam seu doom metal.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 8,5
Gravadora: Nuclear Blast
Lançamento: 19 de setembro de 2025.

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O Paradise Lost, no começo da carreira, soava como uma versão gothic metal/doom metal da primeira fase do Metallica – com isso, satisfazia fãs da época do baixista Cliff Burton e ainda entregava algo mais apocalíptico. Foi surfando uma onda parecida com essa que o grupo britânico veio ao Rio em 1995 abrir para Faith No More e Ozzy Osbourne (eu tava lá). Por sinal, 1995 foi o ano do ótimo Draconian times, quinto disco do grupo. Um álbum que mostrava o Paradise Lost orgulhoso de misturar épocas e estilos diferentes do rock – tanto que as reedições trouxeram versões que a banda fizera para How soon is now, dos Smiths, e Walk away, das Sisters Of Mercy.

A face gótica foi ficando cada vez mais evidente em discos posteriores, e volta agora, digamos, com conhecimento de causa. Ascension, 17º álbum da banda, é o primeiro disco lançado depois da pandemia. Ou seja: as histórias de pragas, lamentações, tormentos e tragédias contadas pelo Paradise Lost – sempre aludindo a um deus mais próximo do Velho Testamento do que da imagem justa e misericordiosa – ganham um baita cenário para a banda deitar e rolar.

• Ouvimos: Ho99o9 – Tomorrow we escape

Faixas como Serpent of the cross, Tyrants serenade, Lay a wreath upon the world, Silence like the grave (com letra falando sobre crueldades e omissões das religiões), Diluvium e Salvation mexem com a velha e eficiente fórmula do grupo. Enfim: começo solene – com sons de sintetizadores, orquestras, pássaros, riff de violão, ruídos fantasmagóricos – seguido de climas meio sabbathianos/meio góticos, vocais entre o gutural e o grave, e um peso que se impõe mais pela intensidade do que pelas sucessivas porradas.

O clima funéreo de Ascension é intensificado pela escolha de um universo gélido para várias músicas – como Tyrants serenade, a contemplativa Savage days, as noturnas Salvation e Sirens – ainda que haja bastante explosão nos vocais do criativo Nick Holmes, nos ataques de bumbo duplo e nos solos de guitarra. Em Serpent of the cross, a guitarra solo de Gregor Mackintossh chega a lembrar o estilo luminoso de Brian May (Queen). Um disco que dura mais de uma hora (são 61 minutos de peso) e passa voando, impressionando pela beleza.

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RESENHA: New Brutalism lança Requiescat record, EP produzido por Steve Albini em 2021, unindo noise-rock, pós-punk e peso metálico.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 8,5
Gravadora: Computer Students / Modulor
Lançamento: 12 de setembro de 2025

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Formado em 1998, o New Brutalism veio de Knoxville, Tennessee, e destaca-se por usar instrumentos de alumínio (!), que eles mesmos construíram. Não são peças malucas do tipo guitarra-baixo ou algo assim – são instrumentos comuns (guitarra, baixo e bateria) que, por serem feitos de um material pouco usual, têm ressonâncias bem diferentes dos tradicionais, geralmente feitos de madeira.

O som de Shane Elliott (vocal), Matt Hall (guitarra, vocal), David Basford (baixo, vocal) e Carey Balch (bateria) não é puramente ruído ou barulho: trata-se de algo entre o noise-rock e o pós-punk, às vezes lembrando bandas como Public Image Ltd e Wire, e em outros momentos seguindo o rastro das bandas criadas pelo recém falecido produtor Steve Albini.

• Ouvimos: Kombi – Alimento a dor
• Ouvimos: Deftones – Private music

Por acaso, Requiescat record, EP novo do grupo, é uma homenagem a Steve, que trabalhou bastante com o New Brutalism – a palavra do latim “requiescat” significa “descanse em paz”, inclusive. Também é um disco que não existiria sem o produtor, já que as três faixas foram justamente produzidas por Albini em 2021, e ficaram guardadas até agora. Bob Weston, antigo colaborador de Steve, masterizou as faixas.

O grupo mantém um hábito de sempre: as faixas são numeradas em vez de apenas ganharem nomes. A 088 une as duas facetas do grupo – a mais barulhenta e a mais clássica. 088 lembra bastante o já citado Wire e tem algo de heavy metal no meio da mistura sonora. 089 tem vocal falado e peso próximo do punk, mas um punk gélido e robótico.

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RESENHA: Em 1/4 – Quem sou, a banda Lóca faz música quase indefinível, com toques de samba, jazz, blues e bossa nova que vão se alternando, com letras existencialistas.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 7
Gravadora: Matraca Records/YB Music
Lançamento: 15 de maio de 2025.

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Tem quem faça pesquisas puramente musicais. A banda catarinense Lóca trabalha em outra área de investigação: as letras de 1/4 – Quem sou são pura busca existencial, abordando crises pessoais, ruínas, sucessos, fracassos, síndromes de impostor e expectativas das mais estranhas vindas de outras pessoas.

O som vai na mesma linha: Lucas Micheluzzi (voz, guitarra, composições), Otávio Wobeto (baixo) e Matheus Barsotti (bateria) até parecem uma banda de pós-hardcore que se rendeu a musicalidades mais amenas, graças aos ritmos quebrados das faixas. No geral, fazem uma música quase indefinível, com toques de samba, jazz, blues e bossa nova, que vão se alternando.

• Ouvimos: Tune-Yards – Tell the future with your body (EP)
• Ouvimos: Felipe F. – Dois

Ouvir 1/4 – Quem sou é uma tarefa complexa e que requer atenção. Músicas como I – Intro versão e N – Intuição vão para o lado das buscas musicais, em que os sons parecem estar se formando naquela mesma sessão de estúdio, sem ensaio prévio. Vocais que lembram algo entre Beatles e Beach Boys aparecem em alguns cantos, mas logo perdem o protagonismo para as guitarras próximas do jazz.

Em P – Percepção, o som fica meditativo, quase como uma dream MPB, com Lucas falando sobre as dores profissionais, financeiras e existenciais de sua geração: “quem dera eu pudesse ter cada coisa em seu lugar / cada passo meu seria mais uma proeza”. Sons hispânicos aparecem em músicas como Projeto de ninguém e Ali se há, e a sombria Anônimundo, sonorizada com barulhos de chuva, traz evocações de Radiohead e Mogwai.

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