Crítica
Ouvimos: Ethel Cain – “Willoughby Tucker, I’ll always love you”
RESENHA: Novo disco de Ethel Cain, sombrio e denso, une country, post-rock e climas sombrios para revelar as origens e histórias de sua estreia.
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Por algum motivo particular, Perverts, segundo álbum de Ethel Cain, lançado no começo do ano (e resenhado pela gente aqui) costuma ser tratado pela própria artista como um “EP”, uma “gravação de estúdio” ou um “corpo de trabalho” – mesmo ultrapassando os 90 minutos. Trata-se de um disco perturbador, quase inaudível para muita gente e que desafia até mesmo quem realmente ama música experimental. Ainda que haja muita beleza nos sons angustiantes e aterrorizantes de faixas como Punish e Housofpsychoticwomn.
Willoughby Tucker, I’ll always love you, terceiro disco e – como Ethel deseja – segundo álbum, dá uma volta no tempo e inicia as histórias da estreia dela, Preacher’s daughter (2022), álbum sobre poder, religião, bullying, abusos e morte (da “filha do pastor” do título). Um espelho da sequência de Star wars, que abre no episódio IV, ou das origens da família Corleone em O poderoso chefão 2, alguém diria. O disco novo de Ethel tem lá seus ares de volta às origens para ela própria, já que traz a artista voltando a investir em algo próximo da noção de canções – e, mais do que em Perverts, ela combina climas sombrios e frutos musicais do Sul dos EUA.
Com duração igualmente longa – mais de 60 minutos – e temas densos e quilométricos, Willoughby Tucker (o nome representa um namorado que Ethel teve na adolescência, e sua eterna paixão) abre com uma balada grunge deprê e fantasmagórica, Janie. E segue com uma música que poderia sonorizar um passeio por uma mansão empoeirada e abandonada, Willoughby’s theme. Já Fuck me eyes, que vem depois, é um synthpop introspectivo e sensual, falando de uma garota sexy e decidida que consegue tudo o que quer – e que precisa deixar sua cidade.
O astral das letras de Ethel mudou em alguns momentos – poucos, aliás. A musicalidade do disco abarca referências country (violões, slide guitars, sons estradeiros) em faixas como Nettles e a pinkfloydiana Dust bowl – no caso dessa última, por sinal, a morbidez prevalece, já que a letra fala de um “garoto bonito consumido pela morte” e de pactos estranhos feitos na escola. A knock at the door, tema de voz, violão e eco, é um hino à ausência, com vocais que soam como lamentos.
Já faixas como Radio towers e Waco, Texas soam como post rock fantasmagórico, o tipo de bad trip que você vai querer acompanhar até o fim – no caso da última, são 15 minutos de Cain relatando uma história de amor, ódio, culpa, autodestruição e sentimentos ambivalentes (“eu prefiro morrer / do que ser qualquer coisa além de sua garota / eu nunca quis te machucar / mas de alguma forma, eu sabia que faria”).
Para ouvir Perverts, era preciso disposição para encarar as sombras – Willoughby Tucker, I’ll always love you, por sua vez, parece revelar as histórias por trás delas. No final, você sente que uma história foi sendo contada, por mais que deixe várias perguntas.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 9
Gravadora: Daughters of Cain/AWAL
Lançamento: 8 de agosto de 2025
RESENHA: Starly Kind mistura lo-fi, screamo, pós-punk e psicodelia em Inferno (xe/xem), EP sombrio sobre angústia queer e demônios internos.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: CorpoRAT Records
Lançamento: 8 de maio de 2026
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Musicista agênero do Oregon, Estados Unidos, que se radicou em São Paulo, Starly Lou Riggs criou a Starly Kind como veículo para uma música lo-fi e fantasmagórica. Um som que volta e meia ganha ares math rock, ou que se aproxima de um art rock em clima de pesadelo. Inferno (xe/xem) é um EP sobre demônios xamânicos, angústia existencial queer, dores acumuladas durante uma vida inteira – e sobre como é chamar o inferno de casa.
Starly kind, a faixa de abertura, é lo-fizaça, com glitches, clima dreamy e vocais torturados e gritados. Held me with soma a isso um clima mais ambient, em que vibrações screamo unem-se ao experimentalismo da música. Superanatural clutches fica entre a psicodelia e a no wave, com direito a uma guitarra próxima do som do Black Sabbath. Uma curiosidade e uma mudança de rumo vêm com Bloodlust rising, algo entre Beach Boys, Residents e Devo – seguida justamente pela onda reggae + dub + fantasmagoria de And the devil watched me dance in.
- Ouvimos: Delmore – Tão logo cada poste se ilumina
Demon dreams, que encerra o disco, é pós-punk mais do que tudo, e é a música mais bonita do EP – aliás lida com uma noção mais tranquila de “beleza” na melodia, ainda que também invista na vibe sombria das outras faixas. Um disco bem instigante, em todos os momentos.
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RESENHA: Duo Violeta mistura violão, escaleta e folk nordestino em Mar pequeno, disco contemplativo, viajante e cheio de imagens sonoras.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: The Citadel House
Lançamento: 22 de maio de 2026
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Se você for com muita sede ao pote no disco do Duo Violeta e chegar meio desavisado, pode acabar adorando o encontro do violão com a sanfona. Depois vai dar risada quando descobrir que André Sant’Anna e Rafael Campanaro, são na real, e respectivamente, o encontro da escaleta – teclado de sopro popularizadíssimo pelo reggae e pelo dub – com o violão. Mais que isso, as gravações tiveram vários testes de estúdio, que envolveram posicionamentos dos músicos, microfones diferentes e muitas experimentações sonoras.
- Ouvimos: Seera – Sarab (EP)
Mar pequeno tá bem longe de ser um disco experimental, mas passa perto. É um disco brasileiríssimo e quase sempre nordestino, que parece seguir o curso de um rio e contar uma história – já que as músicas parecem encadeadas e evocam imagens que soam do mesmo modo. Será marés, Na rede e O boto, no começo, são folk nordestino – sendo que a última insere clima sombrio e efeitos de tremolo na escaleta. Para a ilha é forró + jazz, mas tem algo de indie rock na sonoridade, até algo de Beatles no meio da melodia. Inverno no mar é balada, blues e folk, com final contemplativo e várias partes diferentes.
Esse clima de viagem sonora, que insere segmentos diferentes em canções curtas, chega no ápice na última faixa do álbum, Emergiu. Até lá, André e Rafael proporcionam surpresas como a melodia de À deriva, que chega a lembrar um soul no final. Ou a recriação da folclórica Peixe vivo, cujas linhas melódicas só se tornam claras lá pelas tantas. Ou o clima folk brasileiro de Náufrago. Um disco muito bonito.
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RESENHA: Soma Please mistura synth pop, pós-punk e dream pop em Ballet, um EP que cruza Queen, U2, LCD Soundsystem e até samba indie.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Skud & Smarty
Lançamento: 14 de maio de 2026
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O Soma Please é um duo luso-britânico, formado pelos músicos Nuno Bracourt e Rob Williamson. Não chega a ser um som muito inovador, mas tem detalhes que conquistam de cara, já que Ballet, o EP, soa às vezes como um encontro entre estilos e épocas. Tipo o que rola com I’m a fan, entre o synth pop e uma onda que lembra o Queen, ou Love, um dream pop com peso. Pockets on my sleeves é pós-punk com alma oitentista, e algo de Radiohead e LCD Soundsystem misturado.
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As duas últimas faixas do EP são as mais diferentonas do disco: Alone é um curioso pop meio samba, meio bossa, com cara indie e solar. What’s the score é mais ruidosa, abre com clima sombrio fake, e depois chega a lembrar um blues rock eletrônico. Ballet é um pequeno apanhado do som deles, e uma demonstração de sonoridades que estão no arquivo deles.
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