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Cultura Pop

“1969: The Velvet Underground Live with Lou Reed”: VU para iniciantes

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"1969: The Velvet Underground Live with Lou Reed": VU para iniciantes

Reouvi por acaso a versão de Femme fatale, com Lou Reed nos vocais, que está no disco 1969: The Velvet Underground Live with Lou Reed. E lembrei que esse disco duplo, lançado em 1974 de forma quase pirata pela Mercury, é uma boa introdução ao som da banda para quem conhece bem pouco ou nada dela. Lógico, The Velvet Underground and Nico, de 1967, sempre vai ser “o” grande disco do Velvet, e Loaded, de 1970, sempre vai ser outro disco querido de neófitos do grupo.

Apesar do começo do Velvet, com Nico nos vocais, ser muito cultuado, a fase 1969 da banda é a que mais rende assunto. Apesar de estar excursionando com afinco pelos EUA e Canadá, o cenário era de incertezas para o Velvet Underground. A banda tinha três discos malsucedidos nas costas e a MGM, que controlava o selo Verve, não iria ficar aturando o grupo de Lou Reed, Sterling Morrison, Doug Yule e Moe Tucker por mais tempo que o necessário. A turma foi mandada embora do selo, mas sempre pairaram no ar as notícias sobre um disco de estúdio “perdido”, deixado pelo VU nos arquivos da MGM.

Na década de 1980, a PolyGram, ao relançar o catálogo inicial da banda, localizou essas músicas em seu acervo, completou com out-takes da época em que John Cale ainda estava na banda, e lançou em dois álbuns: V.U., de 1985, e Another view, de 1986. Na real, não havia muita concordância nem mesmo entre os próprios integrantes sobre se aquelas sessões de 1969 representavam mesmo um disco, ou se eram várias músicas separadas. Moe Tucker declarou que “não sabia se aquilo era mesmo um disco ou se estávamos querendo sair da gravadora”. Lou, por sua vez, disse a amigos como o guitarrista Robert Quine que a banda estava, sim, fazendo um quarto LP pela MGM.

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Pelo sim, pelo não, em 2017, a Verve/Universal lançou uma caixa comemorativa de 50 anos da banda com todo o material publicado originalmente em V.U. e Another view como um só disco, duplo, chamado The Velvet Underground: 1969. Falamos disso tem um tempinho.

>>> Mais Velvet Underground no Pop Fantasma aqui

Já o disco ao vivo de 1969 foi lançado em setembro de 1974, um pouco porque depois de 1970 houve mais interesse pelo catálogo da banda, um pouco porque Lou Reed havia começado a chamar atenção com sua carreira solo e havia até mesmo lançado um disco ao vivo em fevereiro daquele mesmo ano (Rock’n roll animal). 1969: The Velvet Underground Live with Lou Reed surgiu em parte da pirataria consentida pela banda, que era feita por fãs. Em 19 de outubro de 1969, a banda tocou no Clube End of Cole Ave. e um fã apareceu por lá com equipamento de gravação, e gravou todo o show. Em 26 e 27 de novembro, fizeram dois shows no The Matrix, em San Francisco, e dessa vez a própria banda registrou a apresentação com equipamento da casa.

As fitas ficaram mofando por um tempo e, até 1974, nunca haviam sido lançadas houvesse ou não interesse da banda de colocar o material na rua. Até que o empresário espertinho do Velvet, Steve Sesnick, resolveu lançar tudo. Isso segundo Doug Yule. “Meu entendimento de como o lançamento aconteceu é que Sesnick tinha as fitas e estava tentando vendê-las para conseguir dinheiro, alegando que ele possuía o nome e os direitos do álbum”, recordou aqui. O empresário teria feito contato com integrantes do grupo, pôs a Mercury na jogada e assim foi – muito embora a Mercury tivesse que enfrentar o Matrix nos tribunais porque a casa entendia que o disco havia sido lançado sem sua permissão.

O repertório de 1969 é excelente pra entender como Lou foi caminhando da posição de integrante do Velvet para a de artista solo. Duas canções, Lisa says e Ocean, apareceram em seu primeiro disco solo, e já faziam parte do repertório do Velvet. Lou fez questão de soltar a voz na versão de Femme fatale – embora tenha sobrado para Doug Yule cantar I’ll be your mirror. O som do disco, em especial nas gravações de Dallas, mostram um clima bem informal – com direito a ruídos e risadas da plateia.

White light/white heat, gravada no The Matrix, transformou-se em uma canção experimental de mais de oito minutos. Há um tempinho, Brian Eno (o próprio) extraiu o áudio dessa faixa e fez um clipe pirata, com imagens do Velvet (ainda com Nico) na Factory, o clube de Andy Warhol.

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Agora, para ter uma experiência mais interessante do Velvet ao vivo em 1969, é só dar uma checada no box set The complete Matrix tapes, com toda a gravação do show do grupo na casa – parte dessas gravações geraram o duplo ao vivo lançado em 1974. Uma nota de rodapé interessante é que o Velvet não podia estar mais deslocado naquela casa de shows: o Matrix era uma espécie de meca do San Francisco sound e da hippongada local, e tinha como um dos sócios ninguém menos que Marty Balin, do Jefferson Airplane. O Matriz fechou em 1972, reabriu em 1973, passou de mão em mão e em 2018 passou a se chamar White Rabbit (nome de música do Jefferson Airplane, por sinal).

Quando gravou ao vivo no Matrix, o Velvet estava desfrutando da recém-adquirida aparelhagem de som profissional da casa, comprada com o dinheiro da venda de fitas de shows da banda Great Society (primeiro grupo de Grace Slick, do Jefferson) para a Columbia. Daí a ciumeira do Matrix com as fitas do Velvet, já que o modelo de negócio dos donos lá por 1969 incluía gravar shows e negociar com selos e bandas.

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Cultura Pop

Music Factory: o programa de rádio de Tom Wilson

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Music Factory: os programas de rádio de Tom Wilson

Muita gente não se recorda ou não fazia a menor ideia, mas Tom Wilson (1931-1978), o cara que assinou o contrato do Velvet Underground com a Verve/MGM, era um radialista. Tom  que conta-se, foi o verdadeiro produtor de The Velvet Underground and Nico, estreia do grupo, comandou o Music factory, um programa de rádio “muito livre” (como define um site dedicado ao seu legado) transmitido pela WABC-FM (Nova York). Aliás, vale citar que Tom já tinha larguíssima experiência como produtor e executivo de gravadora antes disso – foi dono da Transition Records, um selo de jazz de vanguarda, e produziu discos de Bob Dylan, o single de Like a rolling stone entre eles.

O programa estreou em junho de 1967, durou um ano, e acabou virando uma atração nacional, por um motivo bem básico. Por causa da ligação de Wilson com a MGM, a atração era um excelente ponto de divulgação para os lançamentos da gravadora, que patrocinava a atração. Logo sairiam discos de vinil com edições do programa, prontas para serem enviadas a emissoras em todos os Estados Unidos.

“Wilson é um anfitrião genial, um locutor encantador com uma presença calorosa. Seu humor é autodepreciativo, e ele sempre deixa seus convidados à vontade com sua risada robusta (às vezes muito robusta). Os episódios são cápsulas do tempo interessantes de um período em que a fidelidade de áudio superior estava ajudando os rádios FM a colherem músicas do AM, que estava atormentado pela estática”, avisa um site dedicado à obra radiofônica de Wilson, e que coletou e pôs no ar, em MP3, nada menos que 26 edições do Music factory.

Tom Wilson transmitia comerciais dos discos da MGM/Verve – discos como White light/White heat, do Velvet Underground, e Chelsea girl, estreia de Nico, ganharam reclames produzidos pela gravadora, mesmo que fossem álbuns de pouco público. Entre os entrevistados ou noticiados pelo programa, estavam nomes de altíssima estirpe, como The Cowsills, Artie Ripp (produtor e diretor de selos como Buddah e Kama Sutra), Richie Havens, Ultimate Spinach (banda psicodélica de Boston) e… John Cale e Lou Reed, do Velvet Underground. Há quem diga que o papo com os dois foi absolutamente desinteressante. Não exatamente.

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Cultura Pop

Mike Love (Beach Boys): “Mick Jagger é um covarde”

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Discos da discórdia 5: Mick Jagger, com "She's the boss"

Existem várias bandas que nos anos 1960 foram tidas como “rivais” dos Beatles em algum momento: Byrds, Beach Boys, Rolling Stones, quase todo mundo que aparecia em algum momento era envolvida na rivalidade por algum jornalista espertinho – e opa, os Beatles também tinham lá seus motivos para se assustarem com todo mundo que se arvorava a fazer sucesso. Pior que, pelo menos no que dependesse de Mike Love, um dos beach boys, haveria uma bizarra rivalidade entre os bem sucedidos Stones e os vida-torta da banda de surf music da Califórnia. Tudo por causa de um rancor guardado em tonéis de carvalho por vários anos.

No dia 8 de maio de 1966, Mick Jagger, que praticamente nunca foi visto falando dos Beach Boys na vida, foi perguntado pela Melody Maker sobre o que achava da banda. Bom, digamos que o cantor dos Stones foi bastante sincero: disse que odiava o grupo, apesar de gostar de Brian Wilson, o gênio da turma. Um “gostar” que se aproximava mais da zoação paternalista do que da sinceridade pura e simples, diga-se, mas o cantor não parou por aí. “Brian Wilson é um cara legal e diferente deles. Eles são uns caras estúpidos, como vários grupos que começaram junto com eles e agiram feito idiotas todo o tempo”, disse, comparando a banda com “um bando de caras grosseirões que invadem um pub”.

Jagger curtia Pet sounds, por sinal um disco que Brian Wilson trabalhou e retrabalhou, e pelo qual Mike Love historicamente nunca teve muito amor. Ainda assim o disco não levou nota 10 do stone. “Brian é um grande produtor mas poderia variar os sons das vozes. Os sons, não as harmonias, me irritam um pouco”. Dennis Wilson, o baterista, é definido por Mick como um músico que “não poderia manter o tempo das músicas nem para salvar sua vida”. Brian é definido como um bom letrista, mas o resultado final é “inocente”.

Olha aí a arenga do Mick.

Até que em 1988, na cerimônia do Rock And Roll Hall Of Fame, Mike Love deu novas dimensões à palavra “rancor”. O beach boy soube que Mick Jagger estava na plateia e decidiu incluir o cantor em seu discurso de indução. Bom, “incluir” é apelido – Love chamou o vocalista de “covarde” e desafiou o frontman de uma das bandas mais bem sucedidas do mundo a subir no palco com ele.

A propósito, 1988 foi aquele famoso ano em que Keith Richards preparou seu primeiro disco solo, Talk is cheap, e os Stones “milagrosamente” decidiram conversar sobre uma turnê nova, adiada porque o guitarrista não iria abrir mão do trabalho solo. Ao mesmo tempo, o próprio Jagger (cujos voos solitários já haviam deixado os Stones na mão em outros momentos e tinham emputecido, em particular, Keith) fez sua primeira turnê solo, começando pelo Japão.

Mas ali no palco, o papo foi esse aí: “Os Beach Boys fizeram cerca de 180 apresentações no ano passado”, esbravejou Mike Love. “Eu gostaria de ver Mick Jagger subir neste palco e fazer I get around versus Jumpin’ Jack Flash, a qualquer momento. Eu gostaria de nos ver no Coliseum e Jagger no Estádio de Wembley porque ele sempre foi um covarde para subir no palco com os Beach Boys”.

A tal encrenca Mike Love vs. Mick Jagger, pelo que Love contou numa entrevista, chegou nos bastidores. O beach boy conta que rolou até de ele e Mick atirarem fora os sapatos um do outro. De qualquer jeito, o discurso puto da vida de Mike Love foi gravado e tá até no YouTube.

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Cinema

Toomorrow: quando Olivia Newton-John fez um musical espacial “jovem”

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Toomorrow: quando Olivia Newton-John fez um musical espacial "jovem"

Fãs de Olivia Newton-John (que saiu de cena nos últimos dias) deram uma reclamada, com razão, quando viram nas redes sociais um bando de gente que só lembrou da fase Physical da cantora. Ou de clássicos da telinha como Grease e Xanadu, surgidos de uma fase em que Olivia já era tudo, menos um rosto novo. Antes disso, ela já vinha gravando discos na onda do country pop e do folk desde 1971, tinha conseguido o primeiro disco de ouro em 1975 com o sexto álbum, Clearly love, e vinha fazendo filmes desde o começo da década.

Um filme bem interessante que Olivia fez, e que está inteiro no YouTube (pelo menos por enquanto), tem um plot bem curioso, e ainda por cima rendeu um trilha sonora que prometia. Aliás, o próprio filme foi uma promessa – que não rolou. Toomorrow, dirigido por Val Guest, saiu em 27 de agosto de 1970 no Reino Unido, e tinha a cantora como protagonista. Olivia fazia uma personagem chamada Olivia, que era a líder de um grupo pop (cujo nome era Toomorrow) que era observado de longe por extraterrestres, e acabava sendo abduzido.

Além da cantora, o grupo tinha Karl Chambers (bateria), Ben Thomas (voz, guitarra) e Vic Cooper (teclados). Essa turma, que mantinha a banda como uma forma de financiar os estudos, acabava envolvida numa trama que misturava musical, ficção científica e filme “jovem”, com direito a cenas de protestos estudantis e sit-ins alegres. Se você nunca viu, nem ouviu falar e tem curiosidade, segue aí.

Toomorrow não chegou a ser um grande sucess… não, pensando bem foi um retumbante fracasso. O filme teve problemas desde o começo porque sua dupla de produtores começou trabalhando direitinho e depois passou a se odiar. Os dois eram ninguém menos que Harry Saltzman, que produziu filmes de James Bond, e Don Kirshner, que foi o primeiro produtor dos Monkees. Nessa época inicial, problemas com o roteiro, que nunca ficava do jeito que a dupla e o diretor queriam, e problemas maiores ainda com grana (Guest diz nunca ter sido pago pelo filme) melecaram o processo ainda mais. Olivia chegou a afirmar que o filme “pelo menos valeu a experiência”.

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No fim das contas, Toomorrow foi exibido por apenas uma semana em Londres, e ressurgiria anos depois em exibições especiais, além de seu lançamento em DVD. O mais curioso é que o filme teve até uma trilha sonora, lançada pela RCA. Apesar de ser uma trilha, era creditada à banda Toomorrow, que não existia na prática. Esse disco, um não-marco do pop gostosinho, está até no Spotify.

A tal trilha saiu em 1970, junto do não-lançamento do filme, e honrava bem um projeto que, de certa forma, havia começado com a ideia torta de ser um Monkees de luxo da nova década. Don Kirshner atuou como supervisor musical (todo o material foi publicado em sua editora) e tanto as composições das faixas quanto a produção do LP são creditadas ao cantor e compositor Ritchie Adams e ao produtor Mark Barkan. Chegaram a sair mais duas faixas do Toomorrow num single, também de 1970, lançado pela Decca – a capinha do disco anunciava até pôsteres do grupo.

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