The baby, filme de 1973, não é apenas um filme trash: é um daqueles filmes que você tem vontade de desver assim que assiste (por acaso ele está no YouTube, inteiro, com legendas automáticas). O conteúdo, inicialmente, parece apenas absurdo, mas vai além da bizarrice: um adulto de 21 anos conhecido apenas como “baby” (David Mooney, ator morto em 2019, creditado como David Manzy) criado como criança por uma família formada por sua mãe (a megera Sra. Wadsworth, interpretada por Ruth Roman) e duas irmãs (Germaine, interpretada por Marianna Hill, e Alba, por Suzanne Zenor).

O pai de “baby” havia morrido e Sra. Wadsworth, com a ajuda das irmãs, começou a hiperproteger o filho, tratando-o como um bebê, e vivendo de uma pensão por invalidez que ele estava ganhando. A família tenta usar babás para cuidar do garoto – uma delas acaba espancada pela mãe e pelas irmãs. “Baby” costuma ficar preso num cercadinho e toda vez que tenta fugir, ou que começa a acordar para o fato de que não é um bebê, e sim um homem adulto, é molestado com um aguilhão elétrico pelas irmãs (isso aparece no filme, vale informar).

Só que aí aparece uma assistente social, Ann Gentry (Anjanette Comer, de filmes como Appaloosa) que começa a perceber que basicamente, “baby” é um adulto normal que sempre foi tratado como criança e nunca cresceu como um homem de sua idade. Ann começa a fazer de tudo para salvar o bebê-adulto de sua família disfuncional. Mas a história depois vai evoluindo para lados bem mais sombrios e estranhos.

No filme, “baby” é cercado de mulheres medonhas, fortes e decididas, mas se você pensava num filme com subtexto feminista, ou que aponte para a questão dos homens heteros tóxicos e abusivos, não é bem isso, não. Esse podcast, que tem até participação de David Mooney como convidado, aposta que o filme dá até uma visão meio cagada do feminismo, substituindo mulheres fortes por mulheres megeras e temidas. Contemporizando, Mooney diz acreditar que a ideia do filme foi mais criticar “quem criticava o feminismo” do que propriamente falar mal da liberação feminina em plenos anos 1970.

The baby junta-se ao universo bizarro dos filmes que falam de pessoas criadas totalmente afastadas da vida real, por mãe super hiper protetoras (o australiano Bad boy bubby, de Rolf de Heer, é outro desses). O diretor do filme, Ted Post, é mais conhecido pelo trabalho com séries de TV e por ter dirigido De volta aos planeta dos macacos (1970). No mesmo ano de The baby, ele dirigiria Magnum force, a continuação de Dirty Harry, Perseguidor implacável – nada a ver mesmo com as aventuras de um adulto criado como bebê.

O filme foi produzido pelos irmãos Abe e Milton Polksy. Abe, responsável pelo roteiro, tinha feito filmes para a TV e escrevera o que seria The baby em 1968. O filme chegou a ser vendido para duas companhias cinematográficas – e foi comprado de volta assim que Abe viu que elas não fariam filme nenhum com um roteiro maluco daqueles. Ted Post se juntou ao time e o trabalho começou.

Lembra da famosa cena do tapa que o detetive Virgil Tibbs (o já saudoso Sidney Poitier) desfere na cara do ricaço Eric Endicott (Larry Gates), no clássico No calor da noite (1967)?

Bom, se você nunca viu nem a cena nem o filme, a gente resolve (em parte) seu problema. O filme é fácil de achar para assistir por aí, já que saiu em DVD, tem nos filmes “por alugar” do YouTube e provavelmente está em algumas plataformas. Tibbs, no filme, é um detetive negro do setor de homicídios que acaba preso no Mississippi, única e exclusivamente por causa do racismo dos policiais do sul dos EUA.

Tibbs acaba tendo que se envolver na investigação do caso pelo qual ele mesmo havia sido preso injustamente. Era o assassinato de um industrial chamado Philipp Colbert. O detetive resolve ir lá checar o que é que Endicott tem a ver com a história, leva um tapa na cara e reage prontamente.

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Nem mesmo as plateias comuns dos EUA estariam preparadas para a cena em que um negro resolve reagir à agressão física de um branco. Agora imagina isso no sul dos Estados Unidos, onde a cena se passava? Para você ter uma ideia, a Lei de Direitos Civis havia sido aprovada pelo congresso do país havia um ano, e só nesse período haviam sido tiradas das paredes do sul do país as placas de identificação mostrando onde negros e brancos deveriam ficar.

Bom, o produtor do filme, Walter Mirisch, chegou a dizer que a United Artists teve bastante medo de investir numa produção que poderia, no entendimento da empresa, causar conflitos no sul dos EUA. Mirisch conversou bastante com a empresa e convenceu a UA de que ainda que o filme fosse exibido em quase todos os EUA, menos no sul, valia a pena investir. No calor da noite teve um gasto de dois milhões de dólares, fez sucesso, gerou uma receita de 24 milhões (!), ganhou cinco Oscars e levou milhares de pessoas aos cinemas justamente para ver… a cena do tapa. Que mostrava finalmente o oprimido reagindo ao opressor, numa época  particularmente explosiva do país.

A tal cena do tapa não teria existido, vale dizer, sem a insistência de Poitier. Ao ler o roteiro, o ator – que já tinha sido o primeiro negro a ganhar um Oscar de melhor ator em 1964 – fez questão de dar uma atualizada em algumas cenas para que elas ficassem mais verdadeiras e mais próximas do que ele mesmo achava que seria mais correto. E disse que na vida real, ele não levaria um desaforo daqueles para casa nem a cacete.

“Eu disse a Mirisch: ‘Na minha vida, sendo um detetive ou não, e não me importa onde estou, se tal coisa acontecer comigo, é provável que eu responda’”, contou, deixando claro que desistiria se obrigassem seu personagem a abaixar a cabeça depois de levar um tapa. Poitier também preferiu não filmar No calor da noite no Mississippi, para não arriscar mais ainda sua vida (mas depois acabou sendo convencido a filmar lá por uma semana, e passou por discriminações na cidade).

Tem até hoje algumas fontes dizendo que essa história de que Poitier pôs o tapa no roteiro não foi bem isso, e que a situação já estava no script – embora não estivesse no livro original, escrito por John Ball, que gerou o filme. De qualquer jeito, Mirisch e o diretor Norman Jewison conversavam bastante sobre o que estava acontecendo no mundo naquela época, e sobre a luta contra o racismo. E Poitier sempre era bastante solícito em relação a oferecer novidades para o roteiro. Deu certo a ponto do The New York Times afirmar que “o cinema estava para ganhar seu primeiro grande herói negro”.

Via ShowBiz Cheatsheet

Beach Boys, Frank Sinatra, Elvis Presley, The Monkees, The Mamas & The Papas, Sonny & Cher. Existe um nome unindo essa turma toda: Wrecking Crew. Era a nomenclatura dada ao coletivo de músicos de Los Angeles que tocou nos discos dessa galera e de mais uma série de outros nomões do mercado.

Frequentemente, por exemplo, o instrumental de discos dos Beach Boys não era feito pelos integrantes do grupo, e sim por Brian Wilson acompanhado de uma turma de músicos do WC. O mesmo acontecia em (sinto estragar sua fantasia) discos como Mr Tambourine Man, a estreia dos Byrds (1965) e nos dois primeiros discos dos Monkees – banda que depois se revoltou contra o fato de não tocar em seus próprios álbuns.

Vale dizer que o nome Wrecking Crew até hoje rende milhares de discussões que viram a noite e não terminam: muita gente insiste que o nome nem era usado de fato, e algumas testemunhas afirmam que outros nomes eram usados para definir coletivamente a galera. Que era formada basicamente por músicos com escola no jazz e nos clássicos, e que não eram tão originalmente chegados assim ao rock.

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O bando tinha a baixista Carol Kaye (que toca em Good vibrations, dos Beach Boys), bateristas como Jim Keltner, Hal Blaine e Joe Porcaro (pai dos três irmãos Porcaro do Toto), tecladistas como Dr John (que, antes da fama, era músico de estúdio e usava seu nome verdadeiro, Mac Rebennack, para assinar os contratos) e guitarristas como Jerry Cole e Glen Campbell (sim, o cantor country, que imortalizou Wichita lineman). Essa turma toda apareceu em vários discos que você escuta há anos, mas muitas vezes o trabalho deles não era creditado, para não deixar o público perceber que os garotões das bandas não tocavam em seus próprios discos.

Isso tudo aí talvez você já saiba. O que você talvez não saiba é que o documentário Wrecking Crew, de 2008, está no YouTube. Alguém jogou o filme inteiro lá, infelizmente apenas com legendas em inglês. Veja logo antes que tirem da web.

Wrecking Crew é o (até agora) documento definitivo da turma de ratos de estúdio que atuava em Los Angeles nos anos 1960 e 1970, tocando em vários álbuns. Foi dirigido por Denny Tedesco, filho de Tommy Tedesco, guitarrista que entre outros feitos, tocou no tema da série Bonanza.

Denny teve trabalho: ele e sua equipe entrevistaram uma turma enorme, e ainda fizeram uma pesquisa bem aprofundada em material audiovisual antigo, levando 40 personalidades da música para a tela grande. O filme começou a ser feito em 1996 e só terminou em 2008. E inicialmente, era um projeto “humilde” de menos de um milhão de dólares. Que ainda por cima mexeu em vespeiro: Tedesco resolveu incluir 132 músicas originais com participação de músicos do Wrecking Crew, e esbarrou numa questão básica, que eram os direitos autorais. A ideia de Tedesco (e não poderia ser de outro jeito) era incluir gravações originais de clássicos da música pop com participações da turma do Wrecking Crew. “Você conhece 99,9% das músicas desse filme. Mas quando pedi um orçamento a uma gravadora, eles disseram que custaria US $ 2,5 milhões”, disse ao New York Times.

Por causa desses problemas, o filme foi exibido em 2008 apenas no festival South By Southwest e ficou inédito nos cinemas até 2015. Tedesco teria que pagar compositores, músicos e os envolvidos nas faixas, tornando o filme quase impagável. “Eu não queria que as pessoas me dessem essas faixas de graça”, disse ao Los Angeles Times, quando uma campanha de crowdfunding no Kickstarter já havia coberto os gastos restantes com as músicas (coisa de milhões de dólares) e o filme já podia ser visto nos cinemas. Hoje já está até escondidinho no site de vídeos mais popular do mundo.