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Cultura Pop

A psicodelia punk japonesa do High Rise: descubra!

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A psicodelia punk japonesa do High Rise: descubra!

Uma surpresa para quem curte descobrir bandas estranhas e barulhentas. O selo Black Editions acaba de recolocar nas lojas (lá fora) o segundo disco da banda japonesa High Rise. High Rise II saiu originalmente em 1986, dois anos depois da estreia Psychedelic Speed Freaks, gravada ao vivo. Wipe out, uma das melhores músicas, você conhece abaixo.

O High Rise foi formado a maior parte do tempo pelo herói da guitarra ruidosa Munehiro Narita e pelo baixista Asahito Nanjo – um dos reis do uso da distorção no baixo, e músico extremamente ativo no underground japonês. Na época de II, completava o grupo o baterista Yuro Ujiie. O som do HR era uma massa bruta, com distorções cobrindo guitarra, baixo e vocais. E um leque de influências que incluíam hard rock (algumas músicas lembravam o Grand Funk do começo, só que mais radical), pós e pré-punk, jazz e a psicodelia lascada de bandas como The Fugs. Olha só os treze assustadores minutos de Pop sicle.

O site da gravadora Black Editions resgatou uma entrevista de Asahito Nanjo dada nos anos 1990 em que ele lembrou de seu começo na música, em meados dos anos 1970, quando fazia punk de três acordes. Só que em 1978, Brian Eno juntou as bandas novaiorquinas The Contortions, Teenage Jesus And The Jerks, Mars e DNA – conhecidas pelo som barulhento e experimental, e pela atitude de confronto com o próprio punk – no corrosivo disco No New York, lançado pelo selo Antilles. E Asahito ouviu o disco.

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O álbum mudou a vida de Nanjo, que imediatamente passou a fazer experimentações musicais tendo punk, jazz e psicodelia como base. Surgiram então o Red Alert, importante banda do under japonês, e o Red, que fazia performances e som experimental.

Achar material das duas bandas no YouTube não é nada fácil – até porque já existem grupos com os mesmos nomes. Em compensação, jogaram no YouTube um show do High Rise em 1987. Por aí dá para sentir o peso de uma apresentação deles.

E isso é o grupo um pouco antes, em 1986.

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O nome inicial do High Rise era justamente o do primeiro álbum ao vivo deles, Psychedelic Speed Freaks. Nanjo diz que a escolha por esse nome era que ele fazia o grupo parecer menos “sombrio e excludente”. O lançador do PSF, Hideo Ikeezumi – produtor-lenda do rock psicodélico japonês – convenceu o trio a adotar outro nome. E roubou o título, passando a chamar seu selo de PSF Records. O PSF foi o responsável pelo lançamento de uma das bandas mais malucas do Japão, Acid Mothers Temple. No ano passado, eles fizeram um show em São Paulo.

Um detalhe curioso sobre o High Rise é que, apesar de fazer som psicodélico e punk nas alturas, o trio era radicalmente contra o uso de drogas. Não apenas isso: Nanjo diz que a ideia da banda era salvar os amigos viciados em narcóticos (!). “Muitos grandes músicos morreram de overdose nos anos 1960 e 1970, ou enlouqueceram antes de se tornarem famosos. Queríamos fazer uma declaração antidrogas, então escolhemos gírias de drogas americanas e britânicas para todos os nomes de músicas”, afirmou o baixista.

Nos anos 1990, formações japonesas como o Shonen Knife começaram a fazer turnês conjuntas com bandas ocidentais – e a tentar aproximação com a onda grunge. Nanjo, na época, abriu um show do Mudhoney em Tóquio. Só que as opiniões dele sobre o grupo e sobre o rock de Seattle são bastante desfavoráveis. “O que eles fazem é lixo, eu odeio. Eu prefiro abrir para Madonna que Mudhoney. Todo o grunge é inútil, não tem nenhum pensamento por trás disso. Eles apenas copiam músicas de garagem dos anos 1960, mas não há conexão com suas vidas”, disse.

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Esse comportamento underground ao extremo não é exclusividade de Nanjo. Munehiro Narita, o guitarrista, deu uma entrevista nos anos 1990 em que mostrou cagar para rótulos como punk e psicodelia. Citou influências de músicos de jazz e disse que nunca nem tinha escutado Jimi Hendrix com a devida atenção (!). Olha aí o guitarrista ao vivo com sua banda no ano passado, num set com músicas do High Rise.

O material em High Rise II, no relançamento, teve remasterização feita pelo baixista Nanjo, e ganhou o acréscimo de dois bônus. Não se tem notícias, até o momento, de um retorno da banda. Em 2004, Nanjo pôs nas lojas um disco solo gravado em 1993, Greed, que soa como uma evolução do High Rise, com duas longuíssimas faixas, uma de cada lado. Para o disco, trocou o baixo pela guitarra. Olha aí.

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Ricardo Schott é jornalista, radialista, editor e principal colaborador do POP FANTASMA.

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Isolaram o piano de Rock The Casbah, do Clash

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Isolaram o piano de Rock The Casbah, do Clash

Combat rock, último disco do Clash com a formação clássica, saiu em 14 de maio de 1982 (opa, fez 40 anos há pouco) e vendeu muito. Vendeu tanto, que ficou 61 semanas nas paradas americanas, estourou os dois hits do Clash que-todo-mundo-conhece (Should I star or should I go e Rock the Casbah) e levou jornalistas com bastante senso de criatividade a compararem a banda ao Fleetwood Mac (!).

Olhado mais de perto, é um disco ame-ou-odeie, que traz o quarteto inglês tentando fazer com o punk o que a turma do dub fez com o reggae – canções fora do formato canção, letras enormes com ambientação ritmada e “psicodélica”, texturas instrumentais relaxantes (a bela Sean Flynn é um bom exemplo disso).

Mas fica para outra ocasião darmos uma olhada mais de perto em Combat rock. Por enquanto, a pergunta é: já ouviu o piano isolado de Rock the Casbah?

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O piano de Rock the Casbah foi tocado, se é que você não sabe, pelo baterista Topper Headon – que além de ser um dos melhores bateristas do punk, tocava piano e criou praticamente a música toda sozinho. Aliás ele tocou quase tudo sozinho na faixa, menos as guitarras. Fez piano, baixo e bateria, aproveitando a ausência dos camaradas durante uma sessão de gravação.

(ei, temos um podcast do Pop Fantasma Documento sobre o Clash)

Os outros três, quando escutaram a música, acharam que já estava tudo mais ou menos completo e só acrescentaram vozes, guitarras, percussão e uns efeitos de gravação. Paul Simonon fez só os vocais de apoio. Joe Strummer deixou a letra original de Headon de lado (que era uma poesia romântica sobre a namorada dele) e, como já vinha trabalhando na frase “rock the Casbah”, criou a letra inteira em cima disso.

Aliás, ao vivo, sem o piano, a música ficava sem parte da graça. Bom, pelo menos no último show da banda, no Us Festival, em 1983 (detalhe: sem Topper na bateria), a canção ficou assim. Procura aí no vídeo, lá pra 8m43.

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Quando Pat Boone gravou Elvis Presley mas não podia citar o nome dele (!)

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Quando Pat Boone gravou Elvis Presley mas não podia citar o nome dele (!)

Tido como a maior ameaça ao reino do colega Elvis Presley, o cantor americano Pat Boone surgiu antes dele no mercado e já era uma estrela quando o cantor de Don’t be cruel ainda era uma promessa. “Agora, quando ouvi que Bill (Randall, DJ) estava trazendo um cantor country cujos discos eu tinha visto na jukebox no Texas, achei que ele estava um pouco louco porque um artista country não seria emocionante para esses adolescentes que queriam rock and roll”, chegou a afirmar Pat, que conheceu Elvis numa loja de meias em Cleveland, Ohio, e declarou ter ficado assustado com a timidez do futuro amigo.

Isso rolou no comecinho da carreira do cantor, quando Pat ainda era também uma novidade e tinha só dois discos de sucesso. Agora corta para alguns anos depois, quanto Pat e Elvis já eram artistas famosos da música e da telona, mas Elvis, para todos os efeitos, era o Rei. “Claro, nunca mais segui Elvis em nenhum programa. Nós nunca aparecemos juntos depois disso”, contou Pat num papo com o fã-clube australiano de Elvis, afirmando também que se tornou amigo de Elvis, e que acreditava que se o cantor pudesse ter tido uma vida mais próxima do “normal”, poderia estar vivo ainda.

Agora, a maior curiosidade envolvendo Pat e Elvis nem era essa proximidade toda. É o fato de que Pat lançou em 1963 um disco com repertório de Elvis Presley mas não podia de jeito nenhum citar o nome de Elvis. Esse aí de baixo.

Pat Boone sings Guess Who? (Pat Boone canta adivinha quem?) saiu quando Pat já havia quase largado o rock. Pouco antes disso, o cantor era casado, mas vivia caindo na farra e bebendo além da conta. Viu o casamento descer morro abaixo. A esposa levou Pat para a igreja católica carismática e ele virou cristão.

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O artista passou a se dedicar a discos gospel, em meio a um ou outro lançamento secular, e virou ídolo de um fã-clube bastante conservador. Em 1962 saiu até um Pat Boone reads the Holy Bible, com o cantor firme no mesmo propósito que, anos depois, aqui no Brasil, ajudaria a engordar o caixa de Cid Moreira: ler trechos da Bíblia para lançamento em disco. A propósito, e lógico que nem daria para imaginar outra coisa: Boone apoiou Donald Trump nas eleições presidenciais em 2016, e disse que o candidato seria reeleito em 2020 (não rolou, como é público e notório).

O disco de Pat cantando Elvis surgiu da ideia literal de homenagear o amigo (e, claro, abiscoitar parte do público do cantor). Problemas à vista: Coronel Parker, empresário espertalhão de Elvis, queria um levado enorme pelo uso do nome de Elvis no título. Não adiantou nem Pat alegar que era amigo do homenageado. Restou a ele cortar o nome de Elvis do título e referir-se a ele no texto de contracapa como “Guess Whosley”.

No fim das contas, tudo acabou dando certo. “Tom Parker acabou tirando o chapéu para mim e disse: ‘Bem, você enganou o vigarista. Você superou o traficante, e eu o saúdo’. Mas o álbum foi um dos melhores álbuns que eu já fiz, musicalmente”, disse Pat. Bom, pelo menos ele teve mais sorte do que quando resolveu tirar totalmente a maldade de Tutti Frutti, de Little Richard, e fez uma versão cagada da música.

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Life With Lucy: a última série de Lucille Ball em 1986

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Life With Lucy: a última série de Lucille Ball em 1986

O sucesso de séries como As supergatas, lançada pela NBC em 1985, acabou fazendo com que o mercado televisivo acordasse para uma realidade: o público mais velho queria se ver na telinha, e séries protagonizadas por atrizes e atores mais velhos dava certo. Foi por causa disso que, em 1986, a concorrente ABC decidiu produzir uma nova série com ninguém menos que Lucille Ball, que estava com 75 anos, vinha fazendo poucos trabalhos na televisão e não botava tanta fé na história de que poderia estourar com uma nova série.

Foi daí que surgiu a última série de Lucille na TV, Life with Lucy, exibida por apenas uma temporada, entre 20 de setembro e 15 de novembro de 1986. Pode acreditar: apesar do sucesso de toda a produção anterior de Lucy na TV, o público correu da nova série dela, que teve apenas treze episódios e cinco deles nem sequer foram exibidos. Houve ainda um décimo-quarto episódio na jogada, escrito mas nunca gravado.

A novidade é que a temporada única da série está no YouTube.

Life with Lucy, para quem curte bastidores da TV, era um reencontro de Lucy com vários colaboradores de longa data. A emissora queria que os roteiristas da série M*A*S*H, sucesso na época, fizessem o roteiro. A atriz insistiu que Bob Carroll Jr. e Madelyn Pugh, que trabalhavam com ela há bastante tempo, escrevessem todo o seriado. Mandou contratarem o técnico de som Cam McCulloch, que trabalhava com ela desde a série I love Lucy – e, aos 77 anos e apresentando surdez galopante (!).

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No papo abaixo, Lucy apresenta ao público Gail Gordon, um ator veterano e aposentado que havia trabalhado com ela na juventude e que voltava em Life with Lucy.

Life with Lucy, até por causa do controle total assumido pela atriz, não teve interferência alguma do canal. Lucy fez tudo da maneira que queria, e a ABC punha fé que o programa seria um sucesso. Aaron Spelling, produtor da série, viu os números desceram morro abaixo assim que a série foi prosseguindo – algum tempo depois, afirmou que seu erro foi ter deixado a atriz fazer o programa da mesma forma que os clássicos da carreira dela tinham sido feitos, havia muitos anos. Algumas publicações chegaram a classificar Life with Lucy como “o pior programa de todos os tempos”, ou algo do tipo.

Maldade com uma série que acabou sendo o último programa de Lucille Ball e que, ao menos, tem valor histórico. De qualquer jeito, até mesmo o plot da série – Lucille interpretava uma viúva que herdava uma loja do falecido marido e tentava tocar o negócio coma família – parecia um tantinho ingênuo se comparado às séries da época, inclusive no caso das idosas super-poderosas de As super gatas. De qualquer jeito, a série foi lançada inteira em DVD em 2019 e tá no YouTube para quem quiser tirar suas próprias conclusões.

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