RESENHA: Encontro de Criolo, Amaro Freitas e Dino D’Santiago mistura rap, jazz e ritmos afro-lusos, memória e crítica social, em parceria.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 9
Gravadora: Independente
Lançamento: 15 de janeiro de 2026

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Criolo, Amaro e Dino não é só um disco feito a seis mãos – é um encontro de verdade. Aquele tipo de disco que só poderia acontecer quando os artistas estão disponíveis, e dispostos a se misturar um pouco em nome do som e das ideias. Com a rapidez dos papos levados pelo WhatsApp, era para estarem saindo discos assim a rodo. Por “assim”, aliás, entenda algo parecido com Gil & Jorge, disco de 1975 que unia Gilberto Gil e Jorge Ben e trazia os dois artistas criando um som que era só deles, e nunca mais foi repetido porque não houve um “volume 2”.

Se você for tentar quebrar o encontro de Criolo, Amaro Freitas e Dino D’Santiago em pedacinhos para entender o que está acontecendo ali… Bom, vale mais você ler entrevistas legais como a que Criolo e Amaro deram para a Folha de Pernambuco, mostrando que ali há as histórias dos três músicos, suas origens (o rapper paulistano, o pianista pernambucano e o cantor português de ascendência cabo-verdiana) e as músicas a que cada um foi exposto durante a infância e a formação musical.

Há mais que isso: encontros de realidades, e até de comunidades musicais – como as participações do trio de cantadeiras Clarianas no ijexá-funk-rap Você não me quis e em Menina do Coco do Carité, e do rabequista Mestre Salú, de Pernambuco, também nesta última. E se livros fossem líquidos? (Poeta fora da lei pt II) abre o disco com a mesma onda art-pop-soul do Sault, pondo a sonoridade do trio em outros universos. Fogo lento, morna cantada por Dino, põe mais drama pessoal e existência no disco (“dizem que o mundo é dos fortes / mas eu sei que o segredo é resistir às derrotas / em cada esquina uma escolha, uma porta / e eu aqui fazendo fogo lento na revolta”, diz a letra). Seka, marcada pelo piano sensacional de Amaro, leva o álbum para a terra de Dino, e põe o disco para girar na onda do batuku, ritmo e dança local.

Já faixas como Ela é foda, o jazz-soul Anoitecer, o samba-soul-reggae viajante Hoje eu vi você e Mama Afrika voltam ao lado mais pop do disco, num rolé de lembranças musicais que inclui Michael Jackson e até o grupo Azymuth. E o que fica mesmo do encontro de Criolo, Amaro Freitas e Dino D’Santiago é a disposição para tocar em feridas abertas, como a transformação do ser humano em máquina domada pelas big techs, às vezes mais ligado em realidades distantes do que no terror da esquina de casa. “O elevador aqui só desce, o demônio é meu sócio / abriram a caixa de Pandora, Simon diz: saiam agora (…) / a Amazônia tá pegando fogo / não é só L.A. que tá pegando fogo”, rima Criolo no samba-rap-jazz Amazônia (A-i’ahu). É isso aí.

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RESENHA: Enemy mostra o KMFDM mais acessível sem perder o peso: industrial dançante, crítica a líderes autoritários e mistura de metal, punk, dub e eletro.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 8,5
Gravadora: Metropolis Records
Lançamento: 6 de fevereiro de 2026

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Enemy, o novo disco do KMFDM, grupo industrial da Alemanha, é uma boa opção para quem está a fim de conferir o lado (digamos assim) acessível e belo das composições deles. A faixa-título abre o disco com beat lento e vibe de hard rock eletrônico, além de uma letra que põe as coisas em seus devidos lugares: o KMFDM (em alemão, “kein mehrheit für die mitleid”, ou “nenhuma simpatia pela maioria”) avisa para tomar cuidado com os falsos líderes, ir à luta e não abaixar a cabeça para a massa neo-fascista.

• Ouvimos: Alter Bridge – Alter Bridge

Já a segunda música, Oubliette, com Lucia Cifarelli nos vocais, é o lado anos 1980 do disco: parece uma união bem louca de metal e punk, filtrado pela eletrônica do grupo. Só dai para a frente o lado “dança da guerra” do KMFDM vai aparecendo, com a robótica e pesada L’etat (cuja letra traz a frase “o estado sou eu”, do monarca Luís XIV da França, repetida várias vezes até todo mundo pensar em Trump) e a agilidade eletropunk da fantasmagórica Outernational intervention. Lucia toma conta dos vocais do metal pós-punk Catch & kill, e uma onda de peso industrial e distorção toma conta do instrumental Gun quarter sue – uma música que até engana, com um tecladinho relaxante e melancólico na abertura, e que depois de pesar bastante no ouvido, ganha uma curiosa cara progressivo-metálica.

Enemy vai para outros lados: tem a onda punk, gótica e sexy de Vampyr (um das faixas menos anti-pop da história do grupo), a raiva feminina de Yoü (com Annabella Konietzko, filha de Lucia e do frontman  Sascha “Käpn’ K” Konietzko, na letra e nos vocais) e o eletro-rock’n roll de A okay, que lembra a fase intermediária do Ministry. Além do curioso dub industrial de Stray bullet 2.0, com direito a metais. No final, The second coming une rangidos, programações, gritos de horror e vocais graves como num trailer de filme.

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RESENHA: Siren Section retorna após quase 10 anos com álbum duplo que mistura rock eletrônico e shoegaze: pesado e melódico, gótico à la Depeche Mode, variado e fluido.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 9
Gravadora: Sirens Etc
Lançamento: 6 de fevereiro de 2026

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O Siren Section (ou SIREN/SECTION//, como costuma estilizar) é formado pelos músicos James Cumberland e John Dowling, e costuma definir seu som como “rock eletrônico-gaze”, apontando para ruídos, programações e sons emparedados. Dá para deixar o Nine Inch Nails vir à mente com uma definição dessas, mas o som deles é mais melódico, soando às vezes como um parente mais gótico e psicodélico das fases sombrias do Depeche Mode. E soa como “música de máquina” até quando lança mão de guitarras e bateria acústica.

Separation team é o terceiro álbum e o primeiro em quase dez anos. Aparentemente, pelo tempo sem lançar nada, o duo achou mais tranquilo ressurgir com um disco duplo, de 75 minutos. O Siren Section conseguiu fazer a audição não se tornar cansativa apostando na beleza e na variedade, cabendo só na primeira parte do disco o peso de Construct, a onda quase dub (com ótimo refrão) de Bullet train, o clima celestial de Medicine, a placidez distorcida de Solidarity, a dança turbinada e misteriosa de Flinch, o romantismo e a telepatia de Marker. Você acaba esperando pela próxima música, em vez de se espantar com a longa duração do álbum.

• Ouvimos: Sleaford Mods – The demise of Planet X

O álbum vai alternando faces mais selvagens e climas mais afáveis, como na sequência que reúne a balada Dangerous to know e o belo eletrogaze Tritagonist 1 (desrobotizado com uma pandeirola e com ótimos vocais), seguindo de um Tritagonist 2 em clima acústico, lembrando Pink Floyd e Radiohead, até que distorções e ruídos tomam conta. Minotaur abre remetendo ao Depeche Mode de Construction time again (1983), mas logo assume um tom mais lúgubre, mais chegado à principal identidade do disco. Timeghost, como o título já anuncia, põe fichas no clima fantasmagórico. Five fifty five encerra o álbum com tom gravem belo e desesperado (na letra).

Do começo ao fim, o Siren Section se destaca pela maneira como “veste” canções, pondo beleza em sons pesados e ondas soturnas em canções que poderiam soar apenas belas. É o que rola na balada Glass cannon, que ganha distorções, eco e uma ambiência “de longe”, encerrando com uma caixinha de música robótica, e nos ruídos que pairam sobre a melodia quase gospel de outra balada, Some of this means everything. Tem ainda o melhor encontro rock-eletrônico de Separation team, presente nos quase sete minutos da sentida Carry through, com teclados, distorções, programações e certa alma grunge.

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