Crítica
Ouvimos: The Weather Station, “Humanhood”

- Humanhood é o sétimo álbum do grupo folk canadense Weather Station, liderado pela cantora, compositora e guitarrista Tamara Lindeman. A produção foi feita por ela e por Marco Paquin, e o disco teve duas dezenas de músicos convidados.
- O novo álbum está sendo tido como mais pessoal, ao contrário de outros registros mais politizados do projeto. “Não é que tenha se tornado menos relevante ou menos importante para mim. É que não consigo controlar o que escrevo. Eu queria poder , mas naquele momento, eu estava passando por muita coisa pessoalmente para controlar o que estava saindo nas músicas. Eu tive que ter uma pequena conversa comigo mesmo onde percebi que o álbum era exatamente o que era, e eu não podia mudar isso”, contou ao The Creative Independent.+
- “Mas não acho que não seja um disco atual. udo o que se escreve tem uma ressonância pessoal e coletiva. As coisas estão no inconsciente coletivo, e elas aparecem nas músicas, e você nem sempre tem certeza de onde elas vieram”, continua.
Aparentemente, Joni Mitchell foi, é e sempre será uma enorme influência para cantoras que pretendem fazer música introvertida baseada no violão e no piano. O lado jazzístico de Joni, que contou com músicos como Larry Carlton e Jaco Pastorius em seus discos, paira sobre Humanhood, novo disco do Weather Station, banda canadense comandada pela cantora, produtora e guitarrista Tamara Lindeman.
Como autora de todas as composições e “rosto” do Weather Station, Tamara constrói um som que é puro design musical, pura fotografia das sessões – soando em alguns momentos como um disco de jazz-folk produzido por Steve Albini, já que o saudoso produtor norte-americano espalhava microfones pelo estúdio, o que ajudava a capturar uma espécie de “alma” sonora. Em outros momentos, Humanhood ganha um aspecto progressivo, como na levemente dançante Neon signs, uma bela composição de rock com piano, violino e flauta, dotada de clima bruxuleante e dolorido. O mesmo acontece em Lonely, balada quase fantasmagórica, com a voz de Tamara quase despedaçando, num tom sussurrado, de recado dado no ouvido.
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O clima de Humanhood é um tanto pesado, abordando temas como dissociação, traumas e medos. Tamara diz coisas como “minha mente falhando/tendo pensamentos sombrios ultimamente/e talvez eu devesse admitir para alguém/que tenho me sentido isolada ultimamente” (na faixa-título) e dá voz à depressão e aos caos (em faixas como Neon signs e Sewing). Musicalmente, cantora e banda unem, em vários momentos, climas contemplativos a um subtexto pop. A faixa Mirror, por exemplo, lembra uma espécie de r&b folk, como se fosse um pop que poderia ser sintetizado, mas não é – e com um piano jazzístico hipnotizante.
Seguindo, Window é uma música contemplativa, mas quase dançante, feita com base especialmente em baixo, piano e bateria. Body moves tem som quase mágico, com instrumentos soando como ruídos à distância, ou o sol aparecendo pelas frestas da cortina – é um soul jazz com gravação e design musical fantásticos, e uma bateria soando como se estivesse sendo tocada na sua frente. Ribbon, com piano quase clássico na abertura, ganha ritmos incomuns que vão se transformando em algo próximo de uma balada anos 1970, só que com ritmos quebradiços. Nessa faixa, mais uma vez a bateria, além dos diálogos entre piano, percussão e voz, dão uma impressão de som vivo, feito na frente do ouvinte – o tipo de som que muita gente, nos anos 1980/1990, iria pegar CD e LP para comparar um com o outro.
Uma outra curiosidade em Humanhood é Irreversible damage, uma vinheta tamanho-família creditada à psicoterapeuta Erin Orsztynova – que fez também os vocais da faixa – tem voz, programação e ritmo meio incomuns, evocando Laurie Anderson e o Talking Heads da faixa Once in a lifetime. Dando um fecho art rock no álbum, Sewing é uma balada soul quase slienciosa, sussurrada, desembocando numa parte 2 cinematográfica e angelical. Uma nota de piano e alguns segundos de silêncio anunciam o fim da faixa, e do álbum. E esticam só um pouco a magia de Humanhood.
Nota: 9
Gravadora: Fat Possum Records
Lançamento: 17 de janeiro de 2025
Crítica
Ouvimos: Getúlio Abelha, “Autópsia” (EP)

Prepare-se para a diversão: Autópsia, o EP novo de Getúlio Abelha, vai arrancar risadas com o forró-reggaeton safado de Engulo ou cuspo (com participação de Katy da Voz e As Abusadas). E evoca os clássicos do brega com Zezo – cujo título faz referência ao “príncipe dos teclados” do Rio Grande do Norte, Zezo, e cuja letra, lá pelas tantas, recorda a inacreditável Prometemos não chorar, de Barros de Alencar.
Nem só de zoeira vive o EP e vale chamar a atenção para a mistura de sons de Getúlio Abelha, que, vindo do forró-brega perturbador da estreia Marmota (2021), vai em Autópsia do piseiro ao dubstep em poucos minutos. Freak, com letra em inglês, é forró eletrônico distorcido e pesado, Toda semana é uma fantástica mistura de forró e emocore (emoforró?) e Armação une Norte-Nordeste a um design musical mais eletrônico e selvagem. Para completar, cada faixa ganhou um visualizer no YouTube, quase sempre com o mesmo tom sombrio e debochado da capa.
Nota: 8,5
Gravadora: Rec Beat Produções
Lançamento: 14 de fevereiro de 2025.
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Crítica
Ouvimos: Dilettante, “Life of the party”

“Diletante” é aquele que exerce uma arte apenas por prazer, sem compromisso profissional — “por esporte”, como se dizia antigamente. E Dilettante é o nome que a multi-instrumentista britânica Francesca Pidgeon escolheu para seu projeto musical, em uma escolha irônica que já dá o tom de seu segundo álbum. A capa de Life of the party antecipa bem o que se ouve: uma mistura entre a irreverência debochada dos Sparks, o clima de café-teatro que permeia discos de Lou Reed, David Bowie e Nico, e a exaustão do início da carreira artística.
Se há algo que poderia definir o álbum, talvez fosse uma estética de rock-cabaré — mas a sonoridade é experimental e pós-punk demais para caber nessa descrição. Francesca, “a” Dilettante, une vocais operísticos a referências que vão de Cyndi Lauper, Kate Bush e Laurie Anderson ao Talking Heads. Isso transparece em faixas como Fun, Twice as clean, Easy does it (essa última com ecos de St. Vincent e de um Wire mais funkeado que o habitual) e Stone, que traz baixo e bateria em tom quase afrobeat, além de um desfecho com metais em clima de big band.
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A variedade do disco se estende para além do pós-punk teatral. To make me good exibe um vocal sexy e jazzístico, com batida quase matemática entre jazz e rock, enquanto os sintetizadores adicionam um toque de magia. In the taxi abre com um piano baladeiro, quase um Elton John reduzido ao essencial, até se tornar uma balada glam. O clima de sonho sessentista se faz presente em faixas como a brincalhona Cake, My toothpaste Ajar (com um tom lounge e pop que remete a The Cardigans e à banda brasileira Pluma, além de um brilho sonoro digno de rádio clássico) e I’m in love with falling in love — esta última, um quase-tema de musical que reforça a conexão com os Sparks.
Daí para frente, o álbum se aventura por ainda mais territórios: Honey flerta com um tecnobrega sofisticado, The stuff dreams are made of mergulha em atmosferas etéreas, e a faixa-título encerra tudo com um tom soturno e agridoce. Life of the party reflete sobre pressões sociais, tristezas pessoais e a comunicação através da música, fazendo do segundo álbum do Dilettante uma joia rara — ainda pouco comentada no Brasil, mas que merece ser descoberta com atenção.
Nota: 9
Gravadora: Launchpad/EMI
Lançamento: 24 de janeiro de 2025.
Crítica
Ouvimos: Puma Blue, “Antichamber”

O esquema de beats legais, sons viajantes e musicalidade emaconhada que brotava dos discos anteriores de Jacob Allen – músico norte-americano que adota o pseudônimo Puma Blue – é coisa do passado. Antichamber, seu novo disco, é extremamente introvertido, acústico, realizado como se fosse uma gravação de quarto, ou como se tivesse sido feito em uma igreja abandonada, numa casa velha sem muita luz, ou em qualquer local solitário que favoreça a introspecção.
Bom, na verdade – e isso segundo o próprio Jacob – o disco foi feito em sua casa em Decatur, Geórgia, perto da floresta, “em duas semanas de solidão fria”, e todo o material foi feito apenas para ilustrar seu momento de solidão, “sem intenção de compartilhar essa música com ninguém”. O material novo do Puma Blue, feito apenas com um gravador, um microfone e ruídos captados ao redor, surgiu como se ele escrevesse um diário e ele credita a inspiração ao “plano superior”.
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Antichamber é basicamente violão, voz, sussurros e letras “de cura”, além de algumas peças ambientais e instrumentais. Debris abre o álbum como se fossem fitas ao contrário, e faixas como Hotel room, Whilst my heart breaks, Long term parking e Gone is the grace captam o “antes” da voz de Jacob e os ruídos de seus dedos no violão como se fizessem parte das músicas. O mais “comercial” a que Jacob se permite é embarcar numa balada blues-country em Tapestry, um quase-hit do disco – a faixa ganhou até um clipe, que mais parece uma Bruxa de Blair musical.
Nem todo o material tem a mesma qualidade de gravação: Tangent mind é balada folk com som mais “limpo” que o restante do disco. Dying as a note parece contar uma história, com ruído de chuva, um piano triste e de poucas notas, e alguém caminhando. O som da ausência aparece na autoexplicativa In the absence of you e na fantasmagoria de Decatur bells, que abre com sinos badalando, vozes conversando ao fundo e o som de um piano (seria uma missa ou um funeral?). No final, um som de vento surge como se cobrisse a cena.
Antichamber é envolto em mistério, e Jacob diz preferir que a música fale por si só. Ainda assim, para quem quiser entender mais, ele sugere uma visita ao Reddit do Puma Blue.
Nota: 7,5
Gravadora: Blue Flowers Music
Lançamento: 18 de fevereiro de 2025.
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