Crítica
Ouvimos: The Weather Station, “Humanhood”
- Humanhood é o sétimo álbum do grupo folk canadense Weather Station, liderado pela cantora, compositora e guitarrista Tamara Lindeman. A produção foi feita por ela e por Marco Paquin, e o disco teve duas dezenas de músicos convidados.
- O novo álbum está sendo tido como mais pessoal, ao contrário de outros registros mais politizados do projeto. “Não é que tenha se tornado menos relevante ou menos importante para mim. É que não consigo controlar o que escrevo. Eu queria poder , mas naquele momento, eu estava passando por muita coisa pessoalmente para controlar o que estava saindo nas músicas. Eu tive que ter uma pequena conversa comigo mesmo onde percebi que o álbum era exatamente o que era, e eu não podia mudar isso”, contou ao The Creative Independent.+
- “Mas não acho que não seja um disco atual. udo o que se escreve tem uma ressonância pessoal e coletiva. As coisas estão no inconsciente coletivo, e elas aparecem nas músicas, e você nem sempre tem certeza de onde elas vieram”, continua.
Aparentemente, Joni Mitchell foi, é e sempre será uma enorme influência para cantoras que pretendem fazer música introvertida baseada no violão e no piano. O lado jazzístico de Joni, que contou com músicos como Larry Carlton e Jaco Pastorius em seus discos, paira sobre Humanhood, novo disco do Weather Station, banda canadense comandada pela cantora, produtora e guitarrista Tamara Lindeman.
Como autora de todas as composições e “rosto” do Weather Station, Tamara constrói um som que é puro design musical, pura fotografia das sessões – soando em alguns momentos como um disco de jazz-folk produzido por Steve Albini, já que o saudoso produtor norte-americano espalhava microfones pelo estúdio, o que ajudava a capturar uma espécie de “alma” sonora. Em outros momentos, Humanhood ganha um aspecto progressivo, como na levemente dançante Neon signs, uma bela composição de rock com piano, violino e flauta, dotada de clima bruxuleante e dolorido. O mesmo acontece em Lonely, balada quase fantasmagórica, com a voz de Tamara quase despedaçando, num tom sussurrado, de recado dado no ouvido.
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O clima de Humanhood é um tanto pesado, abordando temas como dissociação, traumas e medos. Tamara diz coisas como “minha mente falhando/tendo pensamentos sombrios ultimamente/e talvez eu devesse admitir para alguém/que tenho me sentido isolada ultimamente” (na faixa-título) e dá voz à depressão e aos caos (em faixas como Neon signs e Sewing). Musicalmente, cantora e banda unem, em vários momentos, climas contemplativos a um subtexto pop. A faixa Mirror, por exemplo, lembra uma espécie de r&b folk, como se fosse um pop que poderia ser sintetizado, mas não é – e com um piano jazzístico hipnotizante.
Seguindo, Window é uma música contemplativa, mas quase dançante, feita com base especialmente em baixo, piano e bateria. Body moves tem som quase mágico, com instrumentos soando como ruídos à distância, ou o sol aparecendo pelas frestas da cortina – é um soul jazz com gravação e design musical fantásticos, e uma bateria soando como se estivesse sendo tocada na sua frente. Ribbon, com piano quase clássico na abertura, ganha ritmos incomuns que vão se transformando em algo próximo de uma balada anos 1970, só que com ritmos quebradiços. Nessa faixa, mais uma vez a bateria, além dos diálogos entre piano, percussão e voz, dão uma impressão de som vivo, feito na frente do ouvinte – o tipo de som que muita gente, nos anos 1980/1990, iria pegar CD e LP para comparar um com o outro.
Uma outra curiosidade em Humanhood é Irreversible damage, uma vinheta tamanho-família creditada à psicoterapeuta Erin Orsztynova – que fez também os vocais da faixa – tem voz, programação e ritmo meio incomuns, evocando Laurie Anderson e o Talking Heads da faixa Once in a lifetime. Dando um fecho art rock no álbum, Sewing é uma balada soul quase slienciosa, sussurrada, desembocando numa parte 2 cinematográfica e angelical. Uma nota de piano e alguns segundos de silêncio anunciam o fim da faixa, e do álbum. E esticam só um pouco a magia de Humanhood.
Nota: 9
Gravadora: Fat Possum Records
Lançamento: 17 de janeiro de 2025
RESENHA: Black Keys reage à crise com covers intensos e blues-rock sujo em Peaches!, disco que soa como ensaio, festa e sobrevivência.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 9
Gravadora: Easy Eye Sound / Warner
Lançamento: 1 de maio de 2026
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Das bandas que se destacaram no século 21, o Black Keys é a que mais dá a impressão de “olha só o que a gente andou fazendo quando você não estava olhando”: em 25 anos, Dan Auerbach e Patrick Carney gravaram 14 álbuns (compare com a discografia dos Strokes de 2001 para cá), excursionaram furiosamente, estabeleceram vários laços e praticamente criaram um estilo novo. Black Keys é basicamente um desdobre mauricinho do tesão guitarrístico-ambient dos White Stripes e do blues de garagem de Jon Spencer Blues Explosion – com alguns toques de amor hipster pelos vinis e por estética antiga, tanto de gravação / produção quanto de design.
O duo andou passando por momentos de desânimo, tanto emocional quanto financeiro. Após o lançamento do ótimo Ohio players (2024), Auerbach e Carney tiveram que enfrentar vendagens baixas, uma turnê pouco concorrida, cancelamento de shows, substituição de arenas por lugares menores, rompimento com os empresários. O ano seguinte viu nascer o razoável No rain, no flowers, justamente na época em que Auerbach cuidava do pai, que tinha sido diagnosticado com câncer de esôfago – e morreria em seguida. Peaches!, o novo disco, é uma tentativa de recobrar o ânimo, com um mergulho em suas discotecas pessoais e a regravação de várias pérolas das coleções deles.
- Contamos um pouco da história de Peaches! aqui.
Antes de mais nada, os Black Keys já têm um ótimo disco de covers, Delta kream, de 2021, focado no blues e na espontaneidade – foi gravado em dez horas de estúdio e, em onze faixas, reúne cinco composições do guitarrista de blues norte-americano Junior Kimbrough (1930-1998). O risco de Peaches! prometer muito e cumprir pouco até que existia, mas vai desaparecendo quando se percebe que o duo, mais uma vez, quis fazer um show no disco, e entregou recriações pesadas e intensas de músicas como Where there’s smoke, there’s fire (Willie Griffin), Stop arguing over me (Levester Carter) e It’s a dream (Charles Fisher Jr). Blues-rock lembrando às vezes o início do rock, ou apontando para bandas como Animals e Them (a primeira banda de Van Morrison).
Em vários momentos, Black Keys chegam a evocar bandas que viam o blues e o rock antigo por um viés punk – tipo George Thorogood and The Destroyers – e em Fireman ring the bell (F. R. Burnslide) algo aponta para um Led Zeppelin menos exuberante e mais despojado. Tomorrow night (outra de Junior Kimbough), rockão com cara blues, tem som verdadeiramente antigo, guitarras ótimas e sujeira de gravação ao vivo. No final, os sete minutos de Nobody but you baby (por sinal outra de Kimbrough) encantam: abrem com guitarra desavisadas que tentam achar espaço na música, prosseguem em clima de ensaio e desafio, e ganham ar glam por causa da percussão a la T Rex. Pode ouvir sem susto.
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RESENHA: Entre shoegaze e math rock, o Fib faz ruído acessível e torto em Heavy lifting, disco cheio de riffs quebrados e mudanças de clima.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Julia’s War
Lançamento: 25 de abril de 2025
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Demorou para abalar na redação do Pop Fantasma o som do Fib, uma banda da Filadélfia que costuma ser citada como mais uma ótima escolha para quem acompanha bandas ruidosas e surpreendentes, como They Are Gutting A Lot Of Water e Water From Your Eyes, além de grupos mais pesados como The Murder Capital e Metz.
Na real, em Heavy lifting, seu segundo álbum (lançado no ano passado), o Fib fica numa esquina entre shoegaze e math rock, com ritmos quebrados, sons chuvosos e mudanças de tom. As guitarras até emparedam às vezes, mas o principal é que tanto elas quanto os vocais e o baixo vão seguindo, tentando acompanhar as quebradeiras rítmicas. Mutuals e Say, que abrem o disco, são boas introduções para o mundo do Fib: guitarras ora ruidosas, ora tranquilas, ora circulando a música como um loop, e às vezes, várias partes.
Dotted line, por sua vez, abre com clima pós-punk e riff maníaco – vai ganhando mudanças de tom, viradas rítmicas e vocais tranquilos, e chega a parecer algo meio progressivo lá pelas tantas. O som do grupo ganha também climas entre o punk e a leve psicodelia (You ruined everything), estileira aproximada da Gang Of Four (Right out the window) e um clima meio slacker (em PS e Pictures of you).
Essa variedade, circulando em torno de vibrações do guitar rock, é a principal característica do Fib, mais uma banda a ensinar que a música estranha e ruidosa não só pode como deve ter beleza e acessibilidade. No fim, os sons propositalmente alterados de Real hit, e o punk de tom misterioso e experimental, entre math rock e no-wave, de Outro.
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RESENHA: No álbum Nos tempos do egoritmo, o Barba Rala mistura grunge, stoner e protesto em disco sobre redes sociais, alienação e farsas do cotidiano.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: Independente
Lançamento: 10 de abril de 2026
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Há alguns anos, várias bandas e artistas estavam adotando o pós-pandemia como tema – além das lembranças amargas do próprio confinamento. Mudou tudo e as preocupações começaram a ser outras: uma das principais é a vida do ser humano que passa o dia com a cara enfiada no celular, fuçando a vida alheia e vivendo quase sempre de superficialidades. Vindo de Santa Catarina, o Barba Rala é uma das bandas que já se adiantaram nesse assunto: Nos tempos do egoritmo, primeiro álbum completo do grupo, fuça temas como redes sociais, alienação e sacanagens da política, ao som de uma mistura de psicodelia, grunge e stoner rock.
- Ouvimos: American Football – American Football (LP4)
Muita coisa do som do Barba Rala alude ao rock alternativo dos anos 2000, ou da virada dos anos 1990 para os 2000 – faixas como A mentira bem contada, Transa (que entra numa onda samba-metal) e É bom ser nóis têm lembranças de bandas como Deftones e System Of a Down. O show vai começar, logo no começo, é uma das mais variadas: abre com guitarra cavalar, típica do heavy metal, e emenda num vocal mais ligado à MPB. A letra, que cita nomes de humoristas como Zacarias, Tiririca e Batoré, é a descrição de um circo em que tudo é farsa e as pessoas só enganam umas às outras – conhece algum mundo assim?
Entre letras de protesto (boas, por sinal, sem panfletarismo barato, e com pistas para o/a ouvinte desvendar) e temas motivacionais, o Barba Rala une hard rock e rap em Diamante e caviar, emenda no lado mais pesado do grunge em Melhor assim e faz um nu-metal típico em Paz. Mas une até samba, forró e metal na ótima Ser o que não é, e emenda pelo pós-hardcore em Cronofobia. Mandaram bem.
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Ouvimos: Black Keys – “Peaches!”
Ouvimos: Fib – “Heavy lifting”
Ouvimos: Barba Rala – “Nos tempos do egoritmo”
Ouvimos: Tomber Des Nues – “Tomber Des Nues” (EP)
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