Crítica
Ouvimos: “The age of pleasure”, de Janelle Monáe
- Apesar dos vinte anos de carreira, The age of pleasure é o quarto álbum de Janelle Monáe, cantora nascida em 1º de dezembro de 1985 em Kansas City. Nos dez primeiros anos, ela lançou demos e EPs, e seus álbuns costumam ter um espaço de tempo considerável entre um e outro.
- Janelle, ao trabalhar nas músicas, pensou como uma DJ: tocou as faixas para seus amigos em festas e foi vendo o que funcionava nas pistas. “Se eles não gostassem das músicas, elas não entrariam no disco”, conta, dizendo também que o disco é “uma trilha sonora para as belas pessoas negras e pardas em toda a diáspora”.
- “Espero que o disco encoraje as pessoas a encontrar prazeres simples. Para mim, às vezes é ler um livro antes das 6 da manhã, às vezes é dar uma festa e poder vir seco e sair molhado, beijar alguém que você acabou de conhecer, sabe?”, disse à Vogue.
- Uma das inspirações do espírito de The age of pleasure foram os eventos do Everyday People, grupo criador de festas que celebram a cultura negra e africana. Na vida pessoal, Janelle se assumiu como não-binária e declarou que esteve em relacionamentos poliamorosos.
Algumas coisas mudaram. Muitas coisas, pra dizer a verdade. The age of pleasure, o quarto disco de Janelle Monáe, é curto: são 14 músicas em pouco mais de trinta minutos, e algumas faixas são bem diminutas – álbuns anteriores costumavam passar de uma hora. O visual afrofuturista dos discos anteriores (bem como os smokings que ela costumava usar) foram sumindo com o tempo. A cantora continua sendo “um bebê de Prince com Erykah Badu nascido em Marte” (boa definição de Carmen Phillips no site Autostraddle), mas o clima é outro.
A grandeza de informações de discos como a estreia The ArchAndroid (2010) foi substituída por um discurso direto, sensual, mais perto de uma festa sensorial do que de um tratado musical afrofuturista, com faixas interligadas e “som contínuo”, quase como nos antigos discos da K Tel. Algo mais próximo da diversão e da identificação imediata com esse ou aquele som, e longe de qualquer complicação no design musical ou nas letras. O lado histórico e futurista está lá, mas sob outra ótica, com referências à cultura negra em meio a letras festeiras como a de Float e Champagne shit.
Janelle continua procurando inovar num estilo musical, o r&b, que se aproxima de uma verdadeira biblioteca musical. Só que deixou de lado todo e qualquer traço de nerdice artística (no melhor dos sentidos) de seus álbuns anteriores e abraçou o relaxamento da mescla de soul com reggae, em faixas boas de pista como Float, cuja letra fala sobre a própria mudança de perspectiva da cantora (“eu costumava entrar na sala de cabeça baixa/eu não ando, agora eu flutuo/flutuo”). E até a própria Lipstick lover, cujo clipe dá o clima “reality de pegação” da coisa toda, e em cuja melodia há referência incidental a Stevie Wonder (o refrão foi sampleado do hit For your love e ele é citado como um dos autores).
A voz de Janelle continua soando como a de uma cantora antiga redescoberta na era da música digital, até mesmo em músicas mais moderninhas como Phenomenal (que tem um dos melhores refrãos do disco), a sexy Haute, (que cita Moonage daydream, de David Bowie) e no reggaezinho Paid in pleasure. Ou em A dry red, um r&b de violão, cheio de riqueza musical, com letra romântica e sacana, fechando o disco em clima de fim de festa, com micropontos de psicodelia no final. Só que como a festa foi ótima, o final é bom e vem em hora adequada.
Gravadora: Wondaland/Bad Boy/Atlantic
Nota: 9
RESENHA: Arlomine une hardcore, garage e punk clássico em álbum curto e feroz, com ecos de D.R.I., Ramones, Cólera e Inocentes (é, ué!) e muita crítica social.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Independente
Lançamento: 26 de junho de 2026
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Francis Yashwa veio da Virginia e usa o codinome Arlomine para fazer um trabalho que é basicamente de punk radicalzão e garage beat, unindo climas sonoros que lembram D.R.I., Exploited e até os Ramones de discos como Rocket to Russia (1977) e Road to ruin (1978). Curto e grosso (nove faixas, a maior tem 1:50), Francis Frankenstein, com sua capa de HQ que mais lembra um disco de metal, é som e meteção de pau, em faixas como The man-made monster, How does it feel to be american e Blood from american imperialism.
- Ouvimos: Bleeder – Marble station (EP)
Muita coisa de Francis Frankenstein é associável ao clima do punk nacional dos anos 1980: Cólera, Inocentes (na fase Miséria e fome, 1983), só que com um pouco menos de lascação sonora. Tanto que há também a onda Ramones de Take it all e uma curiosa vinheta punk instrumental, Act like a rockstar. O repertório é complementado pela agilidade entre D.R.I. e GBH de faixas como ACAB 2 ME, Im gunna shoot me like a man, a energia grito-de-torcida de Bet a vet e as duas partes de Suicidal freak / 12 is watching me.
Francis diz que Francis Frankenstein deveria ter sido um disco maior: estava tentando compor 20 músicas, “mas minha guitarra quebrou” e saíram só as que estão no disco. “Aí eu fiquei quebrado e fiquei sem fazer música, mas curta esse álbum de qualquer jeito. É melhor que meu disco anterior, em minha opinião”. Punk!
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RESENHA: Normans revive o pós-punk com ecos de Joy Division, Killing Joke e The Cure, unindo sombras, riffs marcantes e clima gótico em Faust demonica.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: Solid Brass Records
Lançamento: 5 de junho de 2026
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Normans vem de Los Angeles e faz um revival pós-punk bastante fiel ao clima tenso de bandas como Joy Division e Killing Joke. Os riffs são simples e dominantes, o vocal é grave, e vibes herdadas do The Cure volta e meia também invadem Faust demonica, segundo álbum do grupo – como rola na exuberância dance-rocker de Destruction e no clima gótico de Gold.
Com baixo à frente e beats quase sempre marciais, o Normans promove um encontro entre a elegância e as sombras musicais em faixas como Urge to merge, Mexico unlimited e a faixa-título (cujos vocais e riffs têm algo de The Mission e U2). Broken moon é um curioso country gótico, com slide guitars e clima desértico – parece um som feito para ouvir na estrada, à noite. Mesmo com o clima pós-punk e com os sintetizadores, Riding horses in hell tem algo de stoner rock nas guitarras que parecem ter rotação alterada.
- E é isso: Vai ter New Order no Brasil! (só um show em SP)
The magic touch, no final, é psicodelia morosa com herança britpop, enquanto os quase seis minutos de Ankle biter vão da lisergia a um peso quase noise-rock, com diversas partes (e com mais do que apenas uma simples lembrança do Killing Joke). Descubra essa banda.
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RESENHA: Seek Validation Loop faz pós-punk e darkwave sem clichês, com clima oitentista, ecos de Depeche Mode e letras sobre redes sociais, memória e isolamento.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Independente
Lançamento: 26 de junho de 2026
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Esse duo italiano une pós-punk e darkwave e, de modo geral, recorre pouco aos vícios punk + metal presentes no som de bandas que juntam essas sonoridades. Seek Validation Loop é também um nome bastante criativo, aludindo ao ciclo de validação do qual ninguém consegue escapar nas redes sociais.
- Ouvimos: Castlebeat – Castlebeat II
Muita coisa do EP de estreia de Paola Torrisi e Alessandro Palazzo é bastante oitentista, como já rola na abertura, com o peso marcial e sombrio de One day less. Before I die abre com mais do que apenas uma recordação do Depeche Mode – embora os vocais cheios de eco de Paola tenham até um ar dream pop.
Dead letter põe voz feminina no clima grave e maquínico geralmente associado à darkwave, com uma letra que fala do peso dos desejos antigos guardados. O EP encerra com o punk gotico de No room for the rest e a frieza marcial de Cold reflection.
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Ouvimos: Arlomine – “Francis Frankenstein”
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