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Cultura Pop

Sete momentos em que não foi mole ser Chester Bennington

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Só os vocais isolados de Chester Bennington, em sete hits do Linkin Park

Você pode até não gostar do Linkin Park – muitos fãs de heavy metal torcem o nariz para o nu-metal do grupo – mas a banda é bastante inovadora. Seja pela aproximação do heavy metal com a música eletrônica, seja por ter levado a união de metal, hip hop e sons eletrônicos a outros níveis (diferentes do som industrial de Ministry e Nine Inch Nails e do metal-funk do Faith No More), o grupo teve grande importância como rito de passagem do rock da década de 1990 para o do novo milênio. Lançou discos clássicos como a estreia Hybrid theory (2000) e ultimamente vinha enfrentando uma batalha com críticos e alguns fãs por causa do álbum mais recente, One more light, lançado em 19 de maio e considerado mais pop e eletrônico que os antecessores. O vocalista Chester Bennington suicidou-se por enforcamento nesta quinta (20), mesmo dia do lançamento de mais um single retirado do disco, Talking to myself.

Chester não teve uma vida fácil: viveu a separação dos pais, situações de abuso de drogas, entrou em depressão. Em 2006 teve que optar entre continuar bebendo e viver, como afirmou em entrevistas. De uns tempos para cá, vinha enfrentando o desgaste físico das apresentações nos palcos: em 2007, abriu o pulso ao subir por uma plataforma num show, machucou-se seriamente, mas continuou no palco. Teve também problemas no tornozelo durante um jogo de basquete em 2015 e precisou cancelar uma turnê para operar e se recuperar. Abaixo, listamos sete situações em que, admitamos, não foi fácil ser Chester Benington. O que não justifica a ninguém tirar a própria vida, diga-se de passagem.

CHRIS CORNELL. A morte do vocalista do Soundgarden, em maio, deve ter mexido muito com a cabeça de Chester. Os dois eram muito amigos e o cantor do Linkin Park era padrinho de um de seus filhos. No enterro de Chris, como foi bastante divulgado nesta quinta (20), coube a Chester homenageá-lo cantando Hallelujah, de Leonard Cohen. O suicídio de Chester ocorreu justamente no dia em que Chris completaria 53 anos – e o cantor do Linkin Park matou-se da mesma maneira que o amigo, provocando seu próprio enforcamento. Em maio, Chester publicou em seu instagram uma carta de despedida para Chris, emocionadíssima, em que dizia ter sonhado com os Beatles, acordado com o hit Rocky Racoon tocando em sua mente e ter sido avisado por sua mulher da morte do amigo. “Sua voz era prazer e dor, raiva e perdão, amor e dores do coração, tudo numa coisa só. Suponho que seja o que todos nós somos. Você me ajudou a entender isso”.

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BOM DIA, TRISTEZA. O portal Team Rock foi bater na porta de Chester para ver como estava a vida, em dezembro, quando a banda estava perto de lançar o novo disco. O repórter ouviu dele que sucesso e felicidade não são sinônimos. “A ideia de que o sucesso é igual à felicidade me irrita. É uma curtição pensar que, só porque você é bem-sucedido, agora você é imune a toda a gama da experiência humana. Mas vemos também que não somos mais garotos, que não somos mais adolescentes com essa coisa da angústia, esse sentimento de ‘por que é que o mundo me angustia?’”, contou, “Quando falamos de letras, não podemos simplesmente voltar a sermos como aquele garoto irritado. Precisamos conversar sobre algo que faça sentido para nós, nos dias de hoje. Um dos temas que funcioam, que se estendem em diferentes áreas é ‘quais são as coisas pelas quais vale a pena lutar?’. Você pode encontrar muitas respostas diferentes: direitos humanos, liberdade, sua criatividade, sua identidade, encontrar sua voz, opressão – todas essas coisas acontecem em todo o mundo de forma constante, encontramos pessoas lutando contra elas e muitas vezes nós mesmos estamos nessa batalha”.

DROGAS. No mesmo papo com a Team Rock, Chester admitiu que ou parava com as drogas ou não estaria mais vivo. O grande susto aconteceu em 2006, quando decidiu se tratar. “Eu tomava dez ácidos por dia. Era tanto ácido que fico surpreso de ainda conseguir falar sobre isso! Eu poderia fumar um monte de crack, um piuco de metanfetamina e simplesmente me sentar, ficar doidão. E depois fumar um pouco de ópio para voltar à realidade. Eu cheguei a pesar 110 libras. Minha mãe me disse que eu parecia um sobrevivente de Auschwitz. Então eu usei comecei a fumar maconha para sair das drogas. Toda vez que eu tivesse vontade de usar drogas, fumava maconha”.

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FAMÍLIA. Filho de pais separados. Chester lembrou em várias entrevistas ter sofrido bullying extremo na escola, “apenas por ser magrinho e parecer diferente”. Sofreu abusos sexuais de um colega mais velho dos 7 aos 13 anos – disse em várias entrevistas que demorou a denunciar a situação por medo de que pensassem que ele era gay. Curiosamente, seu pai era um detetive que trabalhava com casos de pedofilia, mas nem a ele Chester animou-se de dizer o que acontecia, pelo menos não na época.

FOFOCAS. Alguns boatos circularam em torno de Chester em seus 17 anos de fama. Um deles é o de que teria feito uma cirurgia nas cordas vocais, desmentido pelo próprio no Twitter. O segundo é o de que ele seria filho de ninguém menos que Cher (!). Tem fã que até hoje pensa que isso é verdade. Uma teoria da conspiração que alguns fãs e não-fãs curtiram comentar na quinta é o fato de ele ter sido o segundo vocalista dos Stone Temple Pilots a morrer – Chester assumiu os vocais do grupo em 2013, quando o vocalista Scott Weiland (morto em 2015) não estava mais com eles. Gravou um EP com eles chamado High rise, mas a parceria não seguiu por causa da agenda do Linkin Park.

DISCO NOVO. Em março de 2017, Chester comentou no Twitter que os tempos de angústia adolescente já haviam passado e que ele não pretendia mais cantar sobre isso porque tinha 41 anos. O disco novo, One more light, vinha ganhando uma recepção bem estranha de fãs e críticos por causa de sua sonoridade bem mais pop e cada vez mais longe do som pesado. O músico chegou a afirmar que daria um soco na boca de quem os apelidasse de “vendidos” e mandou um “me esqueçam” para os fãs que ainda cobravam um retorno ao som pesado da primeira fase. “Ou você gosta da música ou não, e se você não gosta da música, porque você ouve isso e rola uma reação na base do: ‘Oh, não tem metal nela, então eu não gosto disso’… Tudo bem. Mas se você fala coisas como ‘esse disco veio de uma decisão de marketing para eles ganharem dinheiro’, você pode me esperar lá fora, que eu vou dar um soco na sua porra de boca. Essa resposta é uma merda, é errada”, falou à Kerrang!. Depois, pediu desculpas aos fãs em alguns tweets, após ser criticado até por colegas, como Corey Taylor, do Slipknot, que o aconselhou “agradecer pelo que tem” (por sinal, o mesmo Corey elogiou a mudança de som do disco, dizendo que “eles têm culhões para isso”).

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JARRO NA CABEÇA. No mês passado, um fã atirou um jarro de plástico (!) na direção de Chester quando a banda tocava Fever no festival Hellfest, na França. Chester pareceu ficar bem puto, começou a fazer sinais para o “fã” como se quisesse encará-lo, mas parou por aí. Depois, no Twitter, tentou rir da situação. “Alguém aí acha engraçado que as mesmas pessoas que chamam a gente de vendidos estão sugerindo que iríamos mudar nosso setlist para agradar ao Hellfest?”, disse, aproveitando para agradecer ao público da França.

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Pera, que história é essa do ecstasy ter feito 110 anos?

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Pera, que história é essa do ecstasy ter feito 110 anos?

A data tá passando batida até o momento e, como tudo que diz respeito ao assunto “drogas”, nada é tão exato assim, mas até mesmo os anais da ciência dão conta de que o MDMA – composto químico que, entre idas e vindas, é conhecido como ecstasy – completou 110 anos neste ano. Ao que consta, os  arquivos da Merck dão conta de que o composto 3,4- Metilenodioximetanfetamina foi sintetizado pela primeira vez nos laboratórios da empresa em 1912.

Segundo o texto The origin of MDMA (ecstasy) revisited: the true story reconstructed from the original documents, de três cientistas alemães, dois documentos encontrados nos arquivos da Merck dão conta disso – um deles é o Relatório Anual de 1912, do laboratório científico da Merck. Apesar de ter surgido a ideia de usá-lo de maneira medicinal como inibidor de apetite, não havia nenhuma indicação nesses documentos de que isso poderia acontecer. Quem sintetizou a substância foi um químico chamado Anton Köllisch, mas a patente do MDMA só veio mesmo em 2014.

“Na especificação da patente, o MDMA apareceu apenas como fórmula química e no relatório anual foi referido como Metilsafrilamina. O pano de fundo preciso para a primeira síntese de MDMA foi que a Merck queria encontrar e patentear caminhos que levassem a substâncias hemostáticas (para acabar com hemorragias), não a supressores de apetite”, diz o texto.

Uma curiosidade sobre o MDMA, e tem um texto enorme do site Ciência Psicodélica explicando isso, é que até os anos 1970 não haviam sido feitas experiências em humanos com a substância. Nos anos 1950, a Universidade de Michigan realizou experimentos com MDMA em parceria com o Exército dos Estados Unidos, mas tudo foi realizado em cinco espécies diferentes de animais. Entre 1975 e 1976, um químico norte-americano chamado Alexander Shulgin (1925 – 2014) fez sessões de experiências com MDMA em pessoas próximas e publicou artigos a respeito. Shulgin, considerado o “padrinho do ecstasy”, deu uma entrevista para a Wired em 2002 lembrando a época em que deu uma dimensão científica ao estudo sobre a substância, e reclamando do uso que considerava inapropriado (por frequentadores de raves, festas, etc) de uma de suas maiores ferramentas de pesquisa.

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Em 1976, foi a vez de Leo Zeff (1912-1988), terapeuta junguiano de Oakland, Califórnia, introduzir a substância no contexto da psicoterapia. Zeff, que tinha sido tenente-coronel do Exército dos EUA, já havia feito tentativas com o LSD no trabalho terapêutico, administrando uma dose aos seus pacientes,  que ficavam ouvindo música de olhos vendados. Zeff foi apresentado ao MDMA pelo próprio Shulgin e tentou usá-lo para fortalecer o vínculo terapêutico – chegou a apelidar a droga de “Adão”, já que acreditava que ela levava o ser humano à inocência dos primórdios. Já o 3,4-metilenodioxietilanfetamina (MDEA) era chamado de “Eva”.

Milhares de textos espalhados pela web, uns bons, outros ruins, mostram que o MDMA, até ser popularizado na forma de comprimido e ganhar o apelido de ecstasy, tem muita história. Os causos da época em que ele começou a se popularizar entre os frequentadores da noite em Manchester, Londres e outros cantos da Inglaterra, ocupam páginas e mais páginas. Surgiu como uma espécie de “verão do amor” interminável (já que dura até hoje), e até hoje, precisa de muito estudo e informação (e redução de danos).

Uma curiosidade sobre esse começo da onda de ecstasy é que o New Order havia feito uma canção chamada Ecstasy, no disco Power, corruption and lies, de 1983. Não apenas a música não tinha nada a ver com o assunto “drogas”, como o New Order nem sabia o que era ecstasy. Nessa época, o grupo foi fazer um show em Dallas e foi relaxar num clube, quando soube pelos promotores do show que uma turma da série de TV Dallas também estava indo com a turma para descolar ecstasy na casa noturna. “Ecstasy? O que é isso?”, perguntou o quarteto.

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Bermard Sumner, cantor do New Order, arriscou certa vez uma explicação sobre porque é que o ecstasy e a acid house (subgênero supostamente “psicodélico” da house music) eram tão interligados. “Os sons abafados de baixo, que eram a marca registrada do estilo, soavam fantásticos com uma dose de E, acho”, recordou. Faz todo sentido. No Brasil, o termo “acid house” ficou popularizado

Em 1988, já com a cena da Inglaterra tomada por casas que tocavam house music, os novos tempos e o ecstasy foram responsáveis por mudanças básicas em pelo menos uma banda: o Primal Scream, um grupo de jangle-pop meio sem rumo, que iniciaria a caminhada que daria em seu terceiro álbum, Screamadelica (1991). Loaded, o primeiro single ligado ao disco, saiu em 1990 e foi chamado pela revista Muzik de “Sympathy for the devil da geração ecstasy”. Seja como for, de lá para cá, e mais ainda de 1912 para cá, o crescimento do ecstasy deu em novas percepções sobre a cultura de drogas, novas visões sobre o dia a dia do usuário recreativo, novas nomenclaturas e variações (como o MD, conhecido como “a droga do amor”) e… como sempre acontece nesse casos, muita necessidade de informação.

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E saiu 1979, o livro!

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E saiu 1979, o livro

O ano de 1979 veio como uma virada na música popular brasileira, trazendo pelo menos um grande festival de música (o da TV Tupi, por sinal um ano antes dela sair do ar), algumas estreias em disco (a de Marina Lima com Simples como fogo,  e o disco epônimo do Boca Livre, por exemplo), a eclosão de um grande movimento (a vanguarda paulista) e vários nomes emplacando músicas no rádio – Fagner, Gal Costa, Rita Lee, Fabio Jr, Ivan Lins, muita gente.

Roberto Carlos já era rei havia bastante tempo e não tinha muita coisa ameaçando o reinado dele – músicas como Na paz do seu sorriso e Desabafo tocariam nas rádios e conquistariam os fãs como sempre. Chegando perto de ameaçar o cantor, só mesmo a onda de canto feminino que invadiria as rádios naquele momento. Maria Bethânia conseguiria vendagens excelentes com o romântico Mel, lançado naquele ano.

Foi um ano decisivo para a produção independente na música brasileira, com muitos discos saindo por intermédio de pequenos selos, ou de iniciativas de artistas. De modo geral ainda era simultaneamente cedo e tarde para falar em “rock brasileiro”. Isso por não havia mais aquela movimentação dos anos 1970, e muitas bandas que fariam sucesso após 1982 nem sequer existiam ainda. O que tinha era o 14 Bis lançando o primeiro disco, Rita Lee virando mania e Raul Seixas em baixa com Por quem os sinos dobram.

Músicos como Herbert Vianna, Renato Russo e Arnaldo Antunes ainda estavam nas garagens ou envolvidos em outros projetos pós-adolescentes. Quem tinha uma cópia importada estalando de nova de Unknown pleasures, do Joy Division, lançado naquele ano, estava umas vinte casas à frente no tabuleiro pop – fãs “moderninhos” de música internacional estavam escutando The Clash, The Police ou reggae.

Isso aí é só um resuminho bem humilde do que você vai encontrar no livro 1979 – O ano que ressignificou a MPB (Ed. Garota FM Books), organizado por Celio Albuquerque, que também já havia feito um livro parecido sobre o ano de 1973, O ano que reinventou a MPB. O livro de 1979 tem cem autores falando sobre cem discos lançados naquele ano, além de textos especiais contextualizando a música brasileira de 1979.

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Entre os colaboradores, tem Chris Fuscaldo, Silvio Essinger, Carlos Eduardo Lima, Bento Araújo, Roberto Muggiatti, Luiz Felipe Carneiro, Lorena Calabria, Daniella Zupo, Gilberto Porcidonio, Kamille Viola, Leandro Souto Maior. Músicos como Marlon Sette, Moacyr Luz e Rildo Hora também estão na lista de autores, falando sobre discos importantes das suas vidas. Na lista, entre outros, álbuns de Angela Ro Ro, Azymuth, Baby Consuelo, Milton Nascimento, Roberto Carlos, Maria Bethânia, Marku Ribas, Elomar, Jorge Ben, Gal Costa, Gretchen, Ronaldo Resedá, Sá & Guarabyra.

Aliás, eu também sou um dos colaboradores e estou no livro falando sobre o segundo disco de Fabio Jr, epônimo, lançado em 1979 – o disco que tem Pai, o maior sucesso da vida dele como autor, e uma música que demorou até fazer sucesso de verdade, e passou por um momentinho de descrédito (leia sobre isso no meu texto).

O livro já chegou na mão da turma que apoiou o crowdfunding e em breve, vai ganhar evento de lançamento e chegar pra todo mundo que estiver a fim de conhecer a música brasileira lançada naquele ano. Ficou um livro bem grande, bem variado (da MPB mais regional à pós-disco music) e bem honesto, como a música de 1979.

(Fotos: Aline Haluch)

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E os 35 anos de Document, do R.E.M.?

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E os 35 anos de Document, do R.E.M.?

Conheci Life’s rich pageant (1986), quarto disco do R.E.M., e Document (1987), o quinto disco, praticamente juntos. Daí até hoje, mesmo sendo discos conceitualmente separados por vários aspectos, só consigo vê-los como sendo interligados.

Life’s ainda é mais sujinho na produção, mas já intenso e variado musicalmente. Document, que completa 35 anos em 31 de agosto, já traz o grupo de Michael Stipe (voz), Peter Buck (guitarra), Mike Mills (baixo) e Bill Berry (bateria) focalizando cada vez mais o lado sessentista e ensolarado de sua música – um lado que sempre esteve lá, desde o começo, ainda que mais envolto em sombras nos primeiros álbuns.

Document marca também a entrada, no dia a dia do quarteto, de um engenheiro de som experiente, que começara a produzir havia poucos anos, e que a partir desse disco produziria vários clássicos do grupo. Scott Litt tinha sido produtor de uma banda amiga do quarteto, The dB, e começou os trabalhos com o R.E.M. quando o grupo fez Romance para a trilha do filme Paixão eterna, de Alan Rudolph.

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Juntos, fizeram as primeiras demos, e logo o novo disco do grupo foi surgindo, com o objetivo de mostrar o R.E.M. com uma banda que, além de ser boa de palco, dava shows nos discos. Sim, porque Peter Buck chegou a dizer à Rolling Stone que a banda queria, mais do que tudo, fazer um disco que soasse como ao-vivo-no-estúdio. “Um disco solto, estranho, com uma postura mais dura”, disse o guitarrista, que sabe-se lá o motivo, via Life’s como “um disco do Bryan Adams”.

Mais do que ajudar o R.E.M. a fazer um excelente disco, Litt ajudou o grupo a quebrar o sistema, reescrever a história do rock e (claro, por que não?) fazer dinheiro – e não custa lembrar, Document é o disco de The one I loveIt’s the end of the world as we know it (And I feel fine). Honrando a tradição dos músicos honestos armados de boas canções (à maneira de Byrds, Bob Dylan e Joni Mitchell), o grupo já fazia  bastante sucesso antes desse LP. Praticamente tudo da banda vendera mais de 500 mil cópias até então.

Mas Document foi o disco que vendeu mais de um milhão de cópias, pôs nos ouvidos dos fãs canções que já nasciam clássicas, e ainda por cima ensinou algumas lições à I.R.S., selo da banda. “Em praticamente todos os discos que entregamos à gravadora, ouvimos opiniões externas de que ‘este é o disco que vai levar vocês à falência’”, contou Buck no papo com a Rolling Stone.

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O R.E.M pegava em fios de alta tensão desde sempre, mas o clima de guerra do governo Ronald Reagan e os ares da década perdida (para os países latinos) estavam pairando no estúdio na era de Document. Tanto que era também o disco de Exhuming McCarthy, que lembrava do cão-fila anticomunista Joseph McCarthy, e falava que a caça às bruxas dos anos 1950 não estava tão distante assim. “É exatamente o que parece – são os anos oitenta, e McCarthy está voltando, então por que não desenterrá-lo?”, contava Buck.

Até o momento, era o disco que melhor valorizava os versos do vocalista e a combinação de letra-e-música das canções, ainda que alguns álbuns anteriores (como Reckoning, de 1983, de So. Central Rain) fossem páreo duro. Com fama de detalhista e de atento ao mercado, Litt deu à voz de Stipe um volume e uma dinâmica inauditos até então, em plena conformidade com o fato do R.E.M ir muito além do pós-punk e ameaçar uma new wave pesada em músicas como Finest worksong. E em pleno acordo com o clima tranquilo de folk rocks modernizados como Welcome to the occupation (cuja letra fala sobre intervenção do governo Reagan na América do Sul e América Central), ou com o tom meio Kinks da própria Exhuming McCarthy.

Havia ainda Disturbance at the Heron House, uma visão muito pessoal do cantor sobre o livro A revolução dos bichos, de George Orwell, e que já havia ganhado múltiplas interpretações até que Stipe explicasse a letra, anos depois. Strange, um punk rock lascado da banda britânica Wire (do LP Pink flag, de 1977), ganhava uma versão quase power pop. The one I love e It’s the end of the world… foram as primeiras músicas que muitos fãs brasileiros do R.E.M. escutaram em suas vidas – numa época em que, diz a velha lenda, locutores de FMs falavam “rem”, sem soletrar, para que o público não entendesse algo como “I am” (eu sou) e procurasse nas lojas o disco de uma banda que não existia.

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Document é mais que um grande disco. É um estudo de caso, uma demonstração do por quê do R.E.M. ter conseguido ao longo de sua carreira, simultaneamente, fazer um som “fora de moda” e tocar quase tantos corações quanto Madonna. Doses quase iguais de mistério, talento, suor e atenção aos sinais contaram para isso, na hora de escrever letras, músicas, dar entrevistas e dialogar com um mercado cada vez mais exigente. Mas havia muita coisa a vislumbrar ali, e ninguém adota impunemente um nome como R.E.M. (rapid eye movement, a fase do sono na qual os sonhos aparecem). Algo que ficaria claro alguns anos depois.

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