RESENHA: Em O my beloved, o Kings of Leon troca o rock de arena pelo country-rock, com influências de folk e indie e letras sobre família, amor e passagem do tempo.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 8
Gravadora: LoveTap Records / Virgin
Lançamento: 6 de novembro de 2026

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Tava na hora do Kings of Leon abandonar o sucesso fácil e se preocupar com o quentinho no coração. Se os fãs da fase inicial dos Followill (os irmãos Nathan, Caleb e Jared, além do primo Matthew) se sentiram abandonados com a ascensão comercial da banda, O my beloved tem seus argumentos: o grupo deixa de ser uma máquina de cuspir sucessos de arena para encarar um country-rock íntimo, com violões, melodias tranquilas e letras sobre família, amor e passagem do tempo. É um som mais rico e delicado, com uma despreocupação com refrãos e facilidades que não existia nem nos primeiros discos.

O my beloved não é um álbum gospel, apesar do título e da criação pentecostal dos irmãos, filhos de um pastor – o nome da banda, por sinal, homenageia o avô Leon, igualmente pastor e missionário. Tá mais para um disco para ouvir em família, mesmo que a sua família passe longe da configuração defendida pelos conservadores. O grupo se voltou para suas raízes sulistas e parece fazer o som que gostaria de ouvir, sem precisar ficar calculando a reação das rádios ou das plateias de arena.

Tem letras bobas no disco? Não: o Kings of Leon parece maduro ao falar da liberdade da infância (Koysar), de gratidão (My whole world) e da família como cobertor de afeto e apoio (Rose). Cold blue dawn recupera visitas de Caleb a Graceland, antiga casa de Elvis Presley, e aproxima os sonhos de criança dos lados bons e ruins do sucesso. Sobrou alguma coisa para o numeroso público do grupo? Bom, The hand, com slide guitar, violão e clima folk, renderia um ótimo tema de novela de Manoel Carlos. Já Forever endeavour surpreende com guitarras atmosféricas que chegam perto do shoegaze – e com climas próximos do indie dos anos 1980. E ainda ganha um clima celestial quando entra o piano.

Essa aproximação com outras turmas rende mais do que a simples troca do amplificador pelo violão. A delicadeza tem mais efeito quando os arranjos encontram um desvio, em vez de só baixar o volume. Make it count tem algo de Cure na escolha dos acordes e até nos vocais, naquele encontro de tristeza e alegria que Robert Smith conhece bem. Feel the love lembra o country-rock indie e noturno dos Thrills, embora sem a mesma beleza, e encontra guitarras dobradas à Thin Lizzy pelo caminho.

Warm company é das melhores: a slide guitar puxa o rock sulista para um terreno contemplativo, com lembranças de Lynyrd Skynyrd e Pink Floyd. Pretty thing dispensa a batida forte e conserva um violão abafado, quase doméstico, até o lindo encontro com a guitarra no final. Get you down tem algo de The Verve ou Radiohead, mas é só impressão inicial – o tratamento country e as guitarras espalhadas pelos canais vão levando a música para longe.

Só que voltar às origens não resolve tudo. Blue jeans and diamonds parece esconder Use somebody debaixo de cordas e melancolia montanhesa, e entrega pouco. Dependendo da hora em que você for ouvir, tanta contemplação pesa: os assuntos se repetem, os andamentos se acomodam e o disco fica monótono. O Kings of Leon não virou uma grande banda folk ou country de uma hora para outra. Mas encontrou uma maneira de envelhecer que rende bem mais do que outro refrão pronto para encarar um estádio.

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RESENHA: Em O laço da cobra, Dadá Joãozinho cria uma ópera-rock-MPB sobre identidade, desejo e liberdade, com samba, maracatu, eletrônica e participações especiais.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 8,5
Gravadora: Coala Records
Lançamento: 25 de setembro de 2026

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O laço da cobra, segundo álbum solo de dadá Joãozinho, é uma ópera-rock-MPB, dividida em atos – mas dá para entrar sem ler o programa, já que o disco tem uma estrutura parecida com a dos discos conceituais-sem-conceito, tipo Ziggy Stardust, de David Bowie, em que o ouvinte pode até completar trechos. A história de Cobra Rara, sujeito às voltas com identidade, desejo e masculinidade, aparece em músicas que misturam samba, bolero, maracatu e eletrônica. A produção é cheia de detalhes, mas deixa espaço para as vozes e para os assuntos irem se seguindo, em meio a participações de amigos como Nina Maia, Ana Frango Elétrico, Jadsa e Samuel de Saboia.

Logo depois das cordas e vozes de Não para, vem o lado intérprete de Dadá em Nunca vi você tão triste, samba de Monarco e Ratinho, conhecido na voz de Zeca Pagodinho. O piano e a grandiloquência das cordas lembram Benito di Paula, enquanto a percussão encaminha tudo para o samba-reggae. A lembrança da música rende um dos melhores beats que Dadá já gravou e mostra um intérprete que sabe valorizar a conversa da letra.

Mais caro vai além: guitarra com efeito, violão, maracatu, funk e rap vão se encontrando numa música sobre transformar o que acontece na rua e em casa em som. O sax acrescenta algo daquela MPB que conversava com o jazz nos anos 1970 e 1980. O avô Pedro participa cantando um pedaço do bolero La barca, com um conselho para não naufragar na vida.

Muda tudo de lugar trata da confusão entre amizade e amor num bolero atravessado por beats de maracatu e teclados quase ambient. Golpe da coca continua esse movimento, acrescentando uma voz em francês, toques sombrios e algo de trap. As batidas crescem sem atropelar a canção, e as passagens de um ritmo para outro parecem prolongar o assunto – curioso que se trata da letra que mais deixa perguntas na cabeça de quem ouve (que golpe é esse? como rolou?). Nesse quesito, até faz falta que O laço da cobra tenha mais músicas e uma duração maior (são só 22 minutos).

Se existe um conceito no disco, é a vontade de sair, procurar liberdade e sobreviver – um tema que chega a Boca do rio, com vibe herdada do reggae e teclados quase orquestrais, e uma letra em que o procedimento de fuga vira escolha pela sobrevivência. Noche de luna llena é o lado Kraftwerk do disco, com teclados mágicos e em clima de videogame, em meio a partículas rítmicas. O rio não volta atrás fecha a travessia em clima kraut-rap, experimental e hipnótico – com uma letra que passa rapidamente do amor e do desejo para os mistérios da existência. No geral, um disco que pega pela identificação com a busca de liberdade – e que traz as gravações mais bem produzidas e acabadas que Dadá lançou até hoje.

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RESENHA: Em Pepo, segundo álbum de Pedro Lanches, o músico mistura emo, pós-punk e shoegaze em canções sobre ansiedade, memórias e relações amorosas mal resolvidas.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 8,5
Gravadora: Matraca Records / YB Music
Lançamento: 12 de novembro de 2026

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Chorar na mureta do Parque da Cidade enquanto uma banda cover de Red Hot Chili Peppers toca o álbum Blood Sugar Sex Magik (1991) inteiro: Brasília, parceria com Ale Sater (Terno Rei), já renderia uma crônica sem precisar de música. Mas as guitarras intermitentes e a melodia entre The Cure e She Wants Revenge dão movimento à cena. É uma boa entrada para Pepo, segundo disco de Pedro Lanches, em que lembranças, relações mal resolvidas e versões passadas de si próprio (além de lugares nos quais você não cabe mais) encontram um rock de guitarras tão bonito quanto desconsolado.

As letras têm sentimentos e situações abordados de forma indireta, até que de repente surge uma frase mais direta (e mais sofrida) em algum momento — uma espécie de loud-quiet-loud lírico. Toda vez que ele sai faz isso com uma situação amorosa bem pouco confortável, sobre uma base de pós-punk oitentista atravessada pelo emo. Correntes, com Marilia Jonas (Jonabug), aproxima essa tristeza do shoegaze e encontra uma frase que dispensa explicação: “não me sinto bem em nenhum lugar”.

O som também sabe apertar o cerco. Ano par corre com guitarras que lembram Sonic Youth e Sugar, enquanto Meu namoro é um museu trabalha o abatimento com timbres que chegam perto do nu metal, embora a composição permaneça no emocore. A terra é plana tem quebras rítmicas que trazem algo do pós-hardcore e daquela liberdade que o Turnstile vem levando ao gênero. Depois entram violão e piano, e a música ganha um desenvolvimento quase progressivo. A ansiedade continua ali, à espera do próximo dia de trabalho ou estudo – mesmo quando o arranjo leva a faixa pra um lugar bem tranquilo.

Na faixa-título, o riff pesado acompanha as recordações até tudo ficar mais distorcido, sombrio e maltratado na gravação. Felizes juntos, com Pedro Acosta (Bella e o Olmo da Bruxa), termina de desmontar qualquer expectativa romântica sugerida pelo nome, entre guitarras enevoadas e gritos. Pedro canta sobre aquilo que continua ocupando espaço depois que uma relação acaba. E o barulho indica o tamanho do estrago. Ficou bem legal.

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