Crítica
Ouvimos: Sleater-Kinney, “Little rope”
- Little rope é o décimo-quarto álbum do Sleater-Kinney, uma banda de Olympia, Washington, identificada com o movimento riot grrl, e formada hoje pela dupla Carrie Brownstein e Corey Tucker (ambas vocais, guitarra e composições). O disco foi produzido por John Congleton.
- A inspiração de Little rope veio de um acontecimento bastante triste na vida de Carrie, que perdeu mãe e padrasto num acidente de automóvel ano passado, quando os dois passavam férias na Itália. Os esboços do disco já estavam traçados, e a dupla continuou trabalhando neles. O álbum acabou tratando de “como navegamos no luto”.
- O álbum marca a estreia da banda no selo Loma Vista, criado pelo executivo Tom Whalley (ex-Warner e Interscope), e que já teve Marilyn Manson no elenco – o músico foi chutado da gravadora após surgirem alegações de abuso sexual.
O Sleater-Kinney foi feito, criado e pensado para soar fora dos padrões. Se o rock sempre foi um universo machista e falocêntrico, lá vinha uma banda de mulheres atualizando estilos como a no wave e o pós-punk, colocando música num universo onde o importante era recriar coisas. Recriar a dinâmica nos relacionamentos (Be yr mama, do primeiro disco, Sleater-Kinney, de 1995, era sobre isso), a carga mental diária (tem muito disso em The drama you’ve been craving, do clássico Dig me out, de 1997) e em especial o lugar da mulher na história do rock. Uma banda bastante mobilizada e politizada, difícil de comparar até mesmo com outros grupos femininos da época, como Hole e Babes In Toyland, fazendo cair em desgraça qualquer jornalista que tentasse unir “bandas de mulheres” em reportagens e listas.
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Little rope é complicado igualmente de comparar com os discos anteriores do grupo. Carrie Brownstein e Corey Tucker voltam mexendo em climas bem mais sombrios – a capa é quase tão pop-de-terror quanto a de The visitors, último disco do ABBA (1981), o tom das músicas é bem mais sinistro, a história por trás do disco justifica tudo. Mas vendo pelo aspecto “rádio rock” da coisa, é um disco bem mais acessível a futuros/futuras fãs do que o anterior, Path of wellness (2021), musicalmente e tematicamente. Soa quase como um recomeço, um disco para reapresentar uma banda experiente ao mercado.
O tema principal do disco é a finitude, a superação diante de tragédias pessoais e partidas bruscas – surge em todas as letras e em alguns climas melódicos. Say it like you mean it é uma tentativa de diálogo com alguém que está morrendo, Hunt you down fala sobre libertação de medos (“aquilo que você mais teme irá caçar você”, diz o refrão), Six mistakes fala sobre feminilidade e envelhecimento, Hell traz uma visão particular sobre o que é morrer e partir pra um lugar bem estranho. Não por acaso, o disco valoriza uma espécie de peso sombrio, que serve como chave de entendimento de quase todo o repertório – é algo que sempre rolou de uma forma ou de outra na música feita por elas, mas que aqui ganha outro sentido, e mais foco, em riffs, melodias e design sonoro.
Nota: 9
Gravadora: Loma Vista.
Foto: Reprodução da capa do álbum.
RESENHA: Sutiã Rasgado mistura darkwave, pós-punk e punk em Trash meninas, EP que vai do etéreo ao peso com letras de desilusão e autoafirmação.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Independente
Lançamento: 30 de maio de 2025
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Duo feminino de Campinas (SP), o Sutiã Rasgado lançou ano passado o EP Trash meninas e o single Ilusão – e são uma banda que vai do clima etéreo ao peso punk em poucos minutos. Na verdade, é exatamente esse o caminho que elas fazem em Trash meninas: Again, a faixa de abertura, tem onda darkwave e baixo lembrando Joy Division, além de um beat de máquina. Like a shot tem estileira doce, guitarras bem simples e legais, e um som que lembra bandas como The Chameleons, The Sundays e a fase mais seca e nervosa do The Cure.
- Ouvimos: Sutil Modelo Novo – Corre errado (EP)
Gênio ganha mais distorções, uma letra de desilusão amorosa em português e um clima entre o pós-punk e o jangle pop. A faixa-título encerra o EP migrando pro punk com riffs pesados – já a letra fala de autoafirmação feminina, mas conceitua o nome da banda falando que nem sempre as coisas são leves na vida (“às vezes eu me sinto um sutiã rasgado / uma calcinha larga ou um sapato usado / uma sola descolada, uma roupa com amassos”).
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RESENHA: Truckfighters mistura stoner, metal e riffs sabbathianos em Masterflow, disco que promete caos, mas segura a explosão.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 7
Gravadora: Fuzzorama Records
Lançamento: 10 de abril de 2026
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Banda sueca de stoner rock que existe há 25 anos, mas tem discografia pequena, o Truckfighters volta com o sexto (!) disco, Masterflow, apelando para os prazeres broncos logo na capa – a lata de um líquido que poderia ser um lubrificante para automóveis diz mais a respeito de Ozo (voz, baixo) e Dango (guitarra) do que qualquer outra coisa. A frase “balance between discipline and freedom” (balanço entre disciplina e liberdade) diz igualmente muito sobre o caráter pesado e, às vezes, improvisado, do stoner que segue as receitas de bandas como o Kyuss: uma vibe sabbathiana, cheia de riffs e com som de alta octanagem.
Essas são a receita e a vibe geral, mas Masterflow é (vá lá) uma propaganda meio enganosa. Começa com o som cromado de Old big eye e The bliss, músicas que dão a impressão de que tudo vai sair do controle, entre metal, punk e stoner, e em meio a guitarras que rugem e rangem. O problema é que nada sai tanto assim do controle, ainda que depois venham os seis minutos e meio de Carver, som com vibração de Hawkwind.
O Truckfighters é mais interessante quando explode, o que torna faixas como Truce, com certa vibe oitentista (tem momentos em que lembra U2 e até The Cure), a faixa-título (um introspectivo tema instrumental) e Goin’ home em experiências meio chatinhas. Sem tentar dar uma de heróis do som pesado e apostando numa receita cheia de riffs, eles ainda assustam no clima cerimonial de Gath e na onda The Cult + Stooges de The gorgon. Uma viagem sonora que promete e às vezes cumpre, no geral.
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RESENHA: Jambu troca o pop noventista por emo, grunge e pós-punk em Cartas que escrevi enquanto sonhava, EP intenso, sentimental e cheio de guitarras marcantes.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 7,5
Gravadora: Deck
Lançamento: 22 de maio de 2026
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Mudaram algumas coisas no som da banda manauara Jambu – ou melhor, a mudança foi geral. Manauero, o álbum anterior (resenhado aqui, e que ganhou edição deluxe recentemente), era tão pop que chegava a lembrar o som dos discos da Sony Music nos anos 1990. O EP Cartas que escrevi enquanto sonhava mostra uma face mais roqueira do trio, entre emo, grunge, climas pós-punk e algumas trevas nas letras – como a de Invisível, indie rock anos 2000 salpicado de tristeza emo, cuja letra diz “me sinto invisível, sozinho neste mundo”.
Cartas é uma nova fase da banda, em que Gabriel Mar (voz e guitarra), Roberto “Bob” Freire (guitarra) e Yasmin “ysmn” Moura (bateria e voz) fazem um som bem mais sentimental em que as guitarras estão na frente. A vibe pop do disco anterior dava um pouco mais de distinção ao som do grupo, importante dizer. Mas o mergulho no peso e na intensidade rendeu pelo menos dois sons que grudam no ouvido: a balada Carne e osso (com vocais bem bonitos) e as surpresas melódicas de Desconectou, que tem algumas lembranças de Foo Fighters. Já Desculpa, a segunda música, tem muito do indie britânico dos anos 2000.
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Ouvimos: Sutiã Rasgado – “Trash meninas” (EP)
Ouvimos: Truckfighters – “Masterflow”
Ouvimos: Jambu – “Cartas que escrevi enquanto sonhava” (EP)
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