Crítica
Ouvimos: Liam Gallagher & John Squire
- Liam Gallagher & John Squire é o disco que reúne ex-cantor do Oasis (Liam) e o ex-guitarrista dos Stone Roses e do Seahorses (John). É o primeiro disco de Squire com seu nome a sair em vinte anos – o anterior foi o segundo álbum solo, Marshall’s house, de 2004. Já Liam vinha dando andamento à sua carreira solo após o fim de sua banda pós-Oasis, Beady Eye.
- Num papo com a Radio X há um mês, Squire afirmou que os fãs deveriam esperar “grandeza” do disco. Liam definiu o disco como uma mistura de “canções que fazem você querer chutar alguém na canela, canções que fazem você querer sair e festejar, e canções que fazem você querer sentar em casa, pensar em algo bom e chorar um pouco”. “One day at a time é uma música boa para atirar cadeiras pela janela num salloon do velho oeste”, atalhou Squire.
- Liam garantiu que na turnê do álbum não rola material do Oasis, nem dos projetos anteriores dos dois. “Só material do disco e talvez umas covers”, contou.
Como já dizia a velha piada de um humorista televisivo (talvez o Ary Toledo, o Ronald Golias ou o Tiririca): “Eu já tentei fugir de mim mesmo, mas onde eu ia eu tava”. É quase a mesma coisa que acontece com esse disco unindo dois dos maiores nomes da história do rock britânico mais recente. Liam Gallagher (Oasis) e John Squire (Stone Roses, Seahorses), se tentassem fugir de si próprios, só conseguiriam encontrar a mesma mescla de referências que marcou o trabalho de suas ex-bandas.
Antes de mais nada, é bom informar: o som que você vai escutar em Liam Gallagher & John Squire é bom. Muito bom, por sinal. Pelo menos dois amigos meus concluíram que os singles lançados previamente não davam conta da qualidade do álbum, e isso é uma verdade. Inovação, aqui, não tem nenhuma: a própria vontade de não inovar já é um atração do disco – e não custa citar que, se o disco fosse feito por outros artistas que não fossem os dois envolvidos, muita coisa desse álbum pareceria forçada demais.
A curiosidade no disco da dupla é que em vez da obsessão com Beatles da discografia do Oasis, Liam e John entraram em estúdio com vontade de imitar o que pudessem dos Rolling Stones pós-anos 1970. Embora tenham misturado tudo com a mania de querer parecer um pouco com os quatro de Liverpool – especialmente com a era do White album, de 1968.
Os dois copiaram principalmente os fraseados de guitarra de Keith Richards (que introduzem algumas faixas), além de algumas batidas lembrando Charlie Watts. Mas o álbum tem músicas como Mother’s nature song (referência a Mother’s nature son, do White album) e I’m so bored (chupando I’m so tired, do mesmo disco). Tem Mars to Liverpool (note o nome), em clima flower power que une os Stones de Sticky fingers aos Beatles pós-1967.
Já I’m a wheel põe sujeira sonora num blues que imita as tentativas de Mick Jagger, Keith Richards e cia de fazerem blues com guitarras, mas sem soarem “pesados”. E quem quer mais pirataria para cima dos Beatles, pode conferir Just another rainbow, um assalto à introdução e às linhas de baixo de Rain, single do quarteto de 1966.
Como o material todo do álbum foi composto por John Squire (não há nenhuma parceria dos dois), não custa citar que até mesmo as linhas vocais de Liam lembram as do vocalista Chris Helme nos Seahorses. Mas de modo geral, se você quiser imaginar John Lennon gravando um disco com os Rolling Stones, e tentando soar como o Oasis e o próprio Seahorses (!), Liam Gallagher & John Squire é esse furo no espaço e no tempo aí.
Nota: 8,5
Gravadora: Warner
Foto: Reprodução da capa do álbum.
RESENHA: The City Gates mistura pós-punk, darkwave e shoegaze em Chimera, álbum de clima sombrio, introspectivo e ecos de Joy Division e The Cure.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: Velouria Recordz
Lançamento: 15 de maio de 2026
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Essa banda tem visual de metaleiros “sensíveis” (ou de stoners estilosos, vá lá). Os canadenses do The City Gates fazem um som que classificam de post-punk-gaze (dispensa tradução), e que caminha bem perto da boa e velha darkwave – aliás, Chimera é um nome bem nessa onda “misteriosa”, e batiza o terceiro LP deles.
- Ouvimos: Normans – Faust demonica
Chimera é baseado numa receita musical que, em alguns momentos, faz lembrar um stonergaze (ih, rapaz), por causa do tom gravemente darkwave de Mayfly e Radium love, canções quase cerimoniais – mas que vão na cola dos riffs e do tom marcial de bandas como The Sound e Joy Division. The great devourer, aberta com um synth-cello misterioso, inicia o álbum evocando The Cure na era Disintegration (1989). Pilgrimage tem vocal tranquilo e clima gótico + pós-punk leve. E há muito de Talk Talk e do já citado The Sound em Sing coven sing, som de época.
O pós-punk belo e clássico de It’s a violent life e Silence of her fate encerra o disco. E nas letras, Chimera é um disco que apela para impulsos e prisões mentais – aqueles momentos em que todo mundo parece tão perto e tão longe de tudo, como no romance com data de validade de Radium love.
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RESENHA: Charli XCX faz um pop sombrio e cinematográfico em Wuthering heights, trilha que… aponta novos rumos para sua carreira? Ou não?
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: Atlantic
Lançamento: 13 de fevereiro de 2026
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Quer um mapa confiável para entender o que vai rolar em Music, fashion, film, próximo disco de Charli XCX? Nem pense que a trilha de O morro dos ventos uivantes (Wuthering heights, filme de Emerald Fennell) pode te ajudar – até porque essa trilha e todos os projetos recentes de Charli foram surgindo ao mesmo tempo, no processo de transformação dela em arquiteta pop, e ela provavelmente pensou em uma arquitetura diferente para cada um deles.
No máximo dá pra dizer que Wuthering heights é um ótimo disco de transição, que faz a passagem do hyperpop de Brat (2024) para outra coisa – lembrando que já havia muita introversão em True romance (2013), disco de estreia dela, e sempre houve darkismos na discografia de Charli. Agora, as atenções estão voltadas para o fato de que Wuthering é um disco que deixa os darkismos à mostra. A começar pela mistura de música sombria e peso atmosférico de House, gravada com John Cale (com a viola elétrica dele).
Antes de tudo, Wuthering heights dá o prazer de ver uma trilha sendo composta exclusivamente para um filme, sem reaproveitamentos de catálogos ou canções tiktokeadas e relembradas. Mais que isso: Charli criou um disco próprio, que vai além de uma trilha sonora funcional. Os vocais aludem a sensibilidades que não são costumeiramente associadas a Charli, em meio a cordas e climas vertiginosos (Wall of sound), dance music orquestral e sombria (Dying for you), synth pop (Out of myself) e vibes que lembram Cocteau Twins e Kate Bush (Always everywhere, Chains of love, Open up).
- Mais Music, fashion, film no Pop Fantasma aqui.
Em alguns casos, não chega a ser algo 100% novo na obra dela, mas são os momentos mais introvertidos e sombrios reunidos. O clima dançante e quase country pop de Seeing things tem bastante a ver com discos anteriores dela, bem como o pop sombrio de Altars – mas o entorno mudou, a quantidade de elementos sonoros em volta é bem outra. Completando, tem o dream pop “atmosférico” de Eyes of the world (com Sky Ferreira), o soft rock eletronificado de My reminder e o tom crescente, da tranquilidade à distorção de guerra-de-volume, de Funny mouth.
Charli mudou, mas o principal é sua transformação em esteta pop, vários anos depois de iniciar carreira musical. Tanto que ela se tornou uma daquelas artistas cujos passos são acompanháveis como uma série. O próximo lance depois de Wuthering heights é Music, fashion, film – além de seus projetos no cinema.
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RESENHA: Arlomine une hardcore, garage e punk clássico em álbum curto e feroz, com ecos de D.R.I., Ramones, Cólera e Inocentes (é, ué!) e muita crítica social.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Independente
Lançamento: 26 de junho de 2026
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Francis Yashwa veio da Virginia e usa o codinome Arlomine para fazer um trabalho que é basicamente de punk radicalzão e garage beat, unindo climas sonoros que lembram D.R.I., Exploited e até os Ramones de discos como Rocket to Russia (1977) e Road to ruin (1978). Curto e grosso (nove faixas, a maior tem 1:50), Francis Frankenstein, com sua capa de HQ que mais lembra um disco de metal, é som e meteção de pau, em faixas como The man-made monster, How does it feel to be american e Blood from american imperialism.
- Ouvimos: Bleeder – Marble station (EP)
Muita coisa de Francis Frankenstein é associável ao clima do punk nacional dos anos 1980: Cólera, Inocentes (na fase Miséria e fome, 1983), só que com um pouco menos de lascação sonora. Tanto que há também a onda Ramones de Take it all e uma curiosa vinheta punk instrumental, Act like a rockstar. O repertório é complementado pela agilidade entre D.R.I. e GBH de faixas como ACAB 2 ME, Im gunna shoot me like a man, a energia grito-de-torcida de Bet a vet e as duas partes de Suicidal freak / 12 is watching me.
Francis diz que Francis Frankenstein deveria ter sido um disco maior: estava tentando compor 20 músicas, “mas minha guitarra quebrou” e saíram só as que estão no disco. “Aí eu fiquei quebrado e fiquei sem fazer música, mas curta esse álbum de qualquer jeito. É melhor que meu disco anterior, em minha opinião”. Punk!
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Ouvimos: The City Gates – “Chimera”
Ouvimos: Charli XCX – “Wuthering heights” (trilha sonora original)
Ouvimos: Arlomine – “Francis Frankenstein”
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