Crítica
Ouvimos: Lemonheads – “Love chant”
RESENHA: Love chant, novo disco dos Lemonheads, traz Evan Dando afetuoso e direto: rock sem rótulos, memória, amizade e dor, com simplicidade que ilumina até as canções mais sombrias.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 9
Gravadora: Fire Records
Lançamento: 24 de outubro de 2025
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“A estratégia da vida é que ela acaba antes que você perceba”, diz Evan Dando, líder dos Lemonheads, em Togetherness is all I’m after, uma das faixas mais luminosas desde Love chant, novo disco da banda – já nem tão novo assim, mas novidade aqui no Pop Fantasma. O álbum está repleto dessas tiradas típicas dele, sendo que até mesmo o que à primeira vista não prece fazer tanto sentido – como a letra da ótima Marauders – acaba surgindo como afeto e como memória.
O “canto de amor” do disco fala sobre a importância dos amigos, sobre marginalidade, redenção, sensações de dor (que surgem encapsuladas no vocais de faixas como In the margin e Wild thing). A simpática 58 second song, um power pop delicado, com linguagem folk e estileira de Hüsker Dü e Buzzcocks, traz várias constatações sobre a vida que poderiam estar numa HQ do Peanuts ou de Calvin e Haroldo (“de todas as coisas que nunca são ditas / ninguém sabe o que elas nunca quiseram dizer”, diz um dos versos).
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Isso está bem longe de ser uma crítica negativa, vale dizer. Essa simplicidade quase infantil acaba até aliviando canções doloridas como Deep end, um power pop funkeado, com participação de Juliana Hatfield nos vocais de apoio e J. Mascis na guitarra. E uma letra que fala em temas como cocaína, estado de coma, dor de dente (lembra que Dando veio ao Brasil, entre outros motivos, atrás de tratamento dentário?), tratamentos médicos, etc.
Musicalmente, Love chant é um daqueles discos que pedem a simples definição de “rock”, sem subgêneros. Climas ligados a artistas como Rolling Stones, Tom Petty e Creedence Clearwater Revival surgem em músicas como In the margin e Be-in. Mas Evan e seus colaboradores ainda deixam baixar algo próximo do Clash na sessentista Cell phone blues, e o cantor ainda consegue soar meio parecido com Tom Waits no folk The key of victory, canção sobre amizades perdidas (“a vida é muito curta para viver uma mentira brilhante / e no grande esquema das coisas / podemos seguir caminhos separados”).
A sonoridade de Love chant também para algo entre stoner rock e glam em Togetherness is all I’m after, e para emanações de Joy Division e Psychedelic Furs na faixa-título – uma faixa sombria e simples, lembrando uma vinheta esticada, cuja letra é quase 100% composta por repetições do verso “diga a eles o caminho”. No fim, Love chant é música, memória e propósito.
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RESENHAS: Em Existence is bliss, o Deadletter mistura pós-punk, stoner e jazz torto, entre peso, teatralidade e ecos de Brian Eno e Peter Hammill.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 9
Gravadora: So Recordings
Lançamento: 27 de fevereiro de 2026
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Vindo da Inglaterra, o Deadletter é uma banda de pós-punk. Só que no segundo disco, Existence is bliss, eles jogaram de vez o manual no lixo: o grupo do vocalista Zac Lawrence se tornou a mescla exata de pós-punk, stoner, jazz-rock malucão e alguns vapores do progressivo. Tanto que fãs de discos como Here come the warm jets (Brian Eno, 1974) e Nadir’s big chance (a virada pré-punk de Peter Hammill, vocalista da banda prog Van Der Graaf Generator, 1975) vão achar muita diversão por aqui.
Não é só isso: fãs de bandas como Suicide, Wire e Swans vão gostar bastante de Existence, ainda mais levando em conta que Zac, quase sempre, soa como um Ian Curtis (Joy Division) elegante, que teatraliza as músicas e canta as letras mais cruas como se fossem poemas enxertados nas músicas. Purity I abre exatamente nessa onda, dando espaço à estranha mescla de jazz espiritualista e pós-punk sofisticado, com sopros e violão, de To the brim. Os ruídos de guitarra de Songless bird parecem emular um animal, e são seguidos por uma condução casca-grossa de baixo e bateria.
- Ouvimos: Josh Freese – Just a minute vol. 2
Esse contraste entre climas etéreos e uma onda pós-punk (que faz lembrar bastante também bandas como o Talk Talk) dá uma boa cara própria para Existence is bliss, disco que une climas pesados, solos de saxofone e os vocais empostados de Zac. Músicas como It comes creeping e What the world missed têm fantasmagoria e peso, enquanto Among us, uma espécie de stoner elegante, chega a lembrar o glam rock em tons graves e distorcidos do Cake. Curiosamente, (Back to) the scene of the crime, com clima quase pré-punk e riff carne-de-pescoço na abertura, ganha um improvável clima romântico por causa dos metais.
As lembranças de Peter Hammill e Brian Eno ressurgem com intensidade no trio final de músicas: o stoner gelado e sofisticado de Frosted class, o pós-punk He, himself and him e as mumunhas quase progressivas, e sombrias, de Meanwhile in a paralell. Caso típico de disco novo feito de olho na história.
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RESENHA: Gary Wilson transforma esquisitice em arte: No álbum lo-fi Come on, Mary, mistura soul, psicodelia e yacht rock com memórias de tempos idos.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 7
Gravadora: Cleopatra Records
Lançamento: 13 de junho de 2025
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“Se você não aborrecer as pessoas, não estará fazendo seu trabalho direito”. O músico norte-americano Gary Wilson costuma contar que aos 14 anos, em 1969, foi parar na casa do compositor de vanguarda John Cage e este foi um dos valiosos conselhos que recebeu dele.
Por causa disso, Gary decidiu abandonar sua banda de rock e iniciou uma carreira solo em que, no palco, passava o tempo todo coberto com máscaras coladas com fita adesiva, fazendo muito barulho com seus teclados e manipulando substâncias como sangue falso e farinha (!).
Essa loucura total gerou seus dois primeiros discos, Another galaxy (1974) e o cultuado You think you really know me (1977) – este, uma folia soul-jazzístico-espacial com letras esquisitas e vocais bem esquisitos, como se Gary estivesse prestes a ter um surto.
Artistas como Beck e Earl Sweatshirt descobriram You think, fizeram samples e cataram referências dele, o que gerou curiosidade sobre o paradeiro de Gary, que estava sumido. Aliás, tão sumido que, no começo dos anos 2000, o selo Motel Records, pensando em reeditar You think, botou um detetive atrás dele. Gary, que não tinha nenhum telefone (nem celular nem fixo), foi achado, liberou a reedição para o selo e voltou a fazer shows, para a alegria de seus fãs.
Vai daí que de lá pra cá, Gary vem se animando a lançar discos novos, e a parada do momento é Come on, Mary, disco totalmente lo-fi e psicodélico feito em homenagem a uma paixão antiga (platônica?) dele, a tal da Mary. “Num lugar chamado espaço sideral. No verão, Mary pegava o ônibus e vinha me visitar. Eu ainda sonho com Mary”, diz ele.
O disco em homenagem a Mary tem city pop amedrontador (Lisa wants to talk to you), balada com cara de Barry White (é Feel the breeze – só que as cordas comuns aos hits de Barry são trocadas por teclados) e a maior especialidade de Gary, que é yacht rock estranho.
Esse clima rola em faixas como Come on Mary, As I walk the night, Run through the woods e I woke up into a thousand dreams, além das lembranças de Wings e Crowded House de Mary, won’t you dance for me. Memória, poesia e estranhice juntas.
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RESENHA: No EP Neurose, a banda Madremonte faz punk garageiro cru, entre Ramones, Iggy e letras irônicas do cotidiano.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 7,5
Gravadora: Independente
Lançamento: 6 de fevereiro de 2026
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O Madremonte vem de São José dos Campos (SP) e vai na contramão das ondas “emo caipira” e shoegaze dos dias de hoje: no EP Neurose, faz punk, pós-punk e até pré-punk, tudo filtrado pelo garage rock e por referências que lembram Ramones e Iggy Pop. Lembra até Kinks, como na zoeira Cancelaram o Carnaval, música cuja letra cita um hipotético momento em que William Bonner anunciou o cancelamento da festa no Jornal Nacional e, a partir daí, rolou de tudo – até queda na bolsa.
Todo dia a mesma coisa tem lembranças de Ramones e letra falando sobre um dia a dia em que você nem pode morrer em paz porque “vai trabalhar”. Prato principal lembra que num cardápio qualquer de restaurante, a morte está sendo servida, em meio a clima Stooges e vocais quase falados. Mais uma dose e Disfuncional (“outra vítima de um lar disfuncional / pressentindo o começo do final”) investem no grito e na inquietude vindos do punk. Já Toda forma de errar é o lado Red Hot Chili Peppers do grupo e do disco, com groove e clima de rock clássico.
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