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Cultura Pop

E os 35 anos de Faith, de George Michael?

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E os 35 anos de Faith, estreia solo de George Michael?

Para quem não é fã (ainda) de George Michael, curte histórias um tanto quanto tortas da música pop, e quer conhecer Faith, seu primeiro disco solo (lançado em 30 de outubro de 1987), uma boa introdução é tentar entender o que foi acontecendo com a carreira do cantor entre os anos 1980 e 1990. Ao lançar o segundo álbum, Listen without prejudice volume 1 (1990), Michael radicalizou. Concedeu apenas seis entrevistas promocionais para divulgar o álbum. Anunciou o lançamento de uma biografia, Bare, escrita por Tony Parsons, para esclarecer boatos que eram publicados a todo momento pela imprensa britânica (sobre casos amorosos, homossexualidade, uso de drogas, etc).

O novo disco era mais pra baixo, menos dançante, não tinha foto de George Michael na capa, e ele não aparecia nos clipes de Praying for time e Freedom 90. Nesse último, aliás, várias supermodelos dublavam a letra, e vários ícones ligados à época de Faith eram incinerados e destruídos, como o violão de George. O clipe abria com a visão interna de um moderníssimo aparelho de CD, assim como o de Faith começava com o rolar de discos numa jukebox.

Em tempos de moralismo imenso, George contou, nas poucas entrevistas que deu em 1990, a respeito do uso de ecstasy (um escândalo na época). Também brindava repórteres com declarações ora bastante lúcidas a respeito do mercado da música, ora autorreferentes e meio soberbas (“não há quem possa competir comigo”, disse, provavelmente esquecendo de Madonna, Prince, Michael Jackson e até da vocação de seu próprio país para produzir surpresas pop).

>>> Aliás, temos um episódio do nosso podcast Pop Fantasma Documento sobre George Michael. Ouça aqui.

Poderia ter sido algo no qual David Bowie assinaria embaixo. A ideia, bastante clara, era chamar a atenção para a música de George Michael, não para a imagem – muito embora, homens e mulheres de todas as idades jamais tenham esquecido as várias modelos encenando Freedom. E chamava até mais atenção para Faith, disco de estreia no qual o ex-Wham agia como controlador de todos os processos, numa dedicação de fazer Todd Rundgren morrer de inveja.

Tido como um cantor sem substância, como um personagem de tabloides, ou um ícone bombado pela MTV por radicais fãs britânicos de rock, Michael compôs e produziu todo o material de sua estreia solo, trabalhou e retrabalhou todas as faixas ao longo de um ano, fez arranjos e tocou vários instrumentos. O “ouça sem preconceitos” do segundo disco poderia servir para embandeirar canções que há estavam no mercado havia três anos. Mas já não era necessário, porque Faith havia sido um sucesso monumental. Número um na parada Billboard 200, singles como Father figure e Faith alcançando o número um nas paradas, a imagem de Michael com um violão, posando ao lado de uma jukebox, entrando para a iconografia pop rapidamente.

Faith era um disco de r&b com letras confessionais, sexuais e inconclusivas. Cada letra do álbum soava como um personagem diferente ligado à vida e à imagem recém-construída de George Michael, com tons andróginos surgindo aqui e ali – na época, Michael tinha uma namorada e se considerava bissexual, embora mantivesse o assunto em sigilo. O gospel Father figure, com versos como “eu serei sua figura paterna/serei seu pregador e professor” mexia quase nos mesmos vespeiros de Like a prayer, de Madonna, e tinha sido criado originalmente como uma faixa mais dançante do que se ouve no disco. O single Faith, aberto com um riff de órgão, unia fé, amor e perdas de uma maneira que deixaria Marvin Gaye impressionado.

As duas partes de I want your sex, cuja letra era uma espécie de hino à monogamia, vieram de experiências de estúdio com baterias eletrônicas, e de um redesenho numa música que inicialmente seria bem mais acelerada. Acabou virando um r&b gospel turbinado, a cara da dance music do fim dos anos 1980, um som que fãs de Mick Jagger e futuros adoradores de Come together, do Primal Scream, só estranhariam se fossem (enfim) preconceituosos. Já a balada One more try, concebida e finalizada em oito horas (!), revisitava antigas feridas emocionais. Influências de Prince podiam ser achadas em Hard day e Monkey. E o jazz Kissing a fool, que quase foi o título do disco – e encerrava o álbum – trazia George lidando com a fama e a busca de um novo amor.

Mesmo querendo que o ouvissem com mais atenção, Michael não poderia nem reclamar da crítica musical, que aderiu a Faith de cara, pelo menos nos Estados Unidos – já em seu país, o cantor reclamava de ter sido tratado como “um cantorzinho pop peso leve”. Mas George enfrentou censura nas rádios por causa de I want your sex (anunciada por alguns radialistas apenas na base do “vamos ouvir a nova música de George Michael”) e, devido às letras mais ou menos bem endereçadas de Faith, estava mesmo enfrentando mais intromissões em sua vida pessoal do que podia aguentar.

O sucesso do primeiro disco acabaria redefinindo uma série de detalhes em sua carreira. E é a partir do primeiro álbum que se deve entender verdadeiramente tudo o que moveria George Michael a partir de então. Ouça no volume máximo.

Cultura Pop

Relembrando: Built To Spill e Caustic Resin, “Built to spill caustic resin” (1995)

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Relembrando: "Built to spill caustic resin", Built To Spill e Caustic Resin

Built To Spill e Caustic Resin são duas bandas bem desafiadoras do rock independente norte-americano, ambas vindas de um local pouco usual em se tratando da história do rock (a cidade de Boise, em Idaho), e que permaneceram ligadas por um bom tempo. A primeira, uma multi-formação liderada eternamente pelo músico Doug Martsch, caminhou entre o guitar rock, o punk e o slacker rock (aquele estilo despojado, geralmente usado para classificar o Pavement). A segunda, contando com relativamente poucas mudanças de line-up, dedicou-se a um “metal alternativo” mais próximo de Neil Young, do Grateful Dead e do Velvet Underground do que das noções comuns de música pesada.

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Como costuma acontecer com bandas-irmãs, uma delas foi para cantos um tanto quanto diferentes da outra. O BTP, que, durante shows recentes na América Latina, chegou a contar com dois músicos brasileiros (o baixista João Casaes e o baterista Lê Almeida), foi contratado da grandalhona Warner por duas décadas e fez turnês extensas. O Caustic Resin, que não grava desde 2003 e em tese, está em hiato, passou boa parte do tempo contratado do selo indie californiano Alias.

Em 1995, pouco antes do Built To Spill partir rumo a Warner e deixar o selo Up Records, de Seattle (por onde o Caustic Resin também havia passado), as duas bandas se juntaram num EP igualmente lançado pela Up. A junção dos nomes das duas bandas no título fez o EP se chamar literalmente Built to spill caustic resin (“construído para derramar resina cáustica”, em português), o que já dava uma imagem do aspecto corrosivo que a música poderia ter. Na formação, Doug (voz e guitarra) ao lado de dois integrantes do Caustic, James Dillion (bateria) e Tom Romich (baixo), além de um membro comum às duas bandas (Brett Nelson, voz e guitarra).

O EP reúne em quatro faixas as características das duas bandas: os ganchos musicais do Built e as viagens sonoras pesadas do Caustic. Duas das faixas, a irônica When not being stupid is not enough e She’s real, são bem extensas. Na prática, boa parte do material tem até mais a ver com o som que o Built vinha fazendo em sua primeira fase, de discos como a estreia Ultimate alternative wavers (1993), que tinha músicas repletas de partes diferentes. Mesmo quando surge uma música creditada ao Caustic e que tem bastante a cara deles, a psicodélica e gritada Shit brown eyes. O longo power pop She’s real, que encerra o disquinho lembrando uma versão zoada do Weezer, é creditado ao músico e artista visual Tae Won Yu, e foi composto quando ele fazia parte da banda indie Kicking Giant, liderada pela musicista Rachel Carns.

Mesmo sendo um EPzinho independente e, de certa forma, restrito, Built to spill caustic resin teve lá sua cota de problemas. A foto da capa, trazendo ovos de peixe e duas simpáticas larvinhas, teve que ser mudada assim que o autor da imagem descobriu o disco. Já a história da Up Records, que lançou discos de artistas como Quasi, Tad e Modest Mouse, durou até o licenciamento de seu catálogo para a Sub Pop, em 2018.

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Relembrando: Interpol, “Turn on the bright lights” (2002)

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E os 20 anos de Turn On The Bright Lights, estreia do Interpol?

Mal dá para crer que a banda novaiorquina Interpol não chegou a ter problemas com a organização policial americana. Mais inacreditável ainda é a lembrança de que o grupo fazia shows concorridíssimos no começo da carreira, quando eram estudantes universitários, mas não tinha um nome. Ao optarem por Interpol, justamente no comecinho da web 2.0, Paul Banks (voz, guitarra, hoje baixista), Sam Fogarino (bateria), Daniel Kessler (guitarra solo, voz) e Carlos D (baixo) não escaparam de receber várias mensagens por engano, de gente que pensava mesmo estar falando com a polícia americana, e não com uma banda iniciante (há um tempinho, isso rolou de novo, e no Brasil).

“Recebi alguns e-mails sérios sobre pessoas que se perderam, que outras pessoas estavam tentando encontrar, ou e-mails sobre golpes em que as pessoas caíram”, contou Kessler ao Pitchfork em janeiro de 2003, poucos meses após lançarem a estreia Turn on the bright lights (de 20 de agosto de 2002). “Um dos e-mails foi ‘meu carro foi roubado’”, contou.

A estreia do Interpol devolvia ao cenário novaiorquino muitas das influências que bandas como Velvet Underground tiveram sob os grupos ingleses. Em pleno retorno da sonoridade do pós-punk, marcada pela chegada ao mercado americano de bandas como Strokes, o Interpol assemelhava-se a bandas como Joy Division, Echo and The Bunnymen e nomes mais recentes como Ride.

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Os vocais de Banks, mesmo sendo mais empostados, são até hoje bastante comparados aos de Ian Curtis, e no disco do Interpol havia Obstacle 1 e Obstacle 2 como havia Exercise one na obra do JD. A canção da banda inglesa era bem mais assustadora do que o pós-punk marcial e volumoso do Interpol, claro, mas a letra de Obstacle 1 é igualmente sombria (“você vai se esfaquear no pescoço/mas é diferente agora que estou pobre e envelhecendo/nunca mais verei esse lugar”).

Havia muito ali também de bandas geralmente pouco comentadas, como The Sound (o clima cavernoso dos vocais e das melodias era herdeiro direto deles). A paixão de alguns integrantes do Interpol por música eletrônica fazia com que Turn on the bright lights fosse um disco cheio de climas diferentes, e que funcionasse como um relógio. embora a estreia da banda fosse bastante orgânica, maturada pelo uso do estúdio como um instrumento musical,  durante seis semanas de isolamento.

Untitled surgia em tom de abertura de filme, preparando o ouvinte para músicas como Obstacle 1, NYC (uma balada shoegaze que mostra o lado sombrio da “cidade que nunca dorme” e que cita o título do disco), PDA (a canção mais ligada ao rock de Manchester já produzida por uma banda americana), Stella was a diver and she was always down (essa poderia estar no Heaven up here, segundo LP do Echo and The Bunnymen). Tudo em Turn on tinha um certo ar de desilusão com as luzes de Nova York, um sentimento que fazia todo sentido no pós-11 de setembro.

Há quem defenda que Turn on the bright lights acaba na nona faixa, a ágil e meio punk Roland, com letra sanguinolenta falando sobre um açougueiro polonês que seccionava pessoas – um personagem aparentemente de ficção, mas que dizem ter sido inspirado no assassino americano Richard Kuklinski, morto em 2006. Os próprios integrantes viam The new e Leif Erikson, as duas verdadeiras últimas músicas, como separadas do disco – a última, em particular, soa como um pop sessentista sombrio, herdado do Velvet Underground e de Nico, encerrado por uma parede de guitarra e voz.

A estreia do Interpol foi um excelente exercício, que gerou imediatamente um grande prosseguimento, Antics (2004), e um disco mais controverso e um tanto mais sombrio, Our love to admire (2007). E a história do Interpol continua, com a banda reduzida ao trio Paul Banks, Daniel Kessler e Sam Fogarino. Rolou inclusive uma vinda há algumas semanas ao Brasil.

Ah, sim: quando o disco completou 20 anos, a banda pôs no YouTube o vídeo de divulgação do álbum, lançado na época apenas como um EPK para a imprensa. Pode ser visto abaixo.

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No nosso podcast, o começo dos Stone Temple Pilots

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No nosso podcast, o começo dos Stone Temple Pilots

Não era nada fácil ser integrante dos Stone Temple Pilots nos anos 1990. Os discos vendiam e os shows lotavam, mas não havia muito respeito da crítica, e a cada disco parecia sempre que uma nova chance estava sendo dada ao grupo de Scott Weiland, Dean DeLeo, Robert DeLeo e Eric Kretz. Pior: de tempos em tempos, as turnês eram canceladas e a banda tinha que parar tudo, já que Scott volta e meia precisava encarar uma internação para reabilitação.

Hoje a gente dá uma volta no tempo e faz um sobrevoo no começo do STP. Falamos de tudo (ou quase tudo) que estava acontecendo na vida deles, e damos uma olhada por trás dos discos Core (1992), Purple (1994) e Tiny music: Songs from the Vatican gift shop (1996). E encerramos essa temporada do nosso podcast, o Pop Fantasma Documento, falando de uma das nossas bandas preferidas.

Século 21 no podcast: Billy Tibbals e A Última Gangue.

Estamos no Castbox, no Mixcloud, no Spotify, no Deezer e no Google Podcasts. 

Edição, roteiro, narração, pesquisa: Ricardo Schott. Identidade visual: Aline Haluch (foto: Divulgação). Trilha sonora: Leandro Souto Maior. Vinheta de abertura: Renato Vilarouca. Estamos aqui de quinze em quinze dias, às sextas! Apoie a gente em apoia.se/popfantasma.

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