Cultura Pop
E os 35 anos de Faith, de George Michael?
Para quem não é fã (ainda) de George Michael, curte histórias um tanto quanto tortas da música pop, e quer conhecer Faith, seu primeiro disco solo (lançado em 30 de outubro de 1987), uma boa introdução é tentar entender o que foi acontecendo com a carreira do cantor entre os anos 1980 e 1990. Ao lançar o segundo álbum, Listen without prejudice volume 1 (1990), Michael radicalizou. Concedeu apenas seis entrevistas promocionais para divulgar o álbum. Anunciou o lançamento de uma biografia, Bare, escrita por Tony Parsons, para esclarecer boatos que eram publicados a todo momento pela imprensa britânica (sobre casos amorosos, homossexualidade, uso de drogas, etc).
O novo disco era mais pra baixo, menos dançante, não tinha foto de George Michael na capa, e ele não aparecia nos clipes de Praying for time e Freedom 90. Nesse último, aliás, várias supermodelos dublavam a letra, e vários ícones ligados à época de Faith eram incinerados e destruídos, como o violão de George. O clipe abria com a visão interna de um moderníssimo aparelho de CD, assim como o de Faith começava com o rolar de discos numa jukebox.
Em tempos de moralismo imenso, George contou, nas poucas entrevistas que deu em 1990, a respeito do uso de ecstasy (um escândalo na época). Também brindava repórteres com declarações ora bastante lúcidas a respeito do mercado da música, ora autorreferentes e meio soberbas (“não há quem possa competir comigo”, disse, provavelmente esquecendo de Madonna, Prince, Michael Jackson e até da vocação de seu próprio país para produzir surpresas pop).
>>> Aliás, temos um episódio do nosso podcast Pop Fantasma Documento sobre George Michael. Ouça aqui.
Poderia ter sido algo no qual David Bowie assinaria embaixo. A ideia, bastante clara, era chamar a atenção para a música de George Michael, não para a imagem – muito embora, homens e mulheres de todas as idades jamais tenham esquecido as várias modelos encenando Freedom. E chamava até mais atenção para Faith, disco de estreia no qual o ex-Wham agia como controlador de todos os processos, numa dedicação de fazer Todd Rundgren morrer de inveja.
Tido como um cantor sem substância, como um personagem de tabloides, ou um ícone bombado pela MTV por radicais fãs britânicos de rock, Michael compôs e produziu todo o material de sua estreia solo, trabalhou e retrabalhou todas as faixas ao longo de um ano, fez arranjos e tocou vários instrumentos. O “ouça sem preconceitos” do segundo disco poderia servir para embandeirar canções que há estavam no mercado havia três anos. Mas já não era necessário, porque Faith havia sido um sucesso monumental. Número um na parada Billboard 200, singles como Father figure e Faith alcançando o número um nas paradas, a imagem de Michael com um violão, posando ao lado de uma jukebox, entrando para a iconografia pop rapidamente.
Faith era um disco de r&b com letras confessionais, sexuais e inconclusivas. Cada letra do álbum soava como um personagem diferente ligado à vida e à imagem recém-construída de George Michael, com tons andróginos surgindo aqui e ali – na época, Michael tinha uma namorada e se considerava bissexual, embora mantivesse o assunto em sigilo. O gospel Father figure, com versos como “eu serei sua figura paterna/serei seu pregador e professor” mexia quase nos mesmos vespeiros de Like a prayer, de Madonna, e tinha sido criado originalmente como uma faixa mais dançante do que se ouve no disco. O single Faith, aberto com um riff de órgão, unia fé, amor e perdas de uma maneira que deixaria Marvin Gaye impressionado.
As duas partes de I want your sex, cuja letra era uma espécie de hino à monogamia, vieram de experiências de estúdio com baterias eletrônicas, e de um redesenho numa música que inicialmente seria bem mais acelerada. Acabou virando um r&b gospel turbinado, a cara da dance music do fim dos anos 1980, um som que fãs de Mick Jagger e futuros adoradores de Come together, do Primal Scream, só estranhariam se fossem (enfim) preconceituosos. Já a balada One more try, concebida e finalizada em oito horas (!), revisitava antigas feridas emocionais. Influências de Prince podiam ser achadas em Hard day e Monkey. E o jazz Kissing a fool, que quase foi o título do disco – e encerrava o álbum – trazia George lidando com a fama e a busca de um novo amor.
Mesmo querendo que o ouvissem com mais atenção, Michael não poderia nem reclamar da crítica musical, que aderiu a Faith de cara, pelo menos nos Estados Unidos – já em seu país, o cantor reclamava de ter sido tratado como “um cantorzinho pop peso leve”. Mas George enfrentou censura nas rádios por causa de I want your sex (anunciada por alguns radialistas apenas na base do “vamos ouvir a nova música de George Michael”) e, devido às letras mais ou menos bem endereçadas de Faith, estava mesmo enfrentando mais intromissões em sua vida pessoal do que podia aguentar.
O sucesso do primeiro disco acabaria redefinindo uma série de detalhes em sua carreira. E é a partir do primeiro álbum que se deve entender verdadeiramente tudo o que moveria George Michael a partir de então. Ouça no volume máximo.
O Jesus and Mary Chain deu uma de Padre Quevedo indie e explicou numa entrevista ao site Stereogum que isso aí de shoegaze “não existe” – para Jim Reid, em particular, isso não passa de invenção de “algum palhaço do New Musical Express“. Pois bem, num papo com a newsletter First Revival, Stephen Patman, guitarrista, vocalista e fundador do Chapterhouse, uma espécie de “banda de shoegaze original” (que por sinal vem ao Brasil em setembro), deu mais detalhes sobre a origem do termo. E ainda lembrou que não era exatamente um orgulho ser chamado de “olhador de sapato” (shoegazer significa exatamente isso em português).
“O termo shoegaze era um comentário depreciativo, uma provocação”, recorda ele, lembrando que inicialmente, um jornalista chamado Steve Sutherland, da Melody Maker, escreveu que o Chapterhouse e bandas como Moose e Lush eram “a cena que celebra a si própria”. “Basicamente, porque tínhamos o mesmo empresário que o Moose e o Lush (Howard Gough), então saíamos bastante com eles e íamos aos shows uns dos outros. Também conhecíamos o Ride e o Swervedriver de Oxford, porque era bem perto de Reading”, contou.
Ele lembra de uma nomenclatura de tiro curto que surgiu: “Antes disso, chamavam de ‘cena do Vale do Tâmisa’, que incluía nós, Ride, Swervedriver e Slowdive. Então, era assim que chamavam, depois ‘a cena que se celebra'”, diz. “E aí o Andy Ross , que era o chefe da Food Records, estava assistindo ao show do Moose, e os quatro estavam lá parados olhando para baixo. Foi ele quem criou o termo ‘shoegaze’. A Polly (Birkbeck), assessora de imprensa da Food, provavelmente comentou com alguém, e a notícia chegou à imprensa musical, e aí eles começaram a usar o termo”.
Só que o termo – surgido, na prática, de uma postura tímida e mal-ajambrada de palco – acabou se revelando um feitiço que se virou contra um monte de feiticeiros do barulho. “Quando houve uma espécie de mudança na imprensa musical após a euforia inicial de 1991 em torno de tudo, eles (os jornalistas) de repente se voltaram contra nós, e passaram um ano inteiro zombando de nós. E como também saíamos juntos, os jornalistas nos viam reunidos e escreviam colunas de fofoca tirando sarro de nós de alguma forma”, continua. “Foi aí que ouvi o termo shoegaze pela primeira vez, e era um comentário depreciativo, uma provocação”.
“Mas, de certa forma, ele foi ressignificado ao longo dos anos e se tornou um gênero, o que eu acho bem curioso. Nós nunca nos consideramos uma banda shoegaze. Para ser sincero, não somos exatamente fãs de shoegaze. Não ouvimos esse tipo de música”, diz Patman. “Mas principalmente porque a maioria era de artistas contemporâneos, dos quais você não se torna fã por ser amigo. Então, sim, era um termo pejorativo que chegou à imprensa e eles começaram a usá-lo”.
“E agora o conceito se expandiu, com tantas bandas que nem de longe eram consideradas shoegaze, como The Verve, Kitchens of Distinction e Catherine Wheel, agora são consideradas assim. Eles até chamam The Jesus and Mary Chain e Cocteau Twins de shoegaze”, continua Stephen, que também não gosta do termo dream pop para definir qualquer tipo de música com alguma distorção e reverb. “É ainda mais repugante”.
E pra saber mais sobre o show do Chapterhouse no Brasil, só ir aqui.
No dia 31 de maio de 1982, a gravadora I.R.S. enviava um press release avisando que havia assinado com o R.E.M., “uma banda de Athens, Georgia, aclamada pela crítica”. E já anunciava que no dia 26 de agosto sairia o EP Chronic town, com as faixas 1,000,000, Stumble, Wolves, lower, Gardening at night e Carnival of sorts (Boxcars). A foto de imprensa, em preto e branco, trazia Peter Buck (guitarra), Mike Mills (baixo), Bill Berry (bateria) e Michael Stipe (vocais) com visual pós-adolescente.
“O EP vai ser seguido por um álbum no ano que vem. O R.E.M. planeja fazer uma turnê pelo Oeste do país durante o verão, seguida pelos estados da Costa Leste e do Canadá durante o Outono”, avisava a gravadora, oferecendo também o contato da empresária Betsy Alexander, primeira pessoa a cuidar profissionalmente do grupo, ajudando em contatos, logística e gestão. O release só errava na ordem das músicas do EP, que possivelmente ainda não estava decidida (Chronic town também saiu dividido em duas partes, com lado A nomeado Chronic town e lado B com nome Poster torn)
O contrato era de longo prazo e previa cinco discos – ou seja, tudo que saiu do grupo até Life’s rich pageant, o quarto álbum, de 1986. Depois disso, o grupo renegociou e lançou o quinto disco, Document, de 1987 – mas acabou migrando para a Warner e terminando o contrato com a coletânea Eponymous (1988).
A I.R.S. tinha sido criada em 1979 por Miles Copeland III, irmão de Stewart Copeland, baterista do The Police. O selo vinha da cena punk/new wave britânica e funcionava como uma espécie de ponte entre o underground e uma estrutura profissional de distribuição via A&M (a gravadora do Police, por acaso).
Na época em que o R.E.M. assinou, a I.R.S. já tinha grupos como Wall of Voodoo, Oingo Boingo, The Go-Go’s e The English Beat. Era um selo muito ligado a college radio, pós-punk, new wave e à ideia de independência artística. Depois, virou praticamente sinônimo do rock universitário americano dos anos 1980 por causa do próprio R.E.M.
A entrada da banda na gravadora aconteceu muito por conexões da cena. O empresário/agente Ian Copeland, irmão de Miles e Stewart, já acompanhava o grupo desde os primeiros shows em Athens. O baterista Bill Berry tinha trabalhado para Ian em Macon como roadie e serviços-gerais, e mantinha contato com ele. Isso ajudou o R.E.M. a conseguir shows de abertura para bandas maiores, como The Police e Gang of Four, até chamar atenção da I.R.S.
E olha o post comemorativo do R.E.M. aí.
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RESUMO: Em 2001, George Harrison participou de chats no Yahoo e MSN para divulgar All Things Must Pass; com humor, respondeu fãs poucos meses antes de morrer – e desdenhou Eminem (rs)
Texto: Ricardo Schott – Foto: Reprodução YouTube
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“Que Deus abençoe a todos vocês. Não se esqueçam de fazer suas orações esta noite. Sejam boas almas. Muito amor! George!”. Essa recomendação foi feita por ninguém menos que o beatle George Harrison no dia 15 de fevereiro de 2001 – há 25 anos e alguns dias, portanto – ao participar de dois emocionantes chats (pelo Yahoo e pelo MSN).
O tal bate-papo, além de hoje em dia ser importante pelos motivos mais tristes (George morreria naquele mesmo ano, em 29 de novembro), foi uma raridade causada pelo relançamento remasterizado de seu álbum triplo All things must pass (1970), em janeiro de 2001. George estava cuidando pessoalmente da remasterização de todo seu catálogo e o disco, com capa colorida e fotos reimaginadas, além de um kit de imprensa eletrônico (novidade na época), era o carro-chefe de toda a história. O lançamento de um site do cantor, o allthingsmustpass.com, também era a parada do momento (hoje o endereço aponta para o georgeharrison.com).
Os dois bate-papos tiveram momentos, digamos assim, inesquecíveis. No do Yahoo, George fez questão de dizer que era sua primeira vez num computador: “Sou praticamente analfabeto 🙂 “, escreveu, com emoji e tudo. Ainda assim, um fã meio distraído quis saber se ele surfava muito na internet. “Não, eu nunca surfo. Não tenho a senha”, disse o paciente beatle. Um fã mais brincalhão quis saber das influências dos Rutles, banda-paródia dos Beatles que teve apoio do próprio Harrison, no som dele (“tirei todas as minhas influências deles!”) e outro perguntou sobre a indicação de Bob Dylan ao Oscar (sua Things have changed fazia parte da trilha de Garotos incríveis, de Curtis Hanson). “Acho que ele deveria ganhar TODOS os Oscars, todos os Tonys, todos os Grammys”, exultou.
A conta do Instagram @diariobeatle deu uma resumida no chat do Yahoo e lembrou que George contou sobre a origem dos gnomos da capa de All things must pass, além de associá-los a um certo quarteto de Liverpool. “Originalmente, quando tiramos a foto eu tinha esses gnomos bávaros antigos, que eu pensei em colocar ali tipo… John, Paul, George e Ringo”, disse. “Gnomos são muito populares na Europa. E esses gnomos foram feitos por volta de 1860”.
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A ironia estava em alta: George tambem disse que se começasse um movimento como o Live Aid ajudaria… Bob Geldof (!)., o criador do evento. Perguntado sobre se Paul McCartney ainda o irritava, contemporizou: “Não examine um amigo com uma lupa microscópica: você conhece seus defeitos. Então deixe suas fraquezas passarem. Provérbio vitoriano antigo”, disse. “Tenho certeza de que há coisas suficientes em mim que o irritam, mas acho que já crescemos o suficiente para perceber que nós dois somos muito fofos!”. Um / uma fã perguntou sobre o que ele achava da nominação de Eminem para o Grammy. “O que é Eminem?”, perguntou. “É uma marca de chocolates ou algo assim?”.
Bom, no papo do MSN um fã abusou da ingenuidade e perguntou se o próprio George era o webmaster de si próprio. “Eu não sou técnico. Mas conversei com o pessoal da Radical Media. Eles vieram à minha casa e instalaram os computadores. Os técnicos fizeram tudo e eu fiquei pensando em ideias. Eu não tinha noção do que era um site e ainda não entendo o conceito. Eu queria ver pessoas pequenas se cutucando com gravetos, tipo no Monty Python”, disse.
Pra ler tudo e matar as saudades do beatle (cuja saída de cena também faz 25 anos em 2026), só ir aqui.
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