Cinema
E o POP FANTASMA tá na mostra de filmes do David Bowie, no Rio
Dizem por aí que ninguém quer saber de rock e que o Rio de Janeiro, em particular, não é uma cidade roqueira. Quem falou isso não passa de um tremendo mentiroso: só nessa semana no Rio você pode encontrar duas mostras de dois grandes artistas do rock. Nirvana: Taking punk to the masses fica até dia 22 de agosto no Museu Histórico Nacional, traz memorabília farta da banda de Seattle e emociona qualquer pessoa que vestiu uma camisa de flanela nos anos 1990. E tem O homem que caiu na Terra, que sentou praça na Caixa Cultural, e traz até o dia 30 de julho quase trinta filmes que tiveram a participação, como ator, de ninguém menos que David Bowie.
“Com exceção de Christiane F, em que ele aparece participando como ele mesmo, focamos apenas em filmes nos quais Bowie faz papéis. É interessante observar que ele fez filmes muito diferentes um do outro, nunca seguiu uma linha. O próprio Bowie disse numa entrevista que não gostava de ser chamado de ‘camaleão’ porque ele não mudava, apenas evoluía, melhorava”, conta a curadora Roberta Sauerbronn, da Saraguina Filmes (que organiza a mostra). O homem que caiu na Terra (o nome, claro, veio do filme de Nicolas Roeg lançado em 1976, que teve Bowie como protagonista – e abriu as exibições) agendou debates sobre temas que a obra de Bowie levanta, como sexualidade, drogas, fama. “Ele trouxe esses assuntos para o mainstream, eram coisas que estavam no underground, eram discutidas lá”. Há um debate, nesta sexta (21), até sobre o estilo vanguardista de David Bowie.
E a novidade é que eu (Ricardo Schott, editor dessa bagaça aqui) fui convidado pela turma da Saraguina a fazer um podcast para a mostra. Escrevi, narrei e editei David Bowie e o Brasil, sobre as relações do camaleão (hum, ok) com nosso país. Ouvindo, você descobre que um guitarrista dele tocou com Gilberto Gil, que uma banda de forró já tocou Bowie (por vias tortas, mas tocaram), que uma banda da jovem guarda carioca tocou Rebel rebel… Não é porque fui eu que fiz não, mas tá muito legal. Ouça aí.
Se você ainda não arrumou tempo para ir à mostra, deixe de dar desculpas e arrume um jeito de ir – é dever cívico para qualquer fã de qualquer fase de Bowie, e o ingresso custa R$ 4. Olha só alguns filmes que você ainda pode assistir lá (você confere todos os horários no site da Caixa).
ROMANCE POR INTERESSE (The Linguini incident). Filme de 1991, dirigido por Richard Shepard. Comédia romântica passada em Manhattan, em que Bowie é um barman chamado Monte, colega de trabalho de Lucy (Rosanna Arquette). Aporrinhada constantemente pelos esporros do patrão, ela sonha em mudar de vida e tornar-se uma artista da fuga – aquela coisa de se amarrar todo (a), conseguir desatar todos os nós e escapar. Um problema técnico enquanto ela estava estava amarrada a uma cadeira, praticando para se tornar a versão feminina do Houdini, acaba aproximando-a (bastante) de Monte
PIERROT IN TURQUOISE OR THE LOOKING GLASS MURDERS. Filme de 1970. Uma das aprontações de Bowie no comecinho da carreira, quando era mímico e era parceiro e aluno de Lindsey Kemp. É exibido nesta sexta (21) numa mostra de curtas que ainda tem Empty (2000, de Tony Ousrler) e The snowman (1982, de Diane Jackson).
REAÇÃO COLATERAL (August). Filme independente de 2008 que fala sobre a crise pós-bolha da internet em 2001 e andou percorrendo o circuito de festivais. O norte-americano Austin Chick, diretor do filme, foi casado por quatro anos com a atriz brasileira radicada nos EUA Morena Baccarin (epa, faltou isso no nosso podcast).
O PIRATA DA BARBA AMARELA (Yellowbeard). Dirigido em 1983 por Mel Damski, essa comédia trazia Graham Chapman, ex-integrante do grupo humorístico Monty Phyton, interpretando o pirata do título. Bowie aparece durante poucos segundos no filme e sua participação nem chegou a ser creditada na época. Para quem curte referências pop, tem a dupla Cheech & Chong interpretando dois piratas e um personagem, Mr. Moon (Peter Boyle), criado em homenagem ao baterista do Who, Keith Moon, morto em 1978. Moon participou das primeiras reuniões do filme, ajudou a arrumar dinheiro e, originalmente, era a escolha do próprio Chapman, também roteirista do filme, para o papel do Barba Amarela.
APENAS UM GIGOLÔ (Schöner gigolo, armer gigolo). Enquanto morava em Berlim, Bowie arrumou tempo para participar deste longa de 1978, dirigido por David Hemmings, e que acabou se tornando célebre também por ser o último filme de Marlene Dietrich (morta em 1992). Bowie faz um oficial prussiano que volta a Berlim após o fim da Primeira Guerra, só consegue trabalho como cafetão (no bordel dirigido por Marlene) e, involuntariamente, vira pivô de uma disputa política.
FOME DE VIVER (The hunger). Bem antes de vampiros virarem moda, Bowie interpretou um chupador de sangue, John, que era marido da também vampira Catherine Deneuve (Miriam Blaylock). Em meio à noite e ao submundo de Nova York, os dois conseguem passar por um casal de góticos sem maiores problemas. Tem a famosa cena de sexo lésbico entre Catherine e Susan Sarandon, que até hoje arranca uivos de homens e mulheres.
EU, CHRISTIANE F, 13 ANOS, DROGADA E PROSTITUÍDA (Christiane F). Em 1978, dois jornalistas alemães, Kai Hermann e Horst Hieck, foram investigar os flagelos da heroína e da prostituição na cena formada pela estação de metrô Zoo e por locais como a discoteca Sound, em Berlim. A reportagem, que incluía detalhes do julgamento de uma menina de 13 anos (Christiane Vera Felscherinow) virou matéria de revista, livro e, em 1981, filme, dirigido por Ulrich Edel, com a atriz alemã Natja Brunckhorst, então com 15 anos, no papel-título. Bowie, ídolo da turma de Christiane F e morador de Berlim na época da reportagem, aparece cantando em um show na cidade em 1978. Detalhe: por causa de problemas de agenda, a produção precisou mandar gravar Bowie no palco em Nova York – as imagens de plateia foram feitas durante uma apresentação do AC/DC em Berlim.
LABIRINTO – A MAGIA DO TEMPO (Labyrinth). Ao que se comenta, o clássico que apresentou Bowie a uma série de fãs crianças deverá ganhar uma releitura, dirigida por Fede Alvarez (O homem nas trevas). O filme de 1986 dirigido por Jim Henson e produzido por George Lucas, conta a história de Sarah (Jennifer Connelly, ainda novata) que precisa passar por um enorme e complexo labirinto para resgatar seu irmão mais novo, sequestrado por Jareth, o Rei dos Duendes (Bowie).
https://www.youtube.com/watch?v=BP51a09XmNY
É provável que os fãs do Radiohead estejam esperando BASTANTE por um filme de concerto do grupo – mas pelo menos vem por aí um filme de show de… Thom Yorke, líder da banda. A primeira tour solo do cantor vai ganhar o registro oficial Thom Yorke Live at Sydney Opera House, com os shows que ele fez em novembro de 2024 no Forecourt, pátio da Ópera de Sydney. Detalhe que os fãs não apenas do Radiohead como também de todos os projetos capitaneados por Thom podem esperar para se sentirem contemplados pelo filme. A direção é de Dave May.
Isso porque, segundo o comunicado de lançamento, Thom Yorke Live at Sydney Opera House “abrange todos os aspectos dos mais de trinta anos de carreira de Yorke como artista de gravação, desde uma versão acústica de tirar o fôlego de Let down (Radiohead), até faixas menos conhecidas favoritas dos fãs (como Rabbit in your headlights, do UNKLE) e seleções de seus aclamados álbuns solo com influências eletrônicas”. Ou seja: você confere lá todo o baú de recordações do cantor, que mergulhou também em canções de sua banda paralela Atoms For Peace e de seu projeto em dupla com Mark Pritchard (o disco Tall tales foi resenhado aqui pela gente).
Um outro detalhe que o release promete: mesmo que a casa de shows seja enorme, a sensação é a de assistir a um show bem intimista, tipo “uma noite com Thom Yorke”. “O filme tem ares de um vislumbre íntimo dos bastidores, permitindo testemunhar um mestre em ação. Yorke une as diversas vertentes de sua carreira com seu falsete arrebatador e presença de palco magnética. Para fãs de Radiohead, The Smile e tudo mais, esta é uma experiência cinematográfica imperdível”, dá uma enfeitada o tal texto.
Live at Sydney Opera House estreou no Playhouse da Ópera de Sydney no último dia 20 de janeiro. No dia 6 de março, uma sexta-feira, ele chega nos cinemas da Austrália. Vale aguardar? Confira aí Thom soltando a voz em Back in the game, dele e de Pritchard, e o trailer do filme (e sem esquecer que temos um podcast sobre o começo do Radiohead, que você ouve aqui).
RESENHA: Os Raveonettes mergulham de vez no lo-fi e shoegaze em PE’AHI II, disco que soa mais próximo de uma transição do que de uma realização.
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Raveonettes, aquela dupla que misturava distorções a la Jesus and Mary Chain, clima melodioso herdado dos anos 1950 e estética do filme Juventude transviada, lembra? Pois bem, eles guiaram o timão de vez para gêneros como shoegaze e lo-fi. Não é algo estranho ao som deles, vale falar. Climas “serra elétrica” sempre tiveram lugar nos discos de Sune Rose Wagner e Sharin Foo. PE’AHI II, novo disco, é a continuação de PE’AHI, disco de 2014 que já promovia suas invasões nessas áreas. Sem falar que 2016 atomized – disco anterior de inéditas da banda, 2017 – surfava essa onda.
Só que o Raveonettes de 2025 chega a soar experimental, mesmo quando abre o novo disco com uma balada nostálgica e melancólica, Strange. E na sequência, o ruído programado de Blackest soa como uma curiosa mescla de blackgaze e pop de câmara. Já Killer é uma nuvem de microfonias que lembra bandas como Drop Nineteens, só que com mais cuidado na melodia.
Entre as outras curiosidades do disco, estão o noise rock programado de Dissonant, a viagem sonora e distorcida de Sunday school e a onda sonora de microfonia (alternada com toques dream pop) de Ulrikke. O resultado final deixa um ar de EP, de mixtape, mais do que de um álbum completo e realizado dos Raveonettes. Ainda que PE’AHI II tenha momentos ótimos, soa mais como uma transição para o que vem por aí.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 7,5
Gravadora: Beat Dies Records
Lançamento: 25 de abril de 2025
Por muito tempo, Onda nova (1983), filme dirigido por Ícaro Martins e José Antonio Garcia – e censurado pelo governo militar –, foi jogado no balaio das pornochanchadas e produções de sacanagem.
Fácil entender o motivo: recheado de cenas de sexo e nudez, o longa funciona como uma espécie de Malhação Múltipla Escolha subversivo, acompanhando o dia a dia de uma turma jovem e nada comportada – o Gayvotas Futebol Clube, time de futebol formado só por garotas, e que promovia eventos bem avançadinhos, como o jogo entre mulheres e homens vestidos de mulher. Por acaso, Onda nova foi financiado por uma produtora da Boca do Lixo (meca da pornochanchada paulistana) e acabou atropelado pela nova onda (sem trocadilho) de filmes extremamente explícitos.
O elenco é um espetáculo à parte. Além de Carla Camuratti, Tânia Alves, Vera Zimmermann e Regina Casé, aparecem figuras como Osmar Santos, Casagrande e até Caetano Veloso – que protagoniza uma cena soft porn tão bizarra quanto hilária. Durante anos, o filme sobreviveu em sessões televisivas da madrugada, mas agora ressurge restaurado e remasterizado em 4K, estreando pela primeira vez no circuito comercial brasileiro nesta quinta-feira (27).
Meu conselho? Esqueça tudo o que você já ouviu sobre Onda nova (ou qualquer lembrança de sessões anteriores). Entre de cabeça nessa comédia pop carregada de referências roqueiras da época, um cruzamento entre provocação punk e ressaca hippie. O filme abre com Carla Camuratti e Vera Zimmermann empunhando sprays de tinta para pixar os créditos, mostra Tânia Alves cantando na noite com visual sadomasoquista, segue com momentos dignos de um musical glam – cortesia da cantora Cida Moreyra, que brilha em várias cenas – e trata com surpreendente modernidade temas como maconha, cultura queer, relacionamentos sáficos, mulheres no poder, amores fluidos e, claro, futebol feminino.
Se fosse um disco, Onda nova seria daqueles para ouvir no volume máximo, prestando atenção em cada detalhe e referência. A trilha sonora passeia entre o boogie oitentista e o synthpop, com faixas de Michael Jackson e Rita Lee brotando em alguns momentos. E o que já era provocação nos anos 1980 agora ressurge como registro de uma juventude que chutava o balde sem medo. Vá assistir correndo.
*****
Já Milton Bituca Nascimento, de Flavia Moraes, que estreou na última semana, segue outro caminho: o da reverência, mesmo que seja um filme documental. Durante dois anos, Flavia seguiu Milton de perto e produziu um retrato que, mais do que um relato biográfico, é uma celebração. E uma hagiografia, aquela coisa das produções que parecem falar de santos encarnados.
A narração de Fernanda Montenegro dá um tom solene – e, enfim, logo no começo, fica a impressão de um enorme comercial narrado por ela, como os daquele famoso banco que não patrocina o Pop Fantasma. Aos poucos, vemos cenas da última turnê, reações de fãs, amigos contando histórias. Marcio Borges lê matérias do New York Times sobre Milton, para ele. Wagner Tiso chora. Quincy Jones sorri ao falar dele. Mano Brown solta uma pérola: Milton o ensinou a escutar. E Chico Buarque assiste ao famigerado momento do programa Chico & Caetano em que se emociona ao vê-lo cantar O que será – um vídeo que virou meme recentemente.
Isso tudo é bastante emocionante, assim como as cenas em que a letra da canção Morro velho é recitada por Djavan, Criolo e Mano Brown – reforçando a carga revolucionária da música, que usava a imagem das antigas fazendas mineiras para falar de racismo e capitalismo. Mas, no fim, o que fica de Milton Bituca Nascimento é a certeza de que Milton precisava ser menos mitificado e mais contado em detalhes. Vale ver, e a música dele é mito por si só, mas a sensação é a de que faltou algo.
Por acaso, recentemente, Luiz Melodia – No coração do Brasil, de Alessandra Dorgan, investiu fundo em imagens raras do cantor, em que a história é contada através da música, sem nenhum detalhe do tipo “quem produziu o disco tal”. Mas o homem Luiz Melodia está ali, exposto em entrevistas, músicas, escolhas pessoais e atitudes no palco e fora dele. Quem não viu, veja correndo – caso ainda esteja em cartaz.
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Urgente!: Michael Stipe reaparece em Os Simpsons e reacende papo de volta do R.E.M.
Ouvimos: Melody’s Echo Chamber – “Unclouded”
Ouvimos: Nick & June – “New year’s face”
Ouvimos: Ratboys – “Singin’ to an empty chair”
Ouvimos: Ninush – “The flowers I see in you”
Ouvimos: Dewey – “Summer on a curb”
Ouvimos: Puscifer – “Normal isn’t”
Ouvimos: Baco Exu do Blues – “Hasos”
Ouvimos: Vocabularies – “For the hundredth time”
Urgente!: Fcukers solta “Beatback”, mais um single do álbum de estreia previsto para março
Ouvimos: Demob Happy – “The grown-ups are talking”
Ouvimos: Tombstones In Their Eyes – “Under dark skies”
Ouvimos: Victoryland – “My heart is a room with no cameras in it”
Ouvimos: Kazaizen – “Sky fish fly”
Urgente!: Nova exposição sobre David Bowie vai te levar pra dentro da mente dele
Urgente!: Véspera transforma faixa-título de seu álbum em canção densa e espacial
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Ouvimos: Public Enemy – “Black sky over the projects: Apartment 2025” / Chuck D – “Chuck D presents Enemy Radio: Radio Armageddon”
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