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U2: retorno contraditório ao pós-punk em single novo, “Atomic city”

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U2: retorno contraditório ao pós-punk em single novo, "Atomic city"

O U2 de 2023 é maior do que nunca, e se você deu uma olhada nos vídeos do show da banda na inauguração do Sphere, em Las Vegas, sabe do que falamos. É também uma banda cuja música nova – o single Atomic city, lançado no dia 29 de setembro – no fundo, parece ter sido escrita para uma propaganda da Nike (“se seus sonhos não te assustam/não são grandes o suficiente”, diz um verso).

É, como sempre, é também um grupo contraditório. Com direito a Bono – conforme observado pelo jornalista André Barcinski em post no Twitter – defendendo mil causas enquanto louva monopolistas da música em discursos. Parece, no entanto, o nome da música mais capaz de lidar com toda essa contradição e com tudo o que surge dela, de bom e de ruim.

Não por acaso, Atomic city, musicalmente, parece-se um pouco com o U2 de discos como a estreia Boy (1980) e o clássico Joshua tree (1987), e menos com a grandiloquência de Achtung baby (1991). Ainda que tenha sido lançada justamente pouco antes do show U2:UV Achtung Baby Live, no MSG Sphere em Las Vegas, e ainda que exista, pelo sim pelo não, um trecho da introdução de Zoo Station, abertura de Achtung, no começo do clipe.

A faixa joga as fichas no preto e no vermelho: é simultaneamente um (bom) retorno ao pós-punk, e uma ode a Las Vegas. O mundo de apostas, fichas e roletas é quase enxergado na letra como uma metáfora da vida, com Bono falando praticamente de si próprio em versos de gosto duvidoso como “deus não joga dados/mas gosta de roletas/a roda ainda não parou de girar”, além da boa e velha pilha errada de que os Estados Unidos são a terra da liberdade (“vejo o que está na minha frente/e sua liberdade é contagiosa”, nem tanto, mestre, nem tanto).

Detalhes: o clipe foi dirigido por Ben Kutchins na Fremont Street, segunda rua mais conhecida de Las Vegas, e o lugar onde a banda filmou o clássico vídeo I still haven’t found what I’m looking for. Mais: da mesma forma que Anybody seen my baby?, dos Rolling Stones, acabou virando uma “parceria” com k.d. lang e Ben Mink por causa da semelhança com o hit de k.d. Constant craving, Bono, The Edge, Larry Mullen e Adam Clayton deram crédito a Debbie Harry e Giorgio Moroder porque o refrão de Atomic city se parece demais com o de Call me, do Blondie. No mais, sem mais.

Crítica

Ouvimos: Chappell Roan, “The rise and fall of a Midwest princess”

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Ouvimos: Chappell Roan, "The rise and fall of a Midwest princess"
  • The rise and fall of a Midwest princess é o primeiro álbum da cantora Chappell Roan, que tem 26 anos. O álbum foi lançado em 22 de setembro de 2023 pelo selo Amusement, da Island Records, e teve nove singles lançados até chegar nas lojas. Dois deles saíram bem antes do contrato dela com o selo, em 2020 (Pink Pony Club e California).
  • Chappell, que nasceu no Missouri mas vive hoje em Los Angeles, começou a tocar piano na infância. Sua carreira já vem de antes: em 2017 ela havia assinado com a Atlantic e lançado um EP, School nights, que não fez sucesso – o que provocou sua retirada do elenco da gravadora. Enquanto investia na carreira de artista, ela chegou a trabalhar como barista e babá.
  • Seu produtor, Dan Nigro, é o mesmo que cuidou bem de perto dos dois álbuns de Olivia Rodrigo – e Chappell abriu as duas turnês de Olivia. Na época do contrato com a Atlantic, abriu tours de Vance Joy e Declan McKenna.
  • Chappell, cujo nome verdadeiro é Kayleigh Rose Amstutz, é lésbica, tem visual inspirado nas drag queens e sua música é enxergada como parte da cultura queer. O novo single, Good luck, Babe!, que chegou aos 50 mais do Spotify, fala sobre uma mulher que tenta negar seus sentimentos por mulheres.

De um tempo para cá todo mundo começou a falar de uma cantora pop cujo álbum de estreia já saiu tem uns meses (este The rise and fall of a Midwest princess é um lançamento de setembro de 2023) e cujo novo single, Good luck, babe!, saiu em 5 de abril, mas chegou há pouco às 50 mais virais do Spotify. A história musical de Chappell Roan tem, de qualquer jeito, algo que faz recordar um pouco a de Alanis Morissette. Ou seja: cantora começa a trabalhar ainda na adolescência, demora alguns anos para fazer sucesso de verdade e chega à fama, aparentemente, de maneira bem mais meticulosa e menos meteórica do que vários outros artistas atuais. Uma artista cuja carreira tem um segundo ato – algo raro nesses tempos urgentes.

Tanto que, ouvido com nove meses de atraso, The rise and fall… impressiona pelo fator novidade, de música feita para o seu tempo – ou seja: para adolescentes que provavelmente não se identificam com a postura “melhor amiga” de Taylor Swift. Mas ao mesmo tempo rolam outros tipos de comunicação musical ali: músicas como o trio de abertura, Femininomenon, Red wine supernova e After midnight fazem imaginar a menina Kayleigh Rose Amstutz (nome verdadeiro de Chappell) crescendo no Missouri como fã de artistas como Fleetwood Mac, ABBA, Katy Perry (grande referência em todo o disco, ao que parece), Lady Gaga e Gwen Stefani.

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Em especial, até o clima cheerleader de alguns hits solo de Gwen, bem como o tom dramático da fase mainstream de sua banda No Doubt, batem ponto em vários momentos do disco de Chappell. Que, une momentos dançantes, agudinhos próximos do country (em excesso, quase sempre), canções grudentas (o pop-rock Red wine supernova, a balada Casual e os synth pops Hot to go! e Super graphic ultra modern girl são dessas) e letras sexualmente ativas. E algumas baladas nostálgicas e derramadas na onda Lana Del Rey-Adèle (a chatinha Kaleidoscope e a bela Picture you).

The rise and fall… fica mais interessante quando exibe Chappell como filha de uma mescla de anos 1980 e 2000. Como nos sintetizadores da radiofônica-ao-extremo Naked in Manhattan e de Guilty pleasure, ou no balancinho meio Lily Allen de After midnight. Uma estreia legal, embora faça falta ainda uma cara própria e algo que faça com que Chappell seja reconhecida à distância musicalmente, e não apenas visualmente.

Nota: 7,5
Gravadora: Amusement/Island

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Crítica

Ouvimos: Black Pantera, “Perpétuo”

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Ouvimos: Black Pantera, "Perpétuo"
  • Perpétuo é o quarto disco da banda mineira Black Pantera, formada por Chaene da Gama (baixo e vocal), Charles Gama (voz e guitarra) e Rodrigo Pancho (bateria). O disco foi gravado durante 14 dias no estúdio carioca Tambor com produção de Rafael Ramos.
  • As doze faixas do disco falam bastante sobre ancestralidade e sobre legado de outras gerações de pessoas pretas. “A pauta ainda é a mesma, mas estamos falando sob outras perspectivas. A gente vem pensando bastante sobre esse tema, sobre como acabamos sendo eternos através de nosso sangue, nossa luta, nossa ancestralidade. As músicas do álbum refletem isso de maneira incisiva, propagando essa ideia de legado de todos nós”, diz Chaene.
  • E já entrevistamos o Black Pantera. Leia aqui.

Ouça Perpétuo com as letras na mão – busque por aí, vá a fundo no novo álbum do Black Pantera. A banda se aprimorou bastante no novo álbum, tanto em música quanto em letras, e Perpétuo vem do perfeito encontro entre guitarras, rimas, batidas e ataques sonoros. O tom metal-afro-latino que já aparecia em lançamentos anteriores ressurge em plena forma, servindo como ligação entre todo o novo repertório, com percussões e sons pesados dando o tom de faixas como o hino Candeia e o punk rock Boom!.

Perpétuo soa como guia de sobrevivência para pessoas pretas num mundo repleto de notícias ruins, apagamentos históricos e dívidas irreparáveis. A faixa Black book club, espécie de encontro entre Funkadelic e Sepultura, fala exatamente sobre isso, e prega: “chega de história não contada!”. Fudeu, a melhor do disco, conta uma história de baile na favela que acaba mal – e surpreende por abrir no funk metal e, no refrão, desembocar num hardcore feroz. Promissória, melhor letra do disco, é um dancehallcore que cobra “a sua inadimplência/quatrocentos anos de salários atrasados/irmãos e irmãs que nunca foram indenizados”.

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A bela Tradução une referências de Racionais MCs (um trecho de Diário de um detento é adaptado na letra), melodia lembrando Charlie Brown Jr e linhas melódicas que aludem ao nu-metal e ao punk, simultaneamente. O hardcore Sem anistia revolve a invasão do Congresso Nacional ocorrida em 2023. Músicas como Provérbios, Mahoraga e Mete marcha (que abre com percussão e riff metálico), além do encerramento com A horda, servem como chamamentos em tom pesado e marcial. Fica o aviso pra quem merece: deparar com Perpétuo é, nada mais nada menos, que deparar com a verdade. E em altíssimo volume.

Nota: 10
Gravadora: Deck

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Crítica

Ouvimos: Billy Tibbals, “Nightlife stories” (EP)

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Ouvimos: Billy Tibbals, "Nightlife stories" (EP)
  • Nightlife stories é o segundo EP de Billy Tibbals, cantor e compositor de 21 anos, nascido em Londres, mas que migrou com a família para Los Angeles em 2014.
  • Uma vez em LA, diz o cantor, “encontrei um grupo de amigos que já gostava muito de música e de colecionar discos, então peguei o vírus e comecei a gravar em casa”. Billy, ainda no ensino médio, usava o programa Garageband e um gravador multitracking para registrar suas composições, tocando todos os instrumentos.

Billy Tibbals tem lá seu lado indie anos 2000 – volta e meia dá pra lembrar de Strokes e The Hives ouvindo o som dele. Mas na prática, ele só existe porque um dia, nos anos 1970, o glam rock foi criado e ganhou milhares de fãs graças a aparições de David Bowie e Marc Bolan no Top of the pops, da BBC. Seu EP do ano passado, Stay teenage, exibia cara de pau nas letras, vocais lembrando David Bowie e Marc Bolan, cordas que poderiam ter sido arranjadas e regidas por Mick Ronson, e um conjunto de canções que operava entre o glam e o power pop, como no quase hit Hollywood baby e na balada sixties Foreverland. Já em All for you e Best day I ever had, Billy fazia revisionismo punk à moda dos Replacements.

Nightlife stories, o novo EP, traz Billy (espécie de cópia pós-teen de Marc Bolan) voltado para uma mescla de T. Rex, Dead Boys, Soft Boys (a guitarra que abre a faixa inicial, Burn out!, ameaça iniciar I wanna destroy you, clássico dessa banda que operava entre o pós-punk e a pós-psicodelia), Stooges, Spiders From Mars e até Be Bop DeLuxe. Sim, porque várias guitarras do EP lembram bastante o estilo pré-punk e “espacial” do gênio Bill Nelson, que liderou essa banda pouco reconhecida dos rock dos anos 1970.

O lado quase pop-punk do primeiro EP e dos primeiros singles ganhou mais elaboração, em faixas como The world revolves e o power pop Out of touch, que lembram um Badfinger acelerado. Ou em duas faixas que soam como punk de cabelo grande e visual rocker clássico, Nobody knows e I’ll die. Num disco desses, não poderia deixar de haver uma balada, e Dream away traz mais um toque de anos 1970 para o EP.

Nota: 8,5
Gravadora: Silver Arrow Records

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