RESENHA: Produtor camaleônico, Dev Hynes (nome por trás de Blood Orange) une pop e trevas pessoais em Essex honey, disco introspectivo que mistura dream pop, soul minimalista e ousadia sonora.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 9
Gravadora: RCA
Lançamento: 29 de agosto de 2025

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Inglês radicado em Nova York, com passagens por estilos musicais como dance-punk, pós-hardcore e chamber pop, Dev Hynes – o popular Blood Orange – é o tipo de produtor-compositor estranhão que tem passe livre com a turma do mainstream. Se alguém como Lorde, ou Kylie Minogue, ou mesmo Mariah Carey, quer soar mais inventiva ou simplesmente mais “indie”, chama o Dev que ele dá um jeito. Ou pelo menos tenta, porque dependendo do artista, nem rola – e o próprio Dev, na porção Blood Orange do seu trabalho, vem deixando claro que o meio “indie” é pequeno para ele.

Nem foi só isso: Dev também abriu shows para Harry Styles em 2022, e ainda por cima fez a direção musical do show dele no Grammy – e vem assinando trilhas para filmes, desfiles de moda, etc. E, ah, ele toca violoncelo em duas faixas de Never enough, álbum-mania do Turnstile. A julgar por Essex honey, seu novo álbum, ele hoje em dia está mais para o grandalhão do mercado (ou um quase-grandalhão) que conserva antigos valores e amigos do passado.

A antiga parceira Caroline Polachek aparece em boa parte do disco. Eva Tolkin, outra antiga colaboradora, divide parcerias e solta a voz em The field, uma verdadeira viagem sonora. Na real, essa música é uma drum’n bossa (ou um chamber folk, você decide) que em alguns momentos chega a lembrar o 14 Bis (!). E que tem também colaborações de Polachek, Daniel Caesar e ninguém menos que Vini Reilly, do Durutti Column – Vini, protótipo indie do guitarrista dos guitarristas, considerado gênio por gente como John Frusciante, mas sempre um cara do underground.

Essex honey é bastante sombrio e introspectivo, até mesmo quando se revela próximo do pop. Não é à toa: o repertório surgiu de um momento em que ele precisava “lidar com o luto e se concentrar em se recuperar”, após a morte de sua mãe. Como certos lugares na Europa são “logo ali”, ele alugou um apê em Paris para se afastar das lembranças de Londres. Quando arrumava o local, deparou com Fourth of july, de Sufjan Stevens – música que faz parte de Carrie & Lowell (2015), disco justamente feito por Sufjan após a morte de sua mãe.

Foi um clique para que Essex honey saísse como saiu, unindo dream pop, pop camerístico e trevas pessoais. Isso rola em todo o disco, mas tem seu auge em faixas como Look at you, Mind loaded (canção contemplativa e pianística, com Polachek, Lorde e o sudanês Mustafa Ahmed) e o drum’n bass deprê The last of England. Além da inventiva I can go, que fecha o disco deixando a/o ouvinte querendo sempre saber para que lado a cancao vai – e ela fica do lado mais experimental e celestial.

A variedade musical do disco inclui o soul reduzido a células de Thinking clean, os defeitos especiais do soul-folk Somewhere in between, o sophisti-pop psicodélico de Vivid light, o soul voador e lisérgico de Life (com participação da norueguesa-brasileira Charlotte dos Santos). Além das surpresas que vão aparecendo ao longo de Scared of it e de I listened (Every night). Um disco triste, mas cujo design sonoro faz você querer escutá-lo inteiro várias vezes.

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RESENHA: O Vlure estreia com dance-punk furioso e emocional no álbum Escalate: um álbum pesado, eletrônico e esperançoso, misturando fúria, confissões e beats góticos explosivos.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 8
Gravadora: Music For Nations
Lançamento: 26 de setembro de 2025

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O Vlure vem de Glasgow e faz… bom, dá para definir como dance-punk, ou para trilhar Escalate, disco de estreia deles, no mesmo corredor de Alien Sex Fiend. Só que tem bem mais aí: basicamente o grupo faz uma versão menos sombria da dance music de guerra, gótica e pesada. Escalate tem um lado furioso, mas é também um disco cheio de amor e esperança, ainda que tudo em alto volume e com graves explodindo.

Vale dizer que Escalate é só a estreia – o Vlure ainda é uma banda que varia bastante em arquitetura musical, em beats, mas que ainda precisa crescer melodicamente. O que já para ver no primeiro disco é que o grupo faz som pesado e eletrônico, como na rocker I want it euphoric, na distorcida Something real (com rap fornecido pelo escocês Psweatpants), em Heartbeat (dance music ogra na qual o cantor Hamish Hutcheson suplica por “alívio” como quem irrompe doidão na biqueira) e Feels like heaven (cuja letra fala sobre “esperança, amor e vida” e, pode crer, tem mensagem parecida com a de Quando a gira girou, hit de Zeca Pagodinho).

• Ouvimos: Fuzz Lightyear – Zero guilt (EP)

Better days é a primeira faixa em que dá para perceber beleza saltando aos olhos em Escalate – uma música sombria, com vocal surpreendentemente tranquilo, e uma letra cheia de confissões, como se fosse uma oração ao passado e à vida urbana perdida (“vejo os fantasmas de mim e dos meus amigos correndo pelas ruas da cidade / vejo os amigos que perdi, correndo por portas fechadas para lugares marcados no tempo, lugares que em algum lugar por aí ainda reverberam e se enfurecem”).

No final, o relax de A clear tide, com participação de ninguém menos que Bobby Gillespie (Primal Scream). Mas o forte do álbum é a dance music furiosa, como rola também em And for a second, This is not the end e How to say goodbye – cuja letra pede “respire fundo e segure a onda / só por um momento.

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RESENHA: Som etéreo e confessional de Lilly Bechtel, criadora do Night Teacher, mistura folk, dream pop e espiritualidade para narrar separação, cura pessoal e buscas em Year of the snake.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 8
Gravadora: First City Artists
Lançamento: 31 de outubro de 2025

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O som de Lilly Bechtel, a criadora do projeto musical Night Teacher, é bastante recomendado para quem curte artistas como Cat Power e Cate Le Bon – mas é mais recomendado ainda para quem ama Kate Bush e uma certa onda de healing music, de música feita para viajar no tempo e descer aos porões pessoais. Lilly – que, além dos discos e shows, trabalha como professora de ioga e meditação – compôs algumas músicas do repertório após passar por uma separação difícil, e chegou a ter contato com um xamã bem antes de começar a pensar nas faixas de Year of the snake – por intermédio dele, soube que em uma de suas vidas passadas, foi uma rainha que envenenou a amante do seu marido.

• Ouvimos: Cate Le Bon – Michelangelo dying

Vale dizer que se você tem alergia a papos espiritualistas de qualquer tipo, passe longe de Year of the snake – mas igualmente vale dizer que Lilly fala mais de buscas e bodes pessoais do que de manuais de instrução para a vida. O rock mágico Never better, que abre o disco lembrando Sharon Van Etten, guia o disco para o tom confessional – o assunto é o “senso de distância dela mesma”, que Lilly passou a ter após a separação e a peregrinação por várias casas em busca de um lar. O disco invade as áreas do glam folk (Humanimal), do dream pop (St Cecilia), do soft rock na onda de Fleetwood Mac e R.E.M. (Past life, New cage) e dá uma lembrada até em Lou Reed, no sombrio country-blues World too close.

O material de Year of the snake também une fantasmagoria e contemplação em faixas como Barbie in Bethelehem – que soa como canção tradicional, e cuja letra fala de traumas e despersonalizações do passado (“eu sei que você nunca conseguiu suportar / o peso dos erros dos outros”). No final, a tristeza amorosa de Everything I’ve had e a transformação pessoal da valsa-folk Ecclsys (“se você não conseguir superar isso, torne-se alguém diferente / se conseguir superar, torne-se outra pessoa”).

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