Crítica
Ouvimos: Luiz Amargo, “Amor de mula”
- Amor de mula é o segundo álbum do cantor e compositor Luiz Amargo. O título do disco “é uma expressão popular arcaica que descreve um tipo de amor que é vítima da própria teimosia e obediência” (segundo o texto de lançamento).
- Luiz é neto de perseguidos políticos na ditadura, e chegou a pensar primeiro em ser escritor. “Acho que é por isso que eu trato a música como um objeto literário: não se tratam necessariamente de situações ou emoções vividas pessoalmente, mas, muitas vezes, de histórias desenhadas, desenvolvidas como peças”, diz. “Me interessa muito a metáfora – influência da poesia e do cinema”.
- O cantor, que se chama Luiz Amaro Fortes (o “Amargo” vem de um apelido de infância) dividiu a produção do álbum com Gabriel Assad.
Luiz Amargo faz uma MPB-jazz-rock-pop bastante irônica ao lado do amigo Ricardo Resto – lançou com ele no ano passado o EP Engano chegando, cuja lista de assuntos vai de encontros às cegas a prédios afundando na orla de Santos (SP). Solo, o cantor e compositor mantém a ironia e a observação zoeira a respeito do amor, do trabalho, e do dia a dia, mas o papo aqui é (quase) sério.
Amor de mula é um disco de MPB herdadíssimo da vanguarda paulista, mas passando também pela sonoridade do rock indie dos anos 1980 e 2000, por Jards Macalé, Raul Seixas, Eduardo Dussek, Joelho de Porco – esses quatro últimos nomes bastante presentes no samba sertanejo e violeiro de Amor, cadê a mula?, quase faixa-título do disco, cuja letra vai fundo nos dilemas dos verdadeiros motores do Brasil (a galera que mais trabalha e que menos ganha, cantada em versos como “você vassalo/ralou até o talo/depois vestiu/a roupa de espantalho”).
Mesmo que o amor esteja entre os temas de Amor de mula, o principal no álbum é a mistura saudável de temas – e a observação do amor como ponto de partida para falar de política, de tédio, de falta de grana, relacionamentos como um todo. Músicas como o samba lírico Corpo do amor, a toada Quando o fogo vem (destaque para os vocais de Bel Aurora, que divide a música com Luiz, e participa também do funk-rock Sóprativc) e o indie rock suingado Mapa da mina (dos versos “ah meu mundo é queda livre/enquanto o seu só vai subindo/é glória que não dá pra bancar”, numa história que acaba indo parar na China) vêm nessa onda, de poetizar e unir assuntos e sentimentos.
Seguindo em Amor de mula, tem também Fruta madura, uma curiosa guarânia-rock que encarna temas como sexo, política, destruição da natureza, agro e bancarrota (“nem só de amor se sobrevive/nesse mundo em crise, todo sequelado/falei pra não investir na bolsa/faz um poço artesiano, horta, boi, arado”), e a MPB mutante e titânica de Quem ficou, rancor? e São Pop – esta última, uma homenagem cortante a São Paulo, e uma canção que, se tivesse sido feita nos anos 1970, levantaria a plateia em festivais televisivos.
Nota: 9
Gravadora: Independente.
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RESENHA: Starly Kind mistura lo-fi, screamo, pós-punk e psicodelia em Inferno (xe/xem), EP sombrio sobre angústia queer e demônios internos.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: CorpoRAT Records
Lançamento: 8 de maio de 2026
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Musicista agênero do Oregon, Estados Unidos, que se radicou em São Paulo, Starly Lou Riggs criou a Starly Kind como veículo para uma música lo-fi e fantasmagórica. Um som que volta e meia ganha ares math rock, ou que se aproxima de um art rock em clima de pesadelo. Inferno (xe/xem) é um EP sobre demônios xamânicos, angústia existencial queer, dores acumuladas durante uma vida inteira – e sobre como é chamar o inferno de casa.
Starly kind, a faixa de abertura, é lo-fizaça, com glitches, clima dreamy e vocais torturados e gritados. Held me with soma a isso um clima mais ambient, em que vibrações screamo unem-se ao experimentalismo da música. Superanatural clutches fica entre a psicodelia e a no wave, com direito a uma guitarra próxima do som do Black Sabbath. Uma curiosidade e uma mudança de rumo vêm com Bloodlust rising, algo entre Beach Boys, Residents e Devo – seguida justamente pela onda reggae + dub + fantasmagoria de And the devil watched me dance in.
- Ouvimos: Delmore – Tão logo cada poste se ilumina
Demon dreams, que encerra o disco, é pós-punk mais do que tudo, e é a música mais bonita do EP – aliás lida com uma noção mais tranquila de “beleza” na melodia, ainda que também invista na vibe sombria das outras faixas. Um disco bem instigante, em todos os momentos.
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RESENHA: Duo Violeta mistura violão, escaleta e folk nordestino em Mar pequeno, disco contemplativo, viajante e cheio de imagens sonoras.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: The Citadel House
Lançamento: 22 de maio de 2026
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Se você for com muita sede ao pote no disco do Duo Violeta e chegar meio desavisado, pode acabar adorando o encontro do violão com a sanfona. Depois vai dar risada quando descobrir que André Sant’Anna e Rafael Campanaro, são na real, e respectivamente, o encontro da escaleta – teclado de sopro popularizadíssimo pelo reggae e pelo dub – com o violão. Mais que isso, as gravações tiveram vários testes de estúdio, que envolveram posicionamentos dos músicos, microfones diferentes e muitas experimentações sonoras.
- Ouvimos: Seera – Sarab (EP)
Mar pequeno tá bem longe de ser um disco experimental, mas passa perto. É um disco brasileiríssimo e quase sempre nordestino, que parece seguir o curso de um rio e contar uma história – já que as músicas parecem encadeadas e evocam imagens que soam do mesmo modo. Será marés, Na rede e O boto, no começo, são folk nordestino – sendo que a última insere clima sombrio e efeitos de tremolo na escaleta. Para a ilha é forró + jazz, mas tem algo de indie rock na sonoridade, até algo de Beatles no meio da melodia. Inverno no mar é balada, blues e folk, com final contemplativo e várias partes diferentes.
Esse clima de viagem sonora, que insere segmentos diferentes em canções curtas, chega no ápice na última faixa do álbum, Emergiu. Até lá, André e Rafael proporcionam surpresas como a melodia de À deriva, que chega a lembrar um soul no final. Ou a recriação da folclórica Peixe vivo, cujas linhas melódicas só se tornam claras lá pelas tantas. Ou o clima folk brasileiro de Náufrago. Um disco muito bonito.
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RESENHA: Soma Please mistura synth pop, pós-punk e dream pop em Ballet, um EP que cruza Queen, U2, LCD Soundsystem e até samba indie.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Skud & Smarty
Lançamento: 14 de maio de 2026
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O Soma Please é um duo luso-britânico, formado pelos músicos Nuno Bracourt e Rob Williamson. Não chega a ser um som muito inovador, mas tem detalhes que conquistam de cara, já que Ballet, o EP, soa às vezes como um encontro entre estilos e épocas. Tipo o que rola com I’m a fan, entre o synth pop e uma onda que lembra o Queen, ou Love, um dream pop com peso. Pockets on my sleeves é pós-punk com alma oitentista, e algo de Radiohead e LCD Soundsystem misturado.
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As duas últimas faixas do EP são as mais diferentonas do disco: Alone é um curioso pop meio samba, meio bossa, com cara indie e solar. What’s the score é mais ruidosa, abre com clima sombrio fake, e depois chega a lembrar um blues rock eletrônico. Ballet é um pequeno apanhado do som deles, e uma demonstração de sonoridades que estão no arquivo deles.
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