Crítica
Ouvimos: Green Day, “Saviors”
- Saviors é o décimo-quarto disco de estúdio do Green Day, o trio de Billie Joe Armstrong (voz, guitarra), Mike Dirnt (baixo) e Tré Cool (bateria). O disco foi apresentado ao público por intermédio de singles como The american dream is killing me, e por shows-surpresa (um deles, dado em Las Vegas).
- O disco novo sai ao mesmo tempo em que chega às plataformas o clipe de Bobby sox, uma das faixas. O clipe traz encontros entre amigos e beijos entre vários casais. “É a música dos anos 1990 que nunca escrevemos. Começou sendo uma canção que escrevi para minha esposa, mas quando se materializou, eu quis modificar e acrescentei: ‘Você quer ser meu namorado?’ no lugar de ‘Você quer ser minha namorada?’… Então a música torna-se uma espécie de hit universal”, diz Billie.
O Green Day nunca pareceu tão perdido e equivocado quanto no disco anterior, Father of all motherfuckers (2020) – álbum que, por sinal, tem um número bem grande de fãs, que viram sentido naquela (é nossa opinião, foi mal) maçaroca indie-garage de menos de meia hora. Já Saviors chega no mercado soando como o disco que o Green Day queria fazer há quatro anos mas (possilvemente) se sentia desmotivado e sem assunto. O trio é uma daquelas bandas sempre a postos para despertar o interesse dos fãs e futuros fãs – numa onda análoga a do U2, também bastante competente em sempre convencer todo mundo de que o melhor ainda está por vir. E voltou compilando tudo o que sabe fazer com competência.
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Impossível não comparar o resultado com álbuns como Dookie (1994) e American idiot (2010), ambos produzidos pelo mesmo Rob Cavallo do novo disco, mas vale observar que o Green Day volta disposto a fazer música grudenta e parece bastante influenciado por uma onda bem power pop e revivalista. Como no clima Ramones de Living in the 20’s e 1981 (essa, brincando com a nostalgia dos anos 1980, traz um verso que poderia ter sido escrito por Dee Dee Ramone: “ela é uma Guerra Fria na minha cabeça/e eu sou Berlim Oriental”). Ou na sonoridade meio Kiss-meio Weezer (é possível!) de Corvette summer. Ou no romantismo quase punk-beatle de Bobby sox. Que por sinal, já ganhou um clipe bem bacana – veja lá pra baixo.
Há também um pouco do clima mal humorado de Insomniac (1995), mas sem a mesma tendência depressiva e adolescente: The american dream is killing me, focando no retorno de Donald Trump à política, é uma crítica direta e madura (madura ao estilo Green Day, claro) à montoeira de sonhos destruídos e pessoas excluídas no dia a dia dos EUA. Look ma, no brains! abre com o verso-referência “não sei muito a respeito de história”, que soava cool e inocente na abertura do hit clássico Wonderful world, de Sam Cooke. Só que a música do Green Day não fala de um adolescente apaixonado, e sim daquele sujeito sem cultura, com posicionamentos políticos e atitudes lamentáveis, que a gente vive esbarrando em cada esquina. O punk palhetado Strange days are here to stay é auto-explicativo, misturando algoritmos, neo-fascismo, uberização e a noção de que o perigo, imaginado ou não, está em cada um de nós – além do verso “dias estranhos vieram para ficar/desde que Bowie morreu”.
Já o lado “hino” do Green Day, que já deu ao mundo Wake me up when september ends e Good riddance, volta meio chatonildo em músicas como Fancy sauce e Father to a son – essa, pelo menos ganha pontos por ser uma reflexão sincera a respeito do relacionamento pai-filho, com versos formidáveis como “nunca soube que o amor poderia assustar mais do que a raiva”. Dilemma, música que até a Rolling Stone tratou como um baita futuro hit, vale como diário das questões pessoais de Billie Joe, mas musicalmente soa como uma mescla mais-do-mesmo de Bad Religion e Foo Fighters. Agora, pra ouvir no repeat e esquecer os vacilos, tem Green Day influenciadíssimo pelo Teenage Fanclub dos bons tempos na ótima Suzie Chapstick. Nem tudo é excelente em Saviors, mas as qualidades são bem superiores aos defeitos.
Gravadora: Reprise Records
Nota: 8,0
Foto: Reprodução da capa do álbum.
RESENHA: Automatic mistura synthpop gelado e pós-punk dançante em Is it now?: muitas referências, mas identidade própria e letras de recusa ao padrão.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 9
Gravadora: Stones Throw Records
Lançamento: 26 de setembro de 2025
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Formado pelo trio Izzy Glaudini, Halle Saxon e Lola Dompé, o Automatic faz música como se criasse seu próprio som – ou como se usasse referências apenas na base do “eu achei legal, mas mudaria tudo”. Ouvindo Is it now?, é meio claro que bandas como Slits, Japan e Suicide foram ouvidas pelas três em algum momento (nesse papo na comunidade do reddit Indie Heads, Gary Numan foi igualmente citado), mas a colagem foi realizada de um jeito tão particular que dá para imaginar que se usassem IA, iam enlouquecer o sistema.
Vai daí que o synthpop estilingado e pontiagudo delas envolve pós-punk dançante e sustentado pelo baixo (Black box, Lazy, o beat eletrônico rudimental de Don’t wanna dance, o voo controlado de The prize), sons que lembram Ultravox, Talking Heads e o começo sombrio do Human League (PlayBoi, Smog summer, o eletropop alemão de Country song), coisas entre o pós-punk e a psicodelia (a flautinha de mq9, a vibe quase dub de Mercury). O teclado entra para dar uma onda “gelada” em meio ao clima bem pé-no-chão do baixo e da bateria, como se cumprisse a cota de climas mais viajantes no som. De bandas mais novas, dá para perceber algo linkado a Bravery e Arctic Monkeys na faixa-título, marcada também por vocais maquinados e onda meio krautrock.
Na letra de Is it now?, a faixa-título, dá para sentir que o Automatic propõe antes de tudo um manifesto estético – da mesma forma que Re-make / Re-model, do Roxy Music, propunha mudar tudo e enxergar beleza onde o movimento hippie poderia ver caretice ou sujeira. “Corte o cabelo com tesoura de cozinha / novo visual, uma imagem diferente / de segunda mão, não de televisão / shoppings, eles te tornam cruel”, avisam elas. Don’t wanna dance mostra que elas, de fato, não querem se parecer com todo mundo: “as luzes estão me cegando / eu não quero dançar, estou me escondendo / cada momento aqui me lembra que / eu não quero dançar”. Um “não é não” musical, de fino trato e em alto volume.
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RESENHA: Carlos Dafé e Adrian Younge unem soul e samba em JID025, disco setentista, orquestral e psicodélico que reencontra passado e presente.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 9
Gravadora: Jazz Is Dead
Lançamento: 17 de outubro de 2025
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Enxergando o soul e o balanço brasileiros como um precioso álbum de figurinhas, o norte-americano Adrian Younge vem fazendo uma série de lances especiais: vem por aí um álbum gravado ao lado de Antonio Carlos & Jocafi, e já saíram discos feitos com Hyldon e Dom Salvador, além de um solo cheio de convidados. E tem também JID025, gravado ao lado de Carlos Dafé, uma das melhores vozes da história da MPB, e um dos compositores mais hábeis no oscilar entre soul e samba.
JID025 parece um disco que Dafé adoraria ter lançado nos anos 1970: Amor enfeitiçado, logo na abertura, tem psicodelia nos acordes de guitarra, mudanças de tom e clima de abertura antiga de novela. E um pouco de paz, com recordações do som de Cassiano, lembra tema de filme policial. Bloco da harmonia tem metais e cordas vibrando junto com a percussão, além de lembranças do lado sambista de Dafé, compositor já gravado por Alcione e Nana Caymmi – embora a canção ganhe clima sombrio no fim. Jazz está morto une jazz, soul e grandiloquência herdada de Isaac Hayes e do Marvin Gave do disco What’s going on (1971). Cítara e harpa marcam o início de Verdadeiro sentimento, balada como as dos discos setentistas de Dafé.
Do começo ao fim, JID025 soa como um flashback turbinado e ácido, que também aponta para o Funkadelic em O baile funk vai rolar, e ganha ar voador em É real… é verdade, no samba orquestral Esse som é verdadeiro e na declamada Como entender o amor. Um reencontro entre passado e presente.
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RESENHA: Period Bomb, de Camila Alvarez, retoma o riot grrrl com inclusão e barulho experimental. O EP Cuntageous mistura egg punk e críticas diretas ao machismo.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8
Gravadora: Crass Lips Records
Lançamento: 2 de dezembro de 2025
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No Brasil ainda não tem muita gente comentando a respeito do Period Bomb – uma pena. Esse projeto estadunidense criado pela musicista Camila Alvarez reavivou o cenário riot grrrl em Los Angeles nos últimos 15 anos, e já lançou discos como Permanently wet (2020) e o EP 24-carat clit (literalmente, “clitóris de 24 quilates”, que saiu em janeiro do ano passado). Um dos trabalhos dela foi ajudar a incluir mulheres trans e mulheres negras que se sentiram excluídas das ondas riot grrl anteriores – como a própria Camila conta nessa entrevista.
- Ouvimos: Ratboys – Singin’ to an empty chair
Cuntageous, o EP mais recente do Period Bomb, não economiza em duas coisas: sons experimentais e dedo na cara de homens babacas. Em alguns momentos lembra Yoko Ono, em outros parece um som ligado também à onda egg punk, de teclados distorcidos e sujos. Cunty boy (“garoto cuzão”) tem vocais afinados, mas prontos para zoar e meter o malho – lado a lado com programação eletrônica e teclados. Parking ticket junta teclados maníacos e voz com vibe fantasmagórica de brincadeira. Birth of labubu zoa uma das manias de 2025 em clima sonoro que mistura Devo, Yoko Ono e Young Marble Giants.
O Period Bomb faz também samba latino experimental em espanhol, Porriquitico, lembrando Mutantes – e lembrando também o quanto o “não é não” é difícil no dia a dia. No final, os 40 segundos da vinheta-título, fazendo questão de explicar que a babaquice masculina é bastante contagiosa. E é.
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Urgente!: Tudo que já dá pra saber sobre o suposto próximo disco de Lana Del Rey
Ouvimos: Automatic – “Is it now?”
Ouvimos: Carlos Dafé, Adrian Younge – “Carlos Dafé JID025”
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