Crítica
Ouvimos: Daft Punk, “Random access memories (Drumless edition)”
- Random access memories (Drumless edition) é a versão sem batidas do álbum clássico do Daft Punk, lançado originalmente em 17 de maio de 2013. Em comemoração aos dez anos do disco, já saiu uma edição trazendo um disco extra contendo 35 minutos de conteúdo bônus, incluindo demos e outtakes inéditos. Dessa vez, é o álbum sem bateria e percussão.
- Diz o release do lançamento que tirar as baterias e percussões “traz uma qualidade atemporal ao álbum, dando aos ouvintes a capacidade de mergulhar mais fundo nas camadas de cada faixa”.
Random access memories, disco premiadíssimo do Daft Punk, como se não bastasse a qualidade dos arranjos e das composições, tinha as participações de dois superbateristas, Omar Hakin e John “JR” Robinson (Carlos Eduardo Lima, do site Célula Pop, fez questão de lembrar disso). Robinson, por exemplo, é nada menos que o batera do disco Off the wall, de Michael Jackson. Boa parte da graça de Random vinha dos desenhos rítmicos e do diálogo entre baixo, bateria e vocais – algo que faz com que Lose yourself to dance, hit do álbum, seja uma grande canção.
E aí vem a edição sem bateria de Random access memories, um projeto por si só bem instigante, o que não quer dizer que seja bom. O desenrolar da historia pode acabar dando problemas: afinal, será que os bateristas originais estão cientes disso? Já vi fãs da banda perguntando em fóruns se Omar e Robinson “merecem” isso, o que é um exagero. Cá entre nós, desde que ninguém seja passado para trás, é o Daft Punk fazendo o que bem entende de sua obra e, alegadamente, tornando-a uma tela musical para produtores e beatmakers criarem em cima. Mas a pergunta principal é: como é escutar um disco conhecido pelas suas batidas dançantes, só que totalmente desprovido de batidas?
Olha, vale como experiência, como curiosidade. E só isso. Daria para tecer a comparação negativa: imagine a introdução de Shellshock, faixa do Substance, do New Order, durando três minutos com morte súbita. Não é bem assim porque no caso da Drumless edition, são canções, com começo, meio e fim, ainda que descaracterizadas. Mas a sensação é a de escutar uma eterna introdução de uma faixa, só que a faixa não chega, a explosão não acontece – tudo termina abruptamente antes que se transforme em algo para dançar. Dá pra descobrir sensações novas em Motherboard (você vai prestar atenção nos arranjos de cordas e sopros, além dos efeitos especiais, como nunca prestou), Fragments of time, Within, nos hits Get lucky e Lose yourself to dance. Só é pouco.
A versão sem bateria de Random access memories foi definida pelo Pitchfork como “um álbum conceitual tão teoricamente puro que não precisava existir, uma piada sem piada”. Não é bem assim, não é pra levar a mal: é basicamente uma experiência que a dupla quis dividir com os fãs – e que, normal, não ficou tão boa quanto o original, nem era pra ficar. Para fazer jus à memória do grupo e do disco, que saia outro projeto realmente significativo em breve. E que a moda não pegue, principalmente.
Nota: 6
Gravadora: Columbia
Foto: Reprodução da capa do álbum
RESENHA: Power pop punk com alma de Motown, Beatles e Ramones. Barking Poets misturam energia, crítica e ótimas melodias em The red EP.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 9
Gravadora: Engineer Records
Lançamento: 5 de junho de 2026
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Essa banda de Londres define seu som como “power pop punk que soa como um encontro entre Motown, Beatles e Ramones”. Em The red EP, os Barking Poets unem essa onda sonora a muitas referências do lado mais suingado do punk setentista, como The Clash e The Jam – bandas que, de fato, faziam esse tipo de som herdando características do soul sessentista, numa onda “heroica” que, necessariamente, passava pelas referências do The Who.
- Ouvimos: Niis – Niis world
Nas letras, por sua vez, os Barking Poets abraçam distopias dos novos tempos, falando de guerras de propaganda onde nenhuma bomba é detonada (Modern war), ruínas pessoais (The mess I made, punk-reggae na cola do Clash, e os excessos de Pure blood) e a resistência da arte apesar de tudo (o punk estradeiro Change our ways, dos versos “quatro anos inteiros ligando equipamentos e fazendo barulho / ninguém se importa, ninguém se importa / os sonhos são frágeis quando não há mais para onde ir ou fugir”).
Tem ainda as duas melhores faixas do disco: a lindíssima Arizona, punk com cara power pop, cuja letra é o retrato da paralisia diante de vida – e Losing contact, som intenso de quase seis minutos, com ótimas guitarras, e que deve render muito bem ao vivo. Em Losing, contatos vão se perdendo, aos poucos, numa relação perdida em que uma das pessoas está totalmente fora da realidade e parece ter sido abduzida. Acontece nas melhores famílias.
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RESENHA: Brockhoff une alt-rock noventista e indie confessional em Easy peeler, estreia sobre amadurecimento, memória e vulnerabilidade.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: PIAS
Lançamento: 5 de junho de 2026
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O ruído noventista é o combustível do primeiro álbum da alemã Lina Brockhoff, Easy peeler – e o desconforto pessoal e existencial, tanto da época quanto o de hoje, também. Lembrando um mescla de Mazzy Star, Pixies, Soccer Mommy e Kate Bush, a faixa-título abre o álbum falando de relacionamentos difíceis e momentos em que sangue e pele trocam de lugar. The carpet song, na sequência, alude tanto a Weezer e à própria Soccer Mommy quanto a Avril Lavigne (citada em material promocional do disco). A ligeiramente sixties Cruel lembra um Hole mais sensível.
Easy peeler traz uma mistura bem feita de guitarras e melodias do alt-rock dos anos 1990, com a vulnerabilidade confessional do indie atual – e sai numa época em que vulnerabilidades pessoais rendem mais discos do que os momentos em que uma pessoa constantemente atacada precisa se fazer de durona. Willows, balada alt-rock de guitarras circulares e clima soft, fala de aceitação numa cidade pequena (“fiquei entediada enquanto me ocupava pulando poças em uma cidade tão orgulhosa / você acha que eu mereço algo melhor? / você acha que me perdi correndo atrás da multidão?”).
- Ouvimos: Olivia Rodrigo – You seem pretty sad for a girl so in love
Muito de Easy peeler, tanto em músicas quanto em letras, mistura emoções solares e lembranças doloridas – como no sing-along de Sunny day (Deadline), ou no clima imagético do punk-pop triste Blue star. Há momentos em que a coisa ganha ares de “ferrou tudo!”, como em Nothing can be fixed in this place, canção triste de arranjo criativo e produção esmerada, e nas baladas Dirty dream e It never happened, que lembram uma Phoebe Bridgers em tom mais alt-rock e distorcido. Japanese garden, por sua vez, é uma balada distorcida, pesada e quase shoegaze – uma das mais ruidosas do disco.
A atenção a detalhes do dia a dia (jardins, árvores, cantos da casa dos pais, carrinhos Hot Wheels) transformam Easy peeler num disco basicamente sobre crônicas do crescimento. Mas que acaba fazendo sentido em várias fases da vida, como rola no power pop pandêmico I’ve stopped getting chills for a while now (“é o verão de 2020, agosto passou voando / faz um tempo que não fecho os olhos / porque tenho medo de todos os pesadelos que apontam para a mudança que me atingiu”).
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RESENHA: No álbum Relentless metamorphosis, Optic Sink transforma filmes de Maya Deren em pós-punk experimental, unindo krautrock, eletrônica vintage e atmosfera fantasmagórica.
Texto: Ricardo Schott
Nota: 8,5
Gravadora: DIG! Records
Lançamento: 24 de abril de 2026
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Banda de pós-punk de Memphis, o Optic Sink surgiu no Pop Fantasma no ano passado com a resenha de seu álbum Lucky number. Conquistou de cara: Natalie Hoffmann, Ben Bauermeister e Keith Cooper se parecem com aquelas bandas que você descobre em coletâneas antigas da Factory – grupos para os quais o Joy Division chegou a abrir shows mas que ficaram no passado, ou que chegaram a ser considerados mais promissores que o New Order por alguns minutos.
Já Relentless metamorphosis, o quarto disco, é quase um álbum que paira acima da discografia do grupo. O disco surgiu de um projeto afetivo da banda, em que eles fizeram trilhas para os curtas-metragens da cineasta vanguardista norte-americana Maya Deren (1917-1961) – eram filmes que cruzavam imagem, dança e vários diálogos artísticos. Havia uma exibição dos filmes de Maya, e o trio foi convidado pelo local da mostra para fazer as músicas e tocar ao vivo enquanto os filmes rolavam.
- Ouvimos: Sri Lanka – Leviathan
“Após a exibição, as pessoas da plateia discutiram com entusiasmo o quão incrível era seu trabalho e questionaram por que nunca tinham ouvido falar dela, mesmo sendo uma influência tão clara para tantos cineastas notáveis”, escreveu Natalie no texto de divulgação do álbum. Relentless metamorphosis contribui para o não-apagamento de Maya investindo em um som cerebral herdado do krautrock e da fase Berlim de David Bowie (The very eve of right, de 15 minutos), e depois em recordações da eletrônica oitentista, mas como se viesse de uma fita bem antiga (A study for choreography).
Meshes of the afternoon chega a lembrar o clima espacial de Radio activity, do Kraftwerk – o som leva o ouvinte lá pra longe e ainda dá certos sustos. Meditation on violence tem clima cerimonial e fantasmagórico, e vai ganhando contornos progressivos inimagináveis, chegando a lembrar artistas como David Sylvian.
Todas as faixas pedem a audição enquanto os filmes rolam na tela, mas o filme Meditation on violence, de 1948, com sua coreografia bela e crua, explorando o ritual Wu-Tang, vira outra coisa quando se ouve com a música ao fundo. Sincronize como você já fez com The dark side of the moon e O Mágico de Oz.
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Ouvimos: Barking Poets – “The red EP” (EP)
Ouvimos: Brockhoff – “Easy peeler”
Ouvimos: Optic Sink – “Relentless metamorphosis”
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