RESENHA: The Chameleons voltam após 24 anos com Arctic moon, disco que expõe as raízes do britpop em sete faixas épicas e elegantes.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 9
Gravadora: Metropolis Records
Lançamento: 12 de setembro de 2025

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The Chameleons surgiram em 1981 em Manchester e são o tipo da banda que influenciou todo mundo. Todo mundo mesmo – se você nunca ouviu, talvez se espante em perceber o quanto grupos como Oasis. House Of Love, Suede e Blur (dependendo da fase) devem a eles. Noel Gallagher já confessou isso algumas vezes, inclusive.

Já bandas como Arctic Monkeys igualmente parecem ter herdado deles a vontade de fazer um pós-punk “de luxo”, que une a espacialidade de Echo and The Bunnymen, os climas do Joy Division, a elegância do Roxy Music – além de algo que acaba vindo, nem que seja inconscientemente, de bandas como Beatles, Rolling Stones e The Who. Arctic moon, novo álbum do grupo – e o primeiro em 24 anos – é o tipo de disco que, mais do que mostrar o que originalmente era o britpop, parece mostrar do que o britpop é realmente feito.

A visão de “rock britânico” dos Chameleons é feita de romantismo, elegância, ironia e guitarradas entre The Who e o pós-punk, como na faixa de abertura, Where are you?. Mark “Vox” Burgess, vocalista e baixista, canta a busca de um amor idealizado – na real, um amor totalmente dependente (“preciso de alguém que entenda / as aflições que pesam sobre este homem / para abraçá-lo, pegar sua mão / e guiá-lo a uma terra sagrada”), mas cantando sob uma base foda de rock, total encontro entre anos 60, 80 e 90. Lady strange responde pelo lado maios beatle do álbum, com climas emanados da obra de George Harrison e misturados com Kinks.

Arctic moon é um disco especial, lembrando que mesmo os anos 1980 eram repletos de experimentalismos: são sete longas faixas, oscilando às vezes entre sons clássicos do rock e sons clássicos da música, como na valsa britpop de Feels like the end of the world, que lembra uma canção típica irlandesa e fala sobre a sensação de fim de mundo que vem com as guerras. Free me tem muito do glam rock e tem passagens sonoras que fazem lembrar All the young dudes (David Bowie + Mott The Hoople). A balada espacial Magnolia fala de amores que terminam e deixam vazios.

Tem mais: David Bowie takes my hand, som enigmático que lembra do Bowie de The man who sold the world (1971) e do de Low (1977), fala de uma vida em que amigos somem, a felicidade parece um sonho distante e o amor é estranho – mas o camaleão surge como o cara que salva vidas e aponta o melhor caminho. Um salvador bem diferente dos falsos profetas de Savior, tapa na cara de um certo presidente alaranjado, enxergado como um mafioso incendiário (“super Nero com seu sorriso ególatra”). Um pós-punk com guitarra dedilhada, bem bonito e ágil. Uma beleza espacial como todo o som de Arctic moon.

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RESENHA: Reverendo Frankenstein estreia nova formação em Renascido!: punk de terror com surf, Ramones e clima sombrio no Psycho Carnival.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 8
Gravadora: Ohio Entertainment
Lançamento: 13 de fevereiro de 2026

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Lançado no Psycho Carnival, em Curitiba, Renascido! traz o primeiro registro com a formação atual da banda de psychobilly Reverendo Frankenstein (M. Krempel na voz, Alex From Hell na guitarra, Villa Von Zorch no baixo e Renan Pigmew na bateria). O som não é uma atualização do estilo, mas dá para dizer que basicamente o Reverendo volta fazendo punk de terror, com referências de pós-punk, Ramones e da fase solo de Joe Strummer.

O respiro, na abertura, traz um reforço de peso do rock paulista – a letra é assinada por Fábio Gasparini, vocalista da lendária banda Varsóvia – para ajudar a construir uma faixa que fala de sufocos e sombras pessoais. Deixa ela falar tem guitarras em clima de faroeste, vocais graves e uma parte “metal” no meio, com uma letra que fala de amor à música. O lado Ramones dá as caras com força em Tubarões e serpentes, com cara de anos 1950 e 1960, vibe de terror, e letra de protesto trabalhista (“mulheres e homens sem glória ou esperança / das 9 às 17, seis dias por semana / o seu suor derrubavam / a maioria nascia só pra morrer”).

Já Não me arrependo é surf punk com melodia sombria e bonita, herdado do repertório da banda santista The Bombers (a faixa vai está num tributo ao grupo, organizado pela Mutante Radio). E falando em surf punk, o disco ainda tem uma faixa chamada Surf punk, união de jazz, blues e hardcore, com trecho da letra de Caralho voador (do Faith No More) e uma participação especialísima, na guitarra jazzística, de ninguém menos que Robertinho de Recife – isolada depois na vinheta Jazz punk. Um renascimento e uma transição.

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RESENHA: Banda paulistana Wilza mistura punk lo-fi, ironia e protesto em EP. O som une Stooges, Veruca Salt e psicodelia em sete faixas ruidosas e livres.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 8,5
Gravadora: Independente
Lançamento: 2 de fevereiro de 2026

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Essa banda paulistana – que não tem nenhuma Wilza na formação – define seu som como “punk pirulito”: é punk, é pesado, distorcido, lo-fi até, mas a busca é sempre pelo lado mais irônico de todas as situações. Só que é uma ironia cheia de raiva, porque o lance de DW Ribatski (voz e guitarra), Ligia Murakawa (baixo) e Clara do Prado (bateria – depois da gravação, Isabella Pontes, do experimentalíssimo Schlop, entrou em seu lugar) é unir ruídos, emanações que vão de Stooges a Veruca Salt e letras que pregam liberdade acima de tudo, pau nos fascistas e chutes em todos os poderosos do universo. Como diz a faixa Luigi Mangione, união de powerpop + britpop + psicodelia e ruídos: “hoje eu vou te encontrar onde for / eu vou te achar / na jacuzzi ou no jockey / o CEO tem que morrer! (…) / seu papai é um patrão machão nazista / cortaremos a cabeça do rei”.

Wilza, o EP, abre com um experimento meio post-rock, instrumental, Aduína – um som mais maluco que Radiohead e com clima meio mutante. Terapia, que vem em seguida, se estabiliza como um quase shoegaze. A letra avisa que “não importa sua ferida / não conserta com lambida / você tem que pagar”, como um conselho – ameaça para quem usa traumas como desculpas para ferir os outros. Glicose matinal vai na veia da sensação de perigo herdada do punk, enquanto a pesada e fantasmagórica Trem fantasma é terror sonoro, quase pré-punk.

Turista tem letra leve e clima de viagem sonora, mas com lembranças do Sonic Youth. Já o final, com os sete minutos de Senta em mim, descortina um guitar rock extenso e melódico, que vai ganhando clima psicodélico e ruídos. Na letra, liberdade, enfrentamento e mistério: “você pode ser planta / você pode ser rei / não existe deus não, beibe / e todo mundo é gay / por detrás, por detrás das montanhas tudo pode mudar”. Som e choque.

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