Cultura Pop
Chico Buarque na TV: descubra agora!
O livro Noites tropicais, de Nelson Motta, entrega que rolou um grosso temporal de granizo nas relações de Chico Buarque (aniversariante deste sábado, 77 anos) e a Rede Globo, nos anos 1970. O cantor ficou sabendo que a nova decoração do bar Antonio’s, em Ipanema, tinha sido custeada pelo todo-poderoso da emissora, Boni. A casa, no novo look, tinha as paredes cheias de foto dos frequentadores famosos. Segundo Nelson Motta, Chico, frequentador assíduo do local, arrancou o pôster de Boni da parede do bar – no caminho para casa, rasgou tudo e jogou fora.
Chico diz que esse rancor todo não era à toa: em artigos e entrevistas, afirmou que a Globo o boicotava e que seu nome foi proibido na emissora durante os anos 1970. O poder exercido pela emissora na ditadura militar também não deixava o cantor nada feliz. De qualquer jeito, bizarro imaginar o cantor fora de qualquer momento da história da televisão no Brasil, porque, antes de tudo, Chico chegou ao grande público por intermédio dela. Tornou-se uma cara conhecida ao participar dos festivais de música transmitidos pela Record e ao aparecer em outros programas da emissora, como o Esta noite se improvisa.
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Aliás, Chico, ao lado de Nara Leão, tentou ser apresentador da emissora no fim de 1966. Os dois amigos ficaram à frente de um curioso programa de auditório da Record chamado Para ver a banda passar. A atração era tão variada que apresentava Elza Soares e Altamiro Carrilho, lado a lado com a própria Nara cantando As tears go by, dos Rolling Stones.
Chico ficou sumido da Globo mas nem tanto – sua voz era ouvida em trilhas sonoras de novelas, e lá pelos anos 1980 ele voltou a dar entrevistas ao canal. E ele passou vários anos dando as caras em outras emissoras, que fizeram especiais até bem grandinhos e importantes com seu trabalho. Separamos dez desses momentos em que o autor e cantor de Vai passar passou (ai) na TV.
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“A BANDA” NO FESTIVAL DE MÚSICA POPULAR BRASILEIRA DE 1966. O primeiro hit de Chico era meme puro: “estava à toa na vida” e “vendo a banda passar” viraram frases que muita gente repete até hoje. A capacidade de comunicação da música conquistou público e jurados e fez a canção, de início, vencer o festival. Ainda que o júri decidisse criar um empate com Disparada, de Geraldo Vandré e Theo de Barros (com Jair Rodrigues na defesa) para evitar maiores problemas.
“RODA VIVA” NO FESTIVAL DE MÚSICA BRASILEIRA DE 1967. Uma apresentação que dispensa apresentações (eita), já que existe até mesmo um filme sobre esse festival, Uma noite em 67, dirigido por Renato Terra e Ricardo Calil. Ficou em terceiro lugar na competição, dessa vez sem empates. A música era tema de uma peça, escrita por Chico em 25 dias e montada por José Celso Martinez Corrêa.
ESPECIAL NA BAND. Num papo com o combativo jornal gaúcho Coojornal, em junho de 1977, Chico disse que nunca esteve brigado com a TV (apenas queixou-se de censuras da Globo). E comentou sobre um programa de televisão que fizera há pouco: Meus caros amigos foi um especial exibido em 30 de março, dirigido por Roberto de Oliveira, e exibido pela Rede Bandeirantes, com uma gama extremamente variada de convidados, indo de Francis Hime e Milton Nascimento, aos atores Antonio Pedro e Paulo Cesar Pereio.
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NOVELA DO CHICO. Ainda que a Globo e Chico não tivessem boas relações, volta e meia apareciam músicas do cantor em novelas. Espelho mágico (1977) tinha na abertura Vai levando, parceria do cantor com Caetano Veloso, na interpretação de Miúcha e Tom Jobim. A trilha da novela era repleta de nomões da MPB, e Chico ainda aparecia no disco cantando Maninha, também ao lado da irmã e do compositor. O produtor Guto Graça Mello contou no livro Teletema, de Guilherme Bryan e Vincent Villari, que era amigo de Chico nessa época, e que ele e o diretor Daniel Filho montaram a trilha na base da intuição, “sem nenhuma visão política e mercadológica da MPB”.
“ÓPERA” NA TV. O disco duplo Ópera do malandro (1979), cheio de convidados (e surgido do musical dirigido por Luiz Antonio Martinez Correa), rendeu um especial de fim de ano da Rede Tupi em 1979, com participações de nomes como Marlene e Moreira da Silva. Fernando Faro, o diretor, aproximou a estação (que fecharia portas no ano seguinte) do Estado Maior da MPB: a emissora encerraria o ano também com especiais de Paulinho da Viola (Violão e cavaquinho), Gal Costa (tendo o disco Gal tropical como tema), Gonzaguinha (idem com o LP Gonzaguinha da vida) e Caetano Veloso (dedicado ao disco Cinema transcendental).
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CHICO NA ABERTURA DA ÚLTIMA NOVELA DA REDE TUPI. Parece brincadeira mas aconteceu: a Tupi saiu do ar em 18 de julho de 1980 sem exibir o final de sua última novela, Como salvar meu casamento, de Carlos Lombardi. A abertura, um primor de fantasmagoria, tinha Cotidiano, de Chico (na mesma versão do cinquentão disco Construção) como tema.
NA MANCHETE. Inaugurada em 1983, a Rede Manchete tentou imprimir na cabeça do telespectador a ideia de que era um projeto revolucionário, “artístico” e diferente do feijão com arroz habitual. Durou o quanto pôde, porque a emissora passou a adotar uma linha bem mais popularesca depois de certo tempo – e, como você deve saber, fechou portas em 1999. Durante um bom tempo, investiu em programas top de linha como o musical Bar academia (em que um astro da MPB falava sobre seu trabalho, com convidados e clipes exclusivos) e Persona (entrevistas comandadas por Roberto D’Ávila).
CHICO E CAETANO NA GLOBO. O cessar-fogo entre a Globo e Chico incluiu, numa mudança de grade da Globo, a criação de um programa mensal, Chico & Caetano (1986), unindo os dois artistas, com uma gama de convidados que incluía Astor Piazzolla, Jorge Ben, Mercedes Sosa, Tom Jobim, Gilberto Gil, e até mesmo Legião Urbana e Paulo Ricardo (RPM).
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NO CHACRINHA. Pois é, Chico passou por lá. O cantor foi ao Cassino do Chacrinha lançar seu disco de 1984, Chico Buarque, e mostrar o sucesso Vai passar, em meio a confete, serpentina e chacretes.
MUSICAL. Antes de Chico & Caetano já tinha rolado a adaptação para a TV de O corsário do rei, musical de Chico e Edu Lobo, em 6 de janeiro de 1985. A atração ganhou o nome de Corsário especial, teve participações dos artistas que estariam no disco do programa (lançado pela Som Livre em 1985) e contou com depoimentos de atores e cantores sobre musicais. A curiosidade é a participação da Blitz, com Show bizz.
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Crítica
Ouvimos: Ramones, “Halfway to sanity” (relançamento)
Que ironia: um disco nota 6 dos Ramones causa crises de saudades e revisionismo histórico e… pelo menos aqui no Pop Fantasma, aumenta de cotação. Halfway to sanity (1987) volta agora às lojas brasileiras (as online e as que resistem), e no formato CD. Foi o último disco gravado com Richie Ramone na bateria, pouco antes do grupo fazer uma tentativa de colocar o ex-Blondie Clem Burke para substituí-lo.
Dizer que “o disco tal dos Ramones foi marcado por brigas durante a gravação” é chover no molhado, ainda mais em se tratando de uma banda que tinha o intransigente Johnny Ramone como guitarrista. Halfway, décimo álbum da banda, lançado originalmente em 15 de setembro de 1987, por sua vez, é um caso à parte: a porrada comeu antes, durante e depois. Para começar, em janeiro daquele ano, o grupo baixou em São Paulo para três shows – o primeiro deles terminou em briga generalizada provocada por skinheads.
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No meio das gravações, Joey e Johnny Ramone, inimigos íntimos, não se entendiam. O produtor Daniel Rey tinha problemas de comunicação com boa parte da banda. Dee Dee Ramone (ainda no baixo do grupo), passava boa parte do tempo doidão, não conseguia se comunicar com ninguém e – dizem – teve suas partes de baixo tocadas por Rey. Pessoas que lidavam com os Ramones de perto dizem que a banda já estava de saco cheio de trabalhar feito louca, gravar um disco por ano e não ser reconhecida, com direito a amigos da onça perguntando a eles “quando a banda iria estourar”.
E aí que Halfway soa insano, embora sob controle. Curtíssimo (12 músicas em 30 minutos e uns quebrados), o álbum traz os Ramones fazendo algumas incursões pelo hard rock e pelo hardcore, com direito a vocais berradíssimos de Joey Ramone em faixas como I know better now, a agitada Weasel face (na qual a voz do cantor chega a lembrar a de Alice Cooper) e o skate punk legítimo I’m not Jesus. O grupo chega perto do pós-punk gótico em Garden of serenity, adere ao som tribal na onda do Public Image Ltd em Worm man, e soa revivalista na balada Bye bye baby (com cara de canção de girl group, e escrita, claro, por Joey) e no rock vintage Go lil Camaro go, marcado por uma apagada participação de Debbie Harry.
1987 foi um ano de três bateristas para os Ramones: com Halfway em curso, Richie saiu brigado da banda, e deu lugar para Clem Burke – jornalistas lançaram a piada de que ele adotaria o nome Clemmy Ramone, mas ficou mesmo como Elvis Ramone. Não deu certo e após dois shows confusos, Marky Ramone, que estava afastado da banda desde 1983, retornou. Hoje, vale a redescoberta.
Nota: 7,5
Gravadora: ForMusic (no Brasil)
Crítica
Ouvimos: Nick Lowe e Los Straitjackets, “Indoor safari”
- Indoor safari é o novo disco do cantor, compositor e produtor britânico Nick Lowe. Um artista cuja carreira vem desde meados dos anos 1960, mas que se notabilizou a partir dos anos 1970, primeiro como integrante das bandas Brinsley Schwarz e Rockpile, depois como artista solo lançado por gravadoras como a indie Stiff e a indie-major Radar.
- O disco é uma compilação de gravações feitas ao longo de dez anos por Lowe com a banda retrô-lounge-surf Los Straitjackets, que sempre se apresenta disfarçada por máscaras de wrestling. O cantor e o grupo já haviam lançado um álbum ao vivo em 2016.
- Indoor safari sai pelo selo Yep Roc, iniciado em 1997 e cujo elenco já teve de Fountain Of Wayne a Bob Mould e Gang Of Four.
Figurinha indispensável dos anos 1970, brilhante como cantor, compositor e produtor, rei da transição entre pub rock, punk e new wave (seu som passa pelos três estilos)… Nick Lowe é aquele cara que provavelmente, no Brasil, muita gente conhece sem conhecer. Volta e meia ele é citado por aí como nomão influente, artistas como Elvis Costello já trabalharam com ele, e sua discografia, além de já ser bem extensa, inclui músicas que volta e meia rolam no rádio até mesmo no Brasil, como So it goes, Crackin up e Cruel to be kind.
Drogas e problemas pessoais deixaram a história de Nick mais conturbada, mas ele nunca parou. De qualquer jeito, a carreira discográfica de Lowe meio que ficou no para-e-anda depois de 2013, quando ele lançou Quality street, disco de Natal. Em compensação, ele saiu em turnê para divulgar o álbum ao lado de uma banda chamada Los Straitjackets, uma banda da mesma gravadora que ele (Yep Roc), dedicada a rock extremamente vintage – surf music, rockabilly e coisas próximas do bubblegum – com cada integrante usando uma máscara de wrestling.
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Isso aí era Lowe, que já foi visto como um revisionista futurista, voltando-se para um som clássico de rock, ao lado de uma galera bastante animada. Tão animada que o enrosco com a banda rendeu turnê e alguns singles. E agora rende uma espécie de coletânea expandida, Indoor safari, com os compactinhos que ele vem gravando ao lado dos Straitjackets, mais três músicas inéditas. Uma das novas canções, a surfística Went to a party, surge na abertura soando como o Who ou os Kinks dando vida nova a uma canção dos anos 1950 – ou alguma música perdida de bandas como Kingsmen ou Rivingstones.
Indoor safari não é um disco “novo”, mas isso não o torna menos valoroso. Os Straitjackets e Lowe fazem um disco de rock quase 100% autoral que poderia ter saído em 1961 ou 1962, com músicas que, se tivessem sido feitas naquela época, estariam no set list do show dos Beatles em Hamburgo, ou entre as releituras dos primeiros discos deles. De qualquer jeito, há dois covers, A quiet place, de um grupo chamado Garnett Mimms & The Enchanters, original de 1964; e Raincoat in the river, gravada originalmente por Ricky Nelson.
O clima lounge prometido pela foto da capa surge amplificado em músicas como Love starvation, a tristezinha rocker de Crying inside, a maravilha meio Motown meio Beatles Jet pac boomerang (encerrada com uma citação de Please please me, dos quatro de Liverpool), a selvageria rocker de Tokyo bay e a bateção irresistível de violão e guitarra de Trombone. Cada riff de guitarra soa como anúncio de duelo, numa onda meio surf rock de faroeste. Ouça no volume máximo.
Nota: 9
Gravadora: Yep Roc
Crítica
Ouvimos: Kate Pierson, “Radios & rainbows”
Cantora do B-52’s e uma das vozes mais célebres do rock dos anos 1980 (nos anos 1990 participou de Shiny happy people, do R.E.M., e de Candy, de Iggy Pop, você talvez saiba), Kate Pierson fez um segundo disco solo que parece um verdadeiro catalogo pop. Radios & rainbows tem doze músicas que se parecem provavelmente com o que Kate gostaria de descobrir no rádio – ou vá lá, o que ela gostaria que, do repertório dela, estivesse tocando no rádio hoje em dia.
Boa parte do repertório vai de canções mais disco, ou pós-disco, até músicas que lembram sua banda B-52’s (claro) e até ABBA. É o que rola em faixas como a balançada Dream on, o rock sombrio-de-brincadeira Every day is halloween, o r&b vintage Evil love, o house Wings. Correndo por fora, tem até um reggaezinho em Pillow queen, um soul-rock em Living on a Monet e uma tentativa de fazer pop grandiloquente em Higher place – uma faixa que se fosse gravada com instrumentos eletrônicos e samplers, seria uma daquelas mesclas de drum’n bass, punk e nu metal que volta e meia surgem no universo do rock. Além de power pop na onda das Bangles e das Go-Go’s em Always till now e The beauty of it all.
Kate faz questão de chamar a atenção para a positividade do disco. É verdade, mas como já acontecia no próprio B-52’s, não existe festa sem luta – ela celebra o poder geral em Dream on e Higher place, fala do dia a dia com a esposa Monica em The beauty of it all e sobre corações partidos em Give your heart to science e Take me back to the party – que cita Get in on (Bang a gong), do T Rex, na letra.
Nota: 8
Gravadora: SongVest Records
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