• Echoes – Ancient & modern é o novo disco do produtor e músico inglês Trevor Horn, que fez parte dos Buggles (é um dos três autores do hit Video killed the radio star, por sinal) e foi vocalista do Yes no disco Drama (1980). Também produziu o disco 90125 (1983), da banda progressiva, e convenceu o grupo a gravar o hit Owner of a lonely heart.
• O disco traz vários hits e clássicos do pop e do rock com cantores convidados. Três das faixas, Owner of a lonely heart (do Yes, com Rick Astley), Slave to the rhythm (de Grace Jones, com Lady Blackbird) e Relax (do Frankie Goes To Hollywood, com Toyah Wilcox e Robert Fripp) foram originalmente produzidas por ele.

O disco novo de Trevor Horn traz seus cantores preferidos regravando clássicos do pop e do rock. E é (perdão pelo clichê) uma caixinha de surpresas. Nem sempre são surpresas realmente excelentes. Cá entre nós, Iggy Pop não acrescenta muita coisa a Personal Jesus, do Depeche Mode. O mundo não precisava exatamente de White wedding, de Billy Idol, nas vozes de Andrea Corr (The Corrs) e do produtor e cantor irlandês Jack Lukeman. Aliás, este último solta a voz numa versão Disneyworld de Smells like teen spirit (Nirvana) cuja necessidade não ficou clara para mim até o momento.

O que vale ouvir do disco são as releituras que soam inusitadas, mas que não batem no ruim e velho “passou do ponto”. Claro que Tori Amos relendo Swimming pools (Drank), de Kendrick Lamar, ficou inacreditável. Evidente que você vai ouvir um trilhão de vezes Seal deixando Steppin’ out (Joe Jackson) mil vezes mais bela, com arranjo jazzístico. Owner of a lonely heart, do Yes, virou synth pop anos 1980 com Rick Astley nos vocais. Por sinal, a versão de Horn traz o sampling do sampling – a virada de bateria do original, que já era sampleada de Kool is back, do Funk Inc, reaparece antes do refrão.

Já Relax (Frankie Goes to Hollywood), com o casal Toyah Wilcox e Robert Fripp, ficou bonita e simpática – idem com Marc Almond interpretando Love is a battlefield, de Pat Benatar.. E prepare-se para ouvir no repeat a voz cheia de personalidade de Steve Hogarth (cantor do Marillion) em Drive, do The Cars. Além do próprio Horn, nos vocais, transformando Avalon, do Roxy Music, em trilha de filme imaginário.

Nota: 7,5
Gravadora: Deutsche Grammophon

Foto: Reprodução da capa do álbum

• i/o é o décimo álbum de estúdio de Peter Gabriel. É o primeiro disco dele desde o álbum de regravações orquestrais New blood (2011) e o primeiro de inéditas desde Up (2002).
• O repertório do álbum foi selecionado em meio a mais de 150 canções inéditas, que já vinham de antes de Up (aliás i/o foi um nome provisório de Up), tanto que há material iniciado em 1995 no disco. Playing for time, uma das faixas, descende de Daddy long legs, cantada por Peter em sua turnê Back to front (2012-2014).
• Todas as músicas foram lançadas como singles, todos eles chegando ao público a cada lua cheia – com mixes alternativos das mesmas faixas saindo a cada lua nova. O projeto inteiro de i/o, nas plataformas e em formato físico, tem as duas mixagens (bright-side, feita por Mark “Spike” Stent, e dark-side, de Tchad Blake) de cada música. Há ainda mais uma versão em Dolby Atmos, lançada apenas na Amazon e na Apple Music.
• O título i/o relaciona-se tanto a “in” e “out” quanto ao nome de uma lua do planeta Júpiter.

“No princípio era o verbo”, conta um certo livro que, dizem por aí, é o mais vendido do mundo. O “princípio” de qualquer álbum de Peter Gabriel é um tanto mais intangível. Não basta apenas ter uma ideia, um estúdio e gente competente para levá-la adiante: é preciso visão (muita), paciência (idem) e tempo (mais ainda). O ex-vocalista do Genesis já pensava de maneira progressiva (e progressista) no auge da psicodelia, continuou olhando para a frente quando o no future virou moda e, vários anos depois, permanece tentando comunicar de maneira efetiva o que mais ninguém vê. Só faz isso com cada vez menos frequência, já que cada disco de Gabriel é um projeto diferente, que envolve mergulho em arquivos, retorno a ideias que foram deixadas de lado e questionamentos que valem por sessões exaustivas de análise.

Lançado com quase 20 anos de atraso (Gabriel já anunciava o nome I/O, em maiúsculas, como uma possível continuação de Up a ser lançada em 2004), o novo álbum do britânico podia ter entrado para o time das ideias anunciadas, revisadas, remexidas mas que nunca chegam a público. O cantor já falava daquilo que Luiz Melodia chamou de “nascimento, vida e morte/quem diria?” em Up – na verdade sempre falou, incluídos aí o clima de desapego de seu primeiro hit, Solsbury hill (1977) e o clássico romântico-existencialista-tecnológico Sledgehammer (hit de 1986, do álbum So).

Por sua vez, i/o parte de onde Up parou: é um testemunho de Gabriel sobre vida, morte, envelhecimento e equilíbrio do universo, em tom ambient característico (por acaso, Brian Eno está entre os colaboradores). Chega a comover em And still, canção de despedida em downtempo, com acompanhamento orquestral e batida levemente dançante. Na letra, Peter despede-se dos pais celebrando a vida e a continuidade, em versos como “e ainda assim os ventos quentes irão soprar/todos os rios fluirão/e ainda assim a grama verde crescerá/em cada lugar que eu escolho ir/eu carrego vocês dentro de mim”. Live and let live põe na roda o (controverso, ainda mais nos tempos de hoje) tema do perdão, citando Martin Luther King e Nelson Mandela.

De modo geral, Peter Gabriel age mais como um contista do que como um mero compositor, geralmente recorrendo a fábulas e a imagens religiosas – como na referência budista de Four kinds of horses, que fala também da combinação de terrorismo e religião, ou na constatação da passagem do tempo de Playing for time. Já o belo soul Olive tree (a melhor do disco, pondo em versos a conexão entre as pessoas), o art-pop Panopticom (que fala de um projeto do cantor envolvendo a criação de um banco de dados) e as programações de The court (essa, lembrando uma versão bem menos porradeira do Nine Inch Nails) ajudam igualmente a dar a cara do álbum, variando entre o pós-progressivo dos anos 1980 e 1990 e o som tecnológico que sempre marcou sua obra.

O pacote todo de i/o inclui os dois remixes, totalizando mais de duas horas de música (e cerca de 70 minutos nas doze faixas). O bright side soa mais pesado, mais aberto, “pra cima” enquanto o dark-side parece mais sujo – ouvi em diferentes tipos de fone e me lembrou um “digital” dos anos 1980, ou algo do tipo. Ouça naquele clima de imersão que anda em falta nos dias de hoje.

Nota: 9
Gravadora: Real World/EMI/Republic

Foto: Reprodução da capa do álbum (original de Nadav Kander).

• Bauhaus staircase é o décimo-quarto disco de estúdio da banda britânica Orchestral Manoeuvres In The Dark. É o primeiro disco da dupla em seis anos e o quarto depois da volta em 2006. Boa parte do álbum tem temas políticos, com inspiração no período entre o fim da década de 2010 e o começo da de 2020.
• O material foi composto na época da pandemia, com Andy McCluskey usando várias ideias acumuladas ao longo do tempo. Os próprios Andy e Paul Humphreys (os dois do OMD) produziram o disco. A arte da capa foi feita por um artista de Liveerpool, John Petch.

Desde os primeiros hits da Orchestral Manoeuvres In The Dark, ficou claro que o principal desse grupo da península de Wirral (na região do Merseyside, o que acaba inserindo a OMD na cena oitentista de Liverpool) é associar eletrônica, senso pop às vezes quase ligado ao rock e um tantinho de nostalgia. É ela que muitas vezes chama mais a atenção que qualquer futurismo associado ao som deles – músicas como Enola gay, So in love e Pandora’s box são bem mais melancólicas do que apenas dançantes. A dupla de Andy McCluskey e Paul Humphreys tem o mesmo apego à tecnologia, à arquitetura e à criação de ambientações musicais que vários de seus pares – mas tem a mesma recordação de tempos idos que volta e meia bate em canções de Erasure e Pet Shop Boys, por acaso duas duplas, como eles.

Bauhaus staircase por outro lado, é um disco político – que joga luz no fato de que a Orchestral Manoeuvres In The Dark era a banda que fez de Enola gay um hit anti-guerra e que deu ao segundo disco o nome de Architecture & morality (1981). A OMD minimalista e nostálgica ressurge em músicas como Healing e Veruschka, o lado mais grandiloquente da dupla (que inspiraria Massive Attack, Justice e vários outros) marca ponto na política e dançante Anthropocene. Uma faceta sombria aparece na faixa-título, sobre a arquitetura da Bauhaus e a Alemanha pré-nazista.

Costumeiramente chamados de Lennon & McCartney do synth pop, McCluskey e Humphreys tangenciam o rock à maneira da OMD, em meio aos teclados de G.E.M., Aphrodite’s favourite child e Slow train, e na balada lúgubre Where we started, uma mescla bem louca de Velvet Underground (& Nico) e Depeche Mode. Já Kleptocracy é discurso espalha-brasa à maneira de Won’t get fooled again, do Who: “Não importa em quem você votou/eles compraram o homem que você elegeu/vendendo a liberdade e a lei marcial/instalaram aquele que você rejeitou”.

Nota: 8,5
Gravadora: White Noise

Foto: Reprodução da capa do álbum