RESENHA: Com os Chrome Hearts, Neil Young faz de Second song um disco cru e confessional, com folk, country e noise rock em longas canções sobre família, separações, memória, velhice e recomeços.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 9
Gravadora: Reprise Records
Lançamento: 18 de setembro de 2025

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Sete músicas, letras sentimentais e cheias de caminhos diferentes, clima nostálgico, arquitetura sonora “machucada” – captada como numa mescla de gravações de ensaio, sessões profissionais e alguns acréscimos. Second song, novo disco de Neil Young, acompanhado da banda The Chrome Hearts, segue a mesma onda de “nada de refinamento!” do álbum anterior com o grupo, Talkin’ to the trees (de 2025, resenhamos aqui). Só que dessa vez ele conseguiu quase (veja bem: quase) fazer um disco que vai ser lembrado no futuro, da mesma forma que Harvest (1972) é hoje.

O diabo é que nem sempre discos lembrados no futuro são aceitos e entendidos de cara – e muitas vezes o fato é que eles simplesmente não foram feitos sob o signo do esforço para serem entendidos. No caso de Neil Young, um sujeito que quer mais é que os fãs lutem para entendê-lo, mais ainda. Dito isso, Second song é um disco quase slacker, como se Neil tivesse resolvido adotar alguns métodos de produção e composição de Kurt Vile. Mas tivesse resolvido reescrever o manual do slacker à sua moda.

Há músicas bem grandes (são sete faixas em 42 minutos) e Neil parece definitivamente ter virado o fio para o fluxo de consciência na hora de escrever letras. No The Guardian, Alexis Petridis escreveu que em Talkin’ to the trees “Young frequentemente soava como se estivesse gravando o material conforme ia compondo”. Em vários momentos de Second song, ele enfileira versos e assuntos, quase como se fosse pensando nas coisas e cantando.

Na faixa-título, um épico nostálgico de onze minutos, isso não apenas dá certo como provoca nós na garganta. A música é de uma beleza estradeira absurda e conta histórias de vida, morte, cantos de pássaros, sol nascendo, natureza – e um monte de coisas que fazem a gente se perguntar sobre o que estamos fazendo das nossas vidas. Na real, em boa parte de Second song, o disco, Neil parece se perguntar o que ele e todas as pessoas estão fazendo de suas vidas. E vai colocando isso, ou em músicas inteiras, ou em versos escolhidos.

Tipo em Soon I might be going, música de nove minutos que, na prática, é um noise rock, com guitarras distorcida e ruidosas – mas disfarçado de balada nostálgica. E em cuja letra Neil fala de Trump, Casa Branca destruída, prédios, carros novos, revoluções e até de questões familiares – aparentemente sua filha Amber Jean não engoliu muito a separação do cantor de Pegi após quase quatro décadas de casamento, em 2014, e se afastou do pai (Pegi, só para lembrar, morreu em 2019, quando o cantor já estava casado havia um ano com Daryl Hannah, o que talvez tenha tornado as coisas mais complexas por lá).

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Em Soon, lá pelas tantas, ele solta um “volte pra mim, minha querida” – soa bem menos depressivo que a letra de Dark mirage, do disco anterior, em que ele fala que perdeu sua garotinha e seus netos para a “escuridão interior” ou para a “miragem escura”. Uma música que, segundo o próprio Neil, é dedicada ao “amor da sua vida” e que, ao lado de The foggy edge of time, lidera o bloco mais confessional do disco, com Neil enfileirando recados sobre família, divórcio, recomeços, finais, e parecendo querer ser entendido pelos mais próximos.

Do repertório de Second song fazem parte dois retrabalhos: Casting me away from you foi feita lá por 1965, retrabalhada como The emperor of Wyoming, instrumental da estreia Neil Young (1969) e gravada aqui; e I’ll love you forever foi feita em 1964 para sua namorada do colégio. É de se imaginar a importância emocional dessas faixas para Neil, uma vez que pelo menos uma delas (Casting) nem é um baita resgate – é um country pé-de-pano bem formulaico, na verdade.

Já I’ll love you forever é um folk lascado lindíssimo, valorizado pelo clima celestial dos teclados e da guitarra, e pelos barulhos de mar – e que soa como a redescoberta de antigas emoções aos 80 anos. Earth girl, por sua vez, é um recado dedicado a Daryl, e traz de volta um dos truques de Young: fazer uma balada country linda, mas que soe como uma canção de Burt Bacharach. Assim ninguém resiste.

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RESENHA: No terceiro álbum, Melodie, o Slow Pulp cruza folk, indie rock, pós-punk, soft rock e shoegaze em gravações de textura envelhecida, com Emily Massey entre a delicadeza pop e a melancolia.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 8,5
Gravadora: Anti
Lançamento: 18 de setembro de 2026

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Muitos músicos foram prejudicados durante a pandemia: discos que não aconteceram, turnês canceladas, álbuns jogados em alguma gaveta ou HD externo e que se tornaram verdadeiros traumas na vida de muita gente. O Slow Pulp, uma banda de Chicago, passou por isso: Moveys, o primeiro disco, saiu em 2020 (olha que ano!) e acabou trazendo a eles bem menos felicidade e reconhecimento do que parecia que iria vir.

Melodie, o terceiro disco, talvez inicie uma fase diferente na história do grupo: o Slow Pulp volta entre o folk e o indie rock luminoso e celestial, destacando os vocais de Emily Massey, sempre transmitindo entrega, tranquilidade e uma certa timidez. É como se ela cantasse de cabeça baixa, não para se alinhar aos shoegazers, mas para sentir a música.

Melodie parece gravado em fita – e fita K7, com aquele peso e aquela ambiência chapada, além de alguns ruídos que deixam entrever algo que parece envelhecido. As texturas de faixas como These days, Spill, Yellow and green, a ruidosa Better man e o soft rock Not for nothing vêm disso: os sons acústicos parecem guardados há anos numa gaveta, as guitarras parecem ter vindo de algum lugar bem distante – e que talvez nem pertença ao passado.

A faixa-título, por sua vez, cai dentro de uma new wave “espacial”, mas meio suja, com guitarras emparedadas e teclados com som envelhecido. Red car é um pós-punk com muito de Pixies: baixo à frente, início quieto e ruído depois – mas sem atacar o / a ouvinte. Entertainer invade a área de bandas como My Bloody Valentine e Slowdive, mas privilegiando a fantasmagoria em detrimento do barulho. Faz isso da maneira mais pop possível para um grupo que foge da perfeição pop, e que chega perto até da união entre pop adulto e ruídos na desencantada Like me – cuja letra fala sobre um relacionamento tão cambeteado pela baixa autoestima que parece até nunca ter acontecido.

Up to you, por sua vez, pode até ganhar o rótulo “shoegaze”, mesmo estando mais para uma viagem sonora entre a psicodelia e o britpop – com uma bateria apenas mencionada, sombreada. O final indica novos caminhos: mais um soft rock, Slip away, com Emily soltando a voz com alcance bem longo – e olhos nos olhos da plateia – e cantando versos como “e tudo parece fácil quando esqueço que tudo é diferente / quando acaba, eu me afasto”.

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RESENHA: No novo EP, Is it really living?, o quarteto londrino Nekra cruza hardcore, noise rock e punk em cinco faixas sobre machismo, capitalismo, submissão e resistência, com riffs pesados e vocais gritados.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 8
Gravadora: La Vida Es Un Mus
Lançamento: 28 de agosto de 2026

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Você realmente vive ou apenas sobrevive? É isso que o quarteto punk feminino Nekra quer que você pense com seu novo EP, Is it really living? Vindo de Londres, o grupo encaixa misturas de hardcore e noise rock nas cinco faixas do disco, e capricha na porradaria, tanto em músicas quanto em letras. Os vocais são sempre gritados, e as / os fãs de bandas como Ratos de Porão e Exploited vão curtir bastante o som.

“Viver”, no caso, é não se adaptar às regras de submissão de uma sociedade machista – como elas cantam em Bad bitch stomp, música em que avisam: “nós nunca nos encaixamos no molde / nunca conseguimos passar / seus ideais de virtude / nunca foram para nós”. Venas é porradaria séria cantada em espanhol, enquanto All we got is us abre com ruído de transmissão (como numa rádio que avisa a hora da guerra), ganha riffs metálicos e enfileira palavras de ordem: “nunca confie em mentiras vindas de mãos ensanguentadas / o império precisa cair / a hora é agora / precisamos atender ao chamado”.

No final do EP, Risk factor considera a vida sob o manto do capitalismo uma farsa, e põe uma pergunta na mente: “é viver se estivermos vivendo por empréstimo?”, cantam / gritam / protestam. Pancadaria punk de valor.

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