Connect with us

Cultura Pop

Billion Dollar Babies: a banda de Alice Cooper sem ele nos vocais

Published

on

Já falamos milhares de vezes mas não custa lembrar: até o disco Muscle of love (1973), Alice Cooper era uma banda, não um artista solo. Era um grupo liderado por um cantor chamado Alice Cooper, que tinha na formação Glen Buxton (guitarra), Michael Bruce (guitarra base e teclados), Dennis Dunaway (baixo) e Neal Smith (bateria).

Ocorre que essa turma começou a se desentender e a pegar pesado nas drogas. Alice, em especial, se dizia no meio de “um coma da Seagram’s” e começava a ter questões a respeito de onde terminava o cidadão Vincent Furnier (seu nome verdadeiro) e onde iniciava o personagem Alice Cooper, no melhor estilo Edson e Pelé.

A formação deu um tempo para todo mundo se concentrar em projetos pessoais. Mas longe da marca da banda, todo mundo passava dificuldades. Michael Bruce, por exemplo, lançou um disco solo, In my own way (1975), sem muita repercussão. O batera Smith gravou Platinum god, que ficou engavetado até 1999. Enquanto esperava pelas decisões da banda e já imaginava que o vocalista se lançaria sem os colegas, a Warner não perdeu tempo e soltou um Greatest hits do cantor.

Alice arrumou tempo para participar de um musical sequelado, Flash Fearless, enquanto se mantinha como um dos membros mais ativos dos Hollywood Vampires – a galera que incluía nomes como Keith Moon e John Bonham e ocupava uma sala secreta no Rainbow Bar, em Los Angeles, só para encher a cara em excesso. Como era bastante comum de acontecer numa década cheia de novidades como os anos 1970, Alice começava a se assustar com as novidades: assombrava-se com o fato do Kiss (que considerava como “quatro Alice Coopers”) estar ganhando público e se amedrontava com Diamond dogs, de David Bowie.

E aí, aconteceu que Alice se separou da própria banda, mas continuou com o nome e gravou Welcome to my nightmare, em 1975. Creditado, como acontecia com todos os outros, a Alice Cooper, é seu primeiro disco solo de verdade, gravado com músicos contratados. Conceitual, o disco era parte de um projeto multimídia que incluía turnê, especial de TV e mais truques de palco, com a ideia de deixar Kiss, David Bowie e quem mais aparecesse lá para trás.

Bruce, que vinha trabalhando com os colegas num “disco de despedida” da banda, se lembra de ter descoberto que não estava mais nos planos de Alice quando foi a um ensaio e viu outros músicos no lugar da banda. Alice, por sua vez, diz que nunca despediu os colegas e que todos foram buscando caminhos que não tinham nada a ver com o projeto original do grupo. Seja como for, se Alice passou a se apresentar sem seus ex-colegas, a Alice Cooper Band, desprovida de seu cantor (e sem o guitarrista Glen Buxton, que andava passando maus bocados com as drogas) passou a se chamar Billion Dollar Babies, mesmo nome do disco de mais sucesso de Alice Cooper (1973)

Essa formação trazia Michael Bruce (voz e guitarra), Neal Smith (bateria) e Dennis Dunaway (baixo) ao lado de Mike Marconi (guitarra) e Bob Dolan (tecladista que tocou em alguns dos últimos shows da Alice Cooper Band). O grupo conseguiu um contrato com a Polydor e lançou um disco mais voltado para o lado hard rock da Alice Cooper Band, Battle axe, em 1977.

A demo do BDB chegou a ser apresentada a Warner, diga-se de passagem – a gravadora desprezou o material assim que o ouviu. Já assinados com a Polydor, lançaram o disco e os problemas pipocaram. Ou melhor, o vinil Battle axe pipocou nos toca-discos de muita gente – mais aproximadamente a faixa Too young, mixada com volume lá no alto.

A mixagem, por sinal, acabou tomando mais tempo que o normal, desanimou a banda e, uma vez nas lojas, Battle axe estacionou nas vendas. Nos shows, a banda gastou uma baita grana para recorrer aos mesmos truques cênicos dos shows da Alice Cooper Band. Os aparantes incluíam guitarras parecidas com martelo de gladiador para Bruce e Marconi (além de uma “luta” em pleno palco), e bateria “voadora” para Michael Bruce. Só que as trocas de empresários, o sumiço dos fãs da época de Alice Cooper e a aporrinhação geral (além, claro, de certa megalomania na hora de escolher o equipamento de palco) acabaram tirando o foco da banda, que só fez quatro shows. O Billion Dollar Babies acabou aí e todos foram fazer outros trabalhos.

Discute-se até hoje (brincadeira, eu que discuto) porque é que, em pleno 1977, o grupo não preferiu adotar o despojamento do punk – que nasceu do próprio som de Alice Cooper, em discos como School’s out (1972) e o próprio Billion dollar babies. De qualquer jeito, Battle axe foi recordado não faz nem muito tempo num CD triplo, que inclui o LP original, um disco de demos e a gravação do primeiro show da banda, no Michigan, em 1977. Uma nova chance para a redescoberta.

Veja também no POP FANTASMA:
Flash Fearless: Alice Cooper e The Who numa ópera-rock da qual ninguém lembra
Aquela vez em que Alice Cooper fez um tema para James Bond
Em 1974: Alice Cooper, o filme
– A balada de Dwight Frye, ator de terror

Ricardo Schott é jornalista, radialista, editor e principal colaborador do POP FANTASMA.

Cultura Pop

Relembrando: Nile Rodgers, “Adventures in the land of the good groove” (1983)

Published

on

Relembrando: Nile Rodgers, "Adventures in the land of the good groove" (1983)

Nile Rodgers vivia uma espécie de estresse pós-traumático no começo dos anos 1980. O ex-guitarrista do Chic, um dos maiores gênios musicais que o planeta Terra conhece, tinha sido quase cuspido para fora do mainstream por causa do preconceito com a música dançante e com a disco music, no fim dos 1970. Um alegado desvio ultra-comercial da música feita para dançar, além de um evento-bizarrice chamado Disco Demolition Night (em que LPs de disco e de black music foram quebrados pelo público, numa ação que o próprio Nile compararia à queima de livros pelos nazistas) aumentaram mais ainda esse isolamento.

  • Temos episódio de podcast sobre a fase 1980-1983 de David Bowie.
  • Apoie a gente e mantenha nosso trabalho (site, podcast e futuros projetos) funcionando diariamente.

Em meio ao fim do Chic, ao excesso de drogas e à desilusão com o mercado fonográfico, Nile simplesmente desistiu de fazer hits. Ou esqueceu como se fazia, pelo menos por uns tempos. Começou a produzir outros artistas (fez Koo koo, estreia solo de Debbie Harry, do Blondie, lançada em 1981, que fez sucesso moderado) e reuniu material para seu primeiro voo solo, lançado logo após às ultimas investidas do Chic. Ainda sem ter certeza de que a estreia seria um sucesso de verdade.

Adventures in the land of the good groove, estreia solo de Nile Rodgers (11 de março de 1983) não estourou. Azar de quem não deu atenção para a estreia do músico, um disco com oito módulos dançantes, sem refrãos fáceis, primo da house music e até do jazz. Na época, fez sucesso com a crítica – Nile já estava escalado para produzir Let’s dance, de David Bowie (1983) e a revista Smash Hits chegou a afirmar que “se o disco de David tiver metade da qualidade, será excelente”.

Acaba servindo como um elo nada perdido entre a fase do Chic e as produções que Nile fez para Bowie e Madonna, em faixas como a afro-latina The land of the good groove, o pré-rap safado Yum yum (“dormi com as mãos sobre ele/me dê um pouco desse yum-yum antes de dormir nesta noite”), o funk-rock dançante de Beet (provavelmente a música do álbum que mais impressionou Bowie, já que realmente tem muito do groove do álbum Let’s dance) e Rock bottom.

Nile, em sua autobiografia Le freak, queixava-se (com toda razão) de que artistas brancos fazendo balanço invadiam as paradas de pop e r&b. Escreveu também, complementando, que negros que faziam sons dançantes ficavam restritos à parada de r&b (se fizessem misturas com new wave e rock em geral, perdiam mais terreno ainda). Adventures, heroicamente, era o disco que repatriava sons que Nile e seu parceiro Bernard Edwards haviam criado no Chic – e que haviam sido chupados por uma turma que incluía Queen, Blondie e uma galera enorme.

O design sonoro de Get her crazy, por exemplo, era análogo ao de Another one bites the dust, do Queen. Most down e It’s all in your hands eram o que o álbum entregava para quem era fã de David Bowie – mas Bowie foi outro que ficou de olho na música dançante dos anos 1970 e pôs tudo em seus discos, do seu jeito. Era o jeito do próprio Nile trazer de volta o que sua própria turma havia criado, e que estava “nas mãos” dos músicos para os quais frequentar as paradas de rock e new wave era rotina frequente. Tinha ainda a balada romântica My love song for you, uma das canções mais prototípicas do álbum.

Nile, que já tinha uma carteira considerável de hits com o Chic, conseguiu mais sucesso como produtor (e ajudou a fazer hits!) e como criador de trilhas sonoras do que como artista solo. Adventures e o segundo álbum, B movie matinée (1985) não venderam muito. O músico fez Madonna estourar com o álbum Like a virgin (1984), uniu-se a Bill Laswell para ajudar a bombar o primeiro disco solo de Mick Jagger (She’s the boss, 1985). Fez várias outras colaborações e produções, e até lançou em seu selo Sumthing Else trilhas para games (em DVD, o que era uma novidade para o mercado). Hoje mantém uma versão nova do Chic, que já veio até no Rock In Rio, em 2017.

Continue Reading

Cultura Pop

Relembrando: Julian Cope, “Saint Julian” (1987)

Published

on

O cantor e compositor galês Julian Cope costuma ser mais lembrado como o músico genioso que brigou com um (ex) amigo, Ian McCulloch, e o expulsou de sua banda, A Shallow Madness. Com outra formação (e sob a liderança de Cope), essa banda se transformou no Teardrop Explodes, grande grupo da região de Liverpool, cidade para onde Cope migrara. Ian, por sua vez, talvez estivesse em condições de mandar um “valeu, parceiro, é isso aí” para o ex-amigo (e o resto da história de Ian, você talvez já saiba – se não sabe, temos um podcast a respeito).

  • Temos um episódio do nosso podcast, o Pop Fantasma Documento, também sobre o Teardrop Explodes.
  • Apoie a gente e mantenha nosso trabalho (site, podcast e futuros projetos) funcionando diariamente.

Julian, como líder de banda, nunca foi um sujeito fácil: vivia doidão, tinha fama de tirano, sempre foi dado a ranços e rancores de morte. “Costumo fazer as entrevistas porque eu sou o único que realmente tem algo a dizer”, chegou a falar sobre seus colegas de Teardrop Explodes.

O grupo durou apenas até 1983. Após o fim, Cope precisou de um tempo para se livrar dos excessos (numa época em que muita gente já achava que ele tinha virado um Syd Barrett do pós-punk) e embarcou numa ótima carreira solo, que demorou alguns anos para fazer sucesso de verdade. Saint Julian, o primeiro álbum de Cope que muita gente escutou (lançado em 2 de março de 1987) já era seu terceiro álbum.

Saint Julian é mais conhecido por duas canções bem populares, Trampolene e World shut your mouth (mesmo nome do primeiro LP solo dele, de 1984, mas a música só saiu no terceiro álbum). O disco veio de um verdadeiro bombril que Julian topou passar em sua carreira: assinou com a Island, cortou o cabelo, adotou uma imagem mais positiva de rockstar, vestiu-se de couro da cabeça aos pés e passou a gravar canções com arranjos mais “épicos”.

O lado mais dark do seu trabalho anterior estava lá ainda, mas sob a forma de verdadeiros hinos, como Shot down, Saint JulianEve’s volcano e outros. Além de pelo menos um clássico punk-psicodélico, Pulsar. E de uma canção de oito minutos, arrastada e sombria, e de teor quase medieval: A crack in the clouds. Já Screaming secrets é uma das faixas mais associáveis ao Teardrop Explodes, com toda a carga dramática da ex-banda de Cope na letra (“preciso questionar/todas essas coisas que são bons conselhos”).

O disco também representava uma volta às origens: Julian estava encantado novamente com o lugar na Inglaterra onde passara a infância (Tamworth, uma cidade de 74.272 habitantes) e incluíra a bandeira da localidade até mesmo no logotipo do LP, publicado no encarte. Enxergava ligações até mesmo entre o design da bandeira e a criação do famoso microfone “de três andares”, com apoios para o pé, que Cope vinha usando nas turnês desde 1986.

Numa entrevista da época (lançada num single que foi incluído em algumas edições do disco), Julian admitia que Saint Julian apostava suas fichas no vermelho e no preto simultaneamente. Interessado em temas como paganismo e ocultismo – e portador da pecha de “guru do ácido” da geração pós-punk – Cope atraía um rebanho de freaks que chegava a peregrinar até sua casa.

Ao mesmo tempo, o cantor zoava o culto aos astros, e o que chamava de “me siga, vou liderar você”, ou “agitar bandeiras” (talvez uma referência cruel ao bandeirão branco que Bono, do U2, agitava no palco na época da turnê do disco War). “Nunca nem me ocorreu que eu teria que falar com pessoas. Eu era um grande fã de John Cale, fui vê-lo em Birmingham, e nunca me passou pela cabeça a ideia de dizer um ‘olá, como vai?’ a ele”, brincou.

A carreira de Julian Cope ainda teria altos e baixos imediatos logo após Saint Julian – um disco do qual (incrivelmente!) ele já declarou não ser muito fã. Seu contrato com a Island prosseguiria com o bom My nation underground (1988), mas sofreu abalos quando ele resolveu gravar um disco quase pirata dentro da gravadora, Skellington (lançado só em 1989). Cope vem lançando discos até hoje, equilibrando-se entre psicodelia, pós-punk e até folk pagão, e divide seu tempo com a carreira de escritor – tendo lançado livros importantes como Krautrocksampler, com a história (resumida) do rock experimental alemão. E tem que ser mais ouvido.

Continue Reading

Cultura Pop

No nosso podcast, Prince na fase 1982-1986, incluindo “Purple rain”

Published

on

A partir de 1982, com o disco 1999, Prince redefiniu os parâmetros da palavra “revolução” em música. Se você ainda não conhecia Prince, estava obrigado a prestar atenção nele. Você iria acabar notando aquele gênio musical que compunha praticamente tudo sozinho, produzia seus próprios discos, tocava todos os instrumentos (mas liderava uma turma bem legal no palco, a banda The Revolution), apresentava hits como When doves cry, 1999, Little red corvette, Raspberry beret. E ainda migraria para o cinema, com o megasucesso da tela Purple rain.

Prince era pop. Mas apesar disso – e talvez por causa disso – incomodava. Era um músico preto liderando uma banda, era um cara de visual andrógino atuando nos conservadores anos 1980, foi o autor de músicas extremamente ativas sexualmente, foi o compositor que deixou uma turma indignada com o conteúdo de suas letras. E no segundo episódio da temporada 2024 do nosso podcast Pop Fantasma Documento, a gente viaja na fase 1982-1986 de Prince – aquele período em que o título de “rei do pop” concedido a Michael Jackson ficou severamente ameaçado.

Nomes novos que recomendamos e que complementam o podcast: Black Pumas e Yoùn.

Estamos no Castbox, no Mixcloud, no Spotify, no Deezer e no Google Podcasts. 

Edição, roteiro, narração, pesquisa: Ricardo Schott. Identidade visual: Aline Haluch. Trilha sonora: Leandro Souto Maior. Vinheta de abertura: Renato Vilarouca. Estamos aqui de quinze em quinze dias, às sextas!

Arte: Aline Haluch em cima da capa de Parade.

Continue Reading
Advertisement

Trending