RESENHA: Em Michelangelo dying, Cate Le Bon transforma o fim de um amor em arte surrealista: folk, dor, beleza e arranjos que sangram com elegância.

Nota: 9
Gravadora: Mexican Summer
Lançamento: 26 de setembro de 2026.

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Se você jogar qualquer texto no ChatGPT e pedir para a IA dar “aquele trato” na sua produção, mas sem dar orientação nenhuma para ela, arrisca-se a dar de cara com a palavra imersivo em seu texto – ou icônico/icônica, quem sabe. Bom, no caso da cantora, compositora e produtora galesa Cate Le Bon, as duas palavras nem fazem feio: ela é realmente um ícone do art rock de seu país, e seus álbuns geralmente jogam o/a ouvinte num ambiente uterino, mas onde nada é exatamente o que parece ser.

Discos de Cate como Pompeii (2022) podem ser tranquilamente comparados à fase Berlim de David Bowie, ou a boa parte dos álbuns de Kate Bush, ou aos discos de outro orgulho artístico galês, John Cale. São discos cuja música dói de tão surrealista, e que contam histórias não apenas com as letras, mas também com as melodias, arranjos e interpretações – às vezes o fluxo de consciência das letras dependem da moldura de arranjo e melodia para ser devidamente entendido. Se você levar tudo isso aí para o mundo dos clipes, ou das capas de álbuns, ou das mumunhas de produção dos álbuns, tudo parece estar ali com uma mensagem a ser desvendada – bem diferente dos easter eggs e mistérios baratos do universo pop.

O fato é que Michelangelo dying, novo disco da cantora, tem mensagens bem diretas, que Cate tratou de desvendar em entrevistas: o fim de um relacionamento de longa data; vários pequenos problemas de saúde que foram se avolumando após o relacionamento acabar; a mudança de volta para Cardiff, em seu país natal. O disco também fala, de certa forma, a respeito dele próprio: Cate já tinha outro disco encaminhado e preferia não tratar desse tipo de assunto publicamente, mas acabou decidindo fazer o que chamou de “fotografar uma ferida, mas cutucá-la ao mesmo tempo”.

• Ouvimos: Gina Birch – Trouble
• Ouvimos: The Beths – Straight line was a lie

As letras de músicas como Jerome, Love unrehearsed e Mothers of riches, que abrem o disco, parecem flagrar Cate começando a abordar a perda – com direito a um verso tocante na segunda música: “ela dorme como uma pedra / por que você a toca mais?”. Pieces of my heart vai tocando mais fundo, em versos como “pedaços do meu coração apagados / e nada vai mudar isso”. Heaven is no feeling, por sua vez une tristeza e destruição (“o dia, a noite, tudo acaba / você fuma nosso amor como se nunca tivesse conhecido a violência”).

Musicalmente, Cate criou em Michelangelo dying um som só dela, que parece obedecer a seus critérios de produtora. Tudo baseado em guitarras, teclados, efeitos, vocais doces e doloridos, tons entre o folk e o cristalino, que surgem em Love unrehearsed, a meditativa About time, a robótica Body as a river, o folk psicodélico de Heaven is no feeling. Faixas como Is it worth it (Happy birthday) lembram os discos que Brian Eno lançou nos anos 1970, e há alguma filiação com a obra de Patti Smith, nos versos cortantes e no clima de algumas faixas. E o já citado John Cale surge em Michelangelo dying e participa de Ride, som mágico e hipnótico no qual as coisas parecem chegar perto do equilíbrio (“está tudo bem / são apenas sentimentos indo embora”).

No final, a gélida e meditativa I know what is nice parece requerer um esforço enorme de Cate – seja para olhar o que sobrou, ou quem sabe para falar de tudo (“estou deixando alguém que eu amo / não consigo respirar por alguém que eu amo”, diz a letra). Uma canção de desapaixonamento cujo ritmo vai ficando mais lento e cardíaco, até encerrar.

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RESENHA: O Die Spitz une punk e metal em Something to consume, disco intenso e ruidoso, cheio de peso, emoção e surpresas sombrias.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 8,5
Gravadora: Third Man Records
Lançamento: 12 de setembro de 2025

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Tem quem já se prepare para comparar o Die Spitz, grupo formado por quatro mulheres, com bandas como Amyl and The Sniffers, por causa do nível de ruído feito por elas. Só que tem bem mais aí: em Something to consume, as quatro se comportam como catedráticas do barulho, unindo vários estilos musicais em nomes dos decibéis.

Pop punk anthem (Sorry for the delay) até engana na abertura, trazendo algo de emo e de hardcore, mas envolto em sombras, e em climas emotivos e intensos. Daí para a frente, o som flerta descaradamente com o metal em Throw yourself to the sword, cai na intensidade doom em Sound to no one e ganha um aspecto tão sombrio em Go get dressed, que a música parece ranger.

• Ouvimos: Algernon Cadwallader – Trying not to have a thought

Em boa parte de Something to consume, o Die Spitz é um monstrengo punk + metal, unindo o melhor dos dois estilos, como no guitar rock American porn, na cavalar e sussurrada-gritada Rod 40 e na quebradeira de Riding with my girls. Punishers tem melodia muito bem feita e bonita, mas com peso e distorção na medida.

No final de Something to consume, as surpresas: a pegada punk + girl group de Down on it, e a perdição nas sombras noturnas de A strange moon/Selenophilia. Ouça hoje mesmo.

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RESENHA: Banda paraense Naïf estreia com Trópicos úmidos, EP de pós-punk com raízes locais e poesia sobre a vida urbana.

Texto: Ricardo Schott

Nota: 8
Gravadora: Zero Açúcar
Lançamento: 23 de setembro de 2025

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Tita Padilha (voz e omnichord), Rodrigo Sardo (guitarra), Lucas Padilha (baixo) e Erik Lopes (bateria e programações) são os integrantes da banda Naïf, de Belém (PA). Trópicos úmidos, EP de estreia, fala basicamente de mudanças pessoas e existenciais que vêm do contato com a vida urbana, do reconhecimento do outro, do dia a dia da capital. O som é basicamente pós-punk com raízes brasileiras e paraenses, além de inquietações pessoais, sociais e políticas transformadas em poesia.

• Ouvimos: Azul Azul – Azul Azul

A faixa-título, com letra imagética e concretista, é um som distorcido com ritmo incomum – parece um samba que vai sendo construído e entortado na frente do ouvinte. Mãe ganha clima psicodélico por causa do órgão da abertura, e a melodia se desenvolve em torno de algo entre marcha e reggae.

Parda, que vem na sequência, une cores, valores e dores, num som com filiação sessentista e lembranças de antigos girl groups e das produções de Phil Spector. No final, algo de PJ Harvey nos vocais de Tita e na melodia de A cidade, quase um dream pop com ascendência latina e paraense.

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